Sculptures

L'artiste ne se lancera pas sérieusement dans la sculpture au début du XXe siècle, époque à laquelle il a déjà la trentaine. Il continuera à produire soixante-neuf bronzes et un autre taillé dans le bois, bien que d'autres aient pu exister.

Ce n'est qu'en 1912 que la première grande exposition de ses sculptures en public sera organisée, les années 1950 offrant plus tard une étude plus approfondie et complète de son travail dans ce médium dans un certain nombre de galeries différentes en Europe et aux États-Unis. Ayant rejeté les enseignements académiques de Bouguereauplus tôt dans sa carrière, préférant une approche moins rigide de l'apprentissage, il a toujours été quelqu'un qui forgeait son propre chemin dans la vie.

Les sculptures de Matisse deviendraient bien plus qu'un simple intérêt secondaire, mais un véritable volet respecté de son œuvre qui continue d'être recherchée et documentée aujourd'hui. Une partie du contenu de cet article, par exemple, provient d'une publication du Metropolitan Museum of Art de 1972, intitulée La sculpture de Matisse par Alicia Legg. Cela fournit l'aperçu le plus impressionnant de son travail en bois et en bronze que nous ayons trouvé à ce jour.

Vers la fin du XIXe siècle, Matisse va chercher de nouvelles sources d'inspiration plus libres et choisit de visiter le Louvre à de nombreuses reprises, réalisant des dessins des différentes pièces de son immense collection. Il tentera de remplir son intérêt pour la sculpture avec des séances du soir à l'Ecole de la Ville de Paris, mais ne semble pas les impressionner à l'époque.

Il collaborera ensuite avec Antoine Bourdelle aux ateliers de La Grande Chaumière pendant un certain temps, espérant apprendre d'un jeune homme qui à l'époque était considéré comme l'élève le plus talentueux travaillant sous la direction d'Auguste Rodin.

Matisse et Rodin se connaissaient désormais, mais ce jeune homme n'avait pas réussi à exciter le maître à ce stade. Malgré cela, l'influence de Rodin peut être vue dans les sculptures de Matisse, certainement, et il s'est également inspiré des idées d'un autre artiste notable, Antoine-Louis Barye. La photographie incluse dans cette page capture L'écorché, d'après Puget, une création qui présente des similitudes évidentes avec l'œuvre de Rodin, peut-être en particulier avec The Falling Man et The Thinker.

Au tout début du XXe siècle, Matisse consacre un temps considérable à chacune de ses sculptures. L'un a pris jusqu'à deux ans, en raison de son désir d'étudier le sujet en détail avant d'en travailler chaque élément. Cela a assuré la précision mais a également permis de gagner du temps plus tard dans sa carrière, car une grande partie de cet apprentissage était désormais consacrée à la mémoire. Souvent, le travail acharné doit être mis en place au début avant qu'un artiste puisse vraiment travailler avec liberté.

La copie du Jaguar dévorant un lièvre de Barye a été achevée en 1901 et impliquait une étude minutieuse de cette belle créature, un peu similaire à la façon dont Eugène Delacroix avait étudié les lions et les tigres dans les zoos français afin d'obtenir une représentation aussi précise que possible. Il produirait également une copie de Puget' s Ecorche en (1903) qui était une tendance courante dans l'art français comme moyen d'afficher et d'apprendre l'anatomie humaine, en révélant les couches sous la peau.

En parlant de Delacroix, il utilisera ce thème pour développer ses talents dedessinateur, de la même manière que d'autres romancistes français, dont Théodore Géricault et aussi des peintres néo-classiques antérieurs tels qu'Ingres et David.

Un autre exemple de la précision et de l'attention aux détails utilisées par Matisse dans ses sculptures à ce stade serait la façon dont il exigeait qu'un modèle s'assoie une centaine de fois pour une seule pièce. Bevilaqua, qui était lui-même apparu plus tôt dans L' Homme qui marche de Rodinde 1877, deviendrait le sujet de Serf, qui reconnaissait son âge avancé au moment où cette pièce parut environ vingt-cinq ans plus tard. Malgré la longue période nécessaire pour produire Serf, il a été généralement bien accepté et considéré comme une statue d'une expressivité impressionnante.

Bien qu'il ne travaille pas spontanément à ce stade, peut-être parce qu'il apprenait encore les techniques de cette discipline au fur et à mesure qu'il créait chaque pièce, il était toujours capable de formuler des pièces cohérentes et fluides qui lui offraient des promesses en sculpture, mais avec encore beaucoup plus à apprendre. à ce stade. Il semblait aussi que les liens entre son travail et celui de Rodin seraient toujours là, quoi qu'il advienne de leur propre relation. Peut-être le plus grand nom de la sculpture française,

À peu près à la même époque que Le Serf, il y avait aussi plusieurs portraits féminins, comme Madeleine, I (1901), II (1903) et Nu assis avec les bras sur la tête (1904). Il commençait à célébrer pour la première fois la beauté de la figure féminine en trois dimensions, après s'y être concentré à plusieurs reprises dans ses peintures et dessins.

Il demandait à plusieurs femmes différentes de poser pour ses peintures, ce qui lui permettait d'expérimenter des vêtements, des bijoux et du maquillage dans ses couleurs vives, mais l'opportunité de produire des représentations tactiles et physiques de ces femmes s'avérerait une option tentante à ignorer. À travers ces différentes sculptures, il expérimente également différents styles de surface, certaines plus rugueuses que d'autres.

En 1906, la sculpture serait l'objectif principal de l'artiste, produisant un grand nombre de statues cette année-là. Il travaillait généralement au crayon ou au fusain d'abord, dessinant les formes clés avant de commencer le travail lui-même. Beaucoup de ces dessins d'étude subsistent aujourd'hui et offrent un aperçu important des pratiques de travail de cet artiste.

Il n'entrerait normalement pas dans trop de détails dans ses croquis, choisissant simplement de présenter grossièrement des idées, puis de les revoir. Ce serait surtout la silhouette du corps qui l'intéresserait, avec peu d'intérêt pour les traits du visage ou du torse. Il était heureux de s'en préoccuper plus tard une fois le travail de sculpture commencé. Ses poses allongées nécessiteraient une attention particulière dans les premières étapes car toute erreur serait particulièrement difficile à corriger ensuite plus tard, une fois le noyau principal de la pièce terminé,

Il y a eu de nombreux artistes célèbres au cours des derniers siècles qui se sont spécialisés dans la peinture mais qui ont réussi la transition vers la sculpture. Malgré les défis techniques évidents qui sont présents dans cette discipline, elle a offert suffisamment d'opportunités à la créativité pour attirer toutes sortes de noms célèbres. À l'intérieur de cela, il y a également eu suffisamment de variations de style disponibles pour permettre à ces personnages d'imprimer leur propre individualité dans cette partie de leur œuvre. Par exemple, plusieurs d'entre eux seraient inspirés de l'art traditionnel africain, avec de bons exemples provenant de ces sculptures de Modigliani et de Picasso .

Vous verrez alors comment quelqu'un comme Miropeut prendre le langage visuel créé dans ses peintures et le transposer dans la sculpture. Il adorait l'opportunité d'amener ses idées dans la troisième dimension, tandis que d'autres ont apprécié la nature tactile de cette forme d'art. Beaucoup auraient également rencontré des formes antérieures de sculpture au cours de leurs études ainsi que de leur propre intérêt pour l'histoire de l'art, ce médium étant particulièrement important pendant la Renaissance italienne.

La sculpture classique d'Italie apporterait une toute nouvelle période à cette forme d'art, Michel- Ange ouvrant la voie avec des contributions célèbres qui restent parmi les éléments les plus reconnaissables de toute l'histoire de l'art. Même si la peinture continue de dominer l'intérêt du public, le génie de ce maître est accepté dans une variété de disciplines différentes, ses deux temps forts étant généralement considérés comme David et La Création d'Adam . Il deviendrait l'un des trois principaux maîtres de la Renaissance italienne, Raphaël et Da Vinci étant bien plus connus pour la peinture et le dessin.

Peut-être que ses plus grands défis dans la sculpture ne seraient donc pas ces deux-là, mais plutôt Gian Lorenzo Bernini etDonatello , qui aurait probablement également attiré l'attention de Matisse lorsqu'il étudiait et pratiquait pour la première fois les techniques de cette forme d'art ancienne. En plus d'eux, beaucoup se souviennent aussi avec émotion des portes sculptées produites par Lorenzo Ghiberti à Florence, bien qu'une recherche plus approfondie de cette période de l'histoire de l'art révèle d'innombrables autres noms significatifs dans les différentes régions de la nation italienne fragmentée au cours de cette période fructueuse et influente.