Assomption

La Mort de la Vierge, parfois aussi appelée la Mise au tombeau de Marie, a été réalisée par Giotto en 1310 avec de la tempera à l'œuf sur du bois de peuplier.

L'œuvre originale se trouve aujourd'hui à la Gemäldegalerie, Kaiser Friedrich-Museums-Verein dans la ville allemande de Berlin et reste dans un état remarquablement bon par rapport à certaines autres œuvres de l'artiste. En particulier, la coloration vibrante, typique de l'artiste, reste relativement intacte.

Utilisation de la Symbolique

Selon Giotto, La Mise au tombeau de Marie par le Dr Steven Zucker et le Dr Beth Harris, il y a une forte utilisation de la symbolique dans cette pièce. Le petit enfant est censé représenter l'esprit libéré de Marie, tandis que son corps est enterré juste en dessous.

Il s'agit donc d'une pièce émouvante, où la congrégation environnante regarde en deuil, Giotto étant célèbre pour la façon dont il a représenté les émotions dans ses figures. Cette pièce relativement large a été réalisée pour une petite église à Florence. Les tons de couleur utilisés dans les draperies et les vêtements se retrouvent tout au long de la carrière de cet artiste et étaient l'une de ses marques de fabrique.

Transition dans l'Art Italien

La Mort de la Vierge nous rappelle à quel point Giotto a été important pour passer de l'ère byzantine, apportant vie et couleur à ses portraits, tout en incorporant l'émotion. On peut comparer cela à des artistes tels que Duccio et Cimabue pour avoir une indication visuelle immédiate de la transition.

De nombreux artistes qui ont suivi peu de temps après ont été influencés par Giotto. Son œuvre a été très influente dans le Proto-Renaissance, aidant à faire la transition de l'art italien, et plus largement européen, de l'ère byzantine vers les premières phases de la Renaissance. Des changements supplémentaires apparaîtraient dans l'utilisation de la perspective ainsi que dans des détails faciaux plus réalistes.

Explication des Figures

La plupart des figures affichées autour de La Mort de la Vierge sont des anges, comme le signifie leur auréole, produite dans des tons dorés. Chacun a une teinte différente pour ses vêtements afin de permettre à chacun de se distinguer, leur donnant leur propre personnalité et signification.

Une étude attentive de la pièce révèle que Giotto a inclus des actions de certains d'entre eux, comme souffler de l'encens, parler entre eux ou contempler ce moment triste à leur manière particulière. Des saints supplémentaires ont également été identifiés dans cette composition, aidés par la condition solide dans laquelle elle se trouve aujourd'hui (de nombreuses autres peintures de Giotto ont souffert des siècles passés, avec des détails perdus et des couleurs délavées).

Angle de la Composition

Un autre aspect à noter concernant cette peinture est l'angle global de la congrégation. Il y a un format triangulaire, avec les têtes des fidèles menant lentement vers le haut à mesure que l'on se dirige vers le centre. Cela aide à fournir une hiérarchie claire au spectateur de l'importance de chaque figure dans la peinture.

Conclusion

Nous pouvons conclure que la Mort de la Vierge par Giotto est une pièce charmante qui capture parfaitement de nombreux aspects du style de l'artiste. On y trouve les émotions, les couleurs et la symbolique dont nous nous souvenons de Giotto, et cela offre un souvenir approprié de sa carrière. Sa popularité a également été aidée par l'excellent état dans lequel elle se trouve aujourd'hui, ainsi que par la position prééminente qu'elle occupe au sein du musée d'art de Berlin.