Artistes de toile

Ici, nous examinons l'art de la toile, et plus particulièrement les artistes de toile les plus célèbres, datant de plusieurs siècles.

Introduction à l'art sur toile

L'art a traditionnellement été appliqué à toutes sortes de matériaux différents, avec différents formats dominant à différents moments de l'histoire de l'art. L'art sur toile est particulièrement courant aujourd'hui et implique des surfaces en coton ou en lin qui sont encadrées le long du dos pour former une surface solide et serrée sur laquelle l'artiste peut appliquer ses motifs artistiques. Les toiles d'art sont extrêmement polyvalentes et peuvent être utilisées pour toutes sortes d'applications différentes telles que l'huile, l'acrylique, l'aquarelle et les techniques mixtes.

L'utilisation initiale des toiles remonte à la Renaissance italienne , en particulier avec les goûts de Titien et Andrea Mantegna . Des panneaux de bois avaient été utilisés avant cela, et bien qu'ils aient persisté tout au long de la Renaissance, les toiles augmenteraient lentement dans l'utilisation. La même chose peut être dite pour les huiles, qui ont lentement remplacé l'utilisation de la détrempe à l'œuf, mais la transition a été lente et a couvert une région d'Italie à la fois, avant de se répandre lentement ailleurs.

Sacred and Profane Love , à partir de 1514, dans l'un des premiers exemples d'un artiste peignant directement sur des toiles, bien que le support de la toile ait changé au cours des siècles qui se sont écoulés depuis. La Lamentation du Christ d'Andrea Mantegna apparaît vers 1480-1490 et marque l'utilisation des toiles par cet artiste, à un stade relativement tardif de sa carrière. Il faudra de nombreuses années avant que cette forme d'art ne devienne courante dans tout le pays, bien que le fait d'avoir des noms de premier plan tels que Mantegna et Titien travaillant de cette manière lui aurait donné un élan considérable.

Quels types de toiles les artistes utilisent-ils ?

Il existe de nombreux types de peintures sur toile, dont un certain nombre ont été développés relativement récemment. Les entreprises continuent d'expérimenter afin de trouver des alternatives moins chères à partir de différents matériaux, et l'impression sur toile est désormais une activité mondiale, de nombreux pays exportant des toiles imprimées. Les rouleaux de toile sont une option intéressante pour les artistes qui veulent plus de contrôle sur la taille de leurs toiles, où ils peuvent choisir d'étirer la pièce eux-mêmes, une fois qu'ils ont décidé des dimensions appropriées pour chaque œuvre.

• Toile en coton
• Toile de lin
• Toile synthétique ou polyester
• Toile apprêtée
• Toile non apprêtée ou brute
• Toile tendue
• Rouleaux de toile

Quelle est la toile la plus populaire ?

Les toiles de coton sont actuellement les toiles les plus appréciées des artistes amateurs, grâce à leur légèreté, ainsi qu'à leur prix compétitif. Les artistes professionnels auront tendance à exiger des médiums plus personnalisés, parfois même à les produire personnellement afin d'obtenir les résultats de la plus haute qualité possible.

Pour les œuvres d'art préfabriquées, la plupart des fabricants optent également pour le coton lors de la production d'impressions sur toile. Ils sont particulièrement courants sur le marché de l'art, généralement comme décoration d'intérieur. Les photographies peuvent être reproduites en haute qualité, et elles sont également assez polyvalentes pour permettre des conceptions personnalisées. Des impressions plus légères peuvent également être accrochées sur différents types de murs sans causer de dommages.

Liste des artistes de toile célèbres

Nous avons fourni une liste d'artistes sur toile ci-dessous afin de décrire l'histoire de l'art de la toile et son évolution depuis l'utilisation antérieure des panneaux de bois. Nous avons également fourni une variété d'utilisations ici, couvrant les artistes de la Renaissance jusqu'à des alternatives plus modernes , y compris des techniques telles que la peinture au goutte à goutte. En vérité, le nombre d'artistes utilisant des toiles aujourd'hui atteint à lui seul plusieurs centaines de milliers, voire des millions, et la liste ci-dessous n'est donc qu'un guide des faits saillants de l'histoire de l'art de la toile.

Titien

Titien était un artiste de toile important, car il est né à une époque où les panneaux de bois étaient le principal choix des artistes italiens. Alternativement, certains travaillaient avec du plâtre, ce qui les obligeait à appliquer rapidement de la peinture sur le mur avant que le matériau ne sèche. Titien a travaillé avec des panneaux de bois pendant un certain nombre d'années avant de passer aux toiles plus tard dans la vie, comme le montrent les goûts de l'amour sacré et profane, comme indiqué ci-dessous. Il croyait que ce matériau alternatif réagirait mieux à son utilisation des huiles, et il a donc continué à utiliser des toiles pour le reste de sa carrière après ce point.

Amour sacré et profane (huile sur toile) de Titien

Andrea Mantegna

Mantegna a fait un voyage similaire à Titien, et La Lamentation sur le Christ mort , comme on le voit ci-dessous, est l'une de ses premières œuvres sur toile. La Renaissance était synonyme d'innovations, avec l'utilisation d'huiles provenant du nord de l'Europe, et Michel-Ange et Léonard commençaient à faire progresser la technique à des niveaux extraordinaires. Mantegna est parfois sous-estimé en termes d'influence, car il a également avancé d'autres techniques, notamment la perspective, avec des œuvres d'art à couper le souffle qui figurent en bonne place dans l'histoire de l'art italien.

La Lamentation sur le Christ mort (Tempera sur toile) par Andrea Mantegna

Diego Velazquez

L'emblématique Las Meninas présente un autoportrait de Velazquez, aux côtés d'un certain nombre de membres de la famille de la cour dans laquelle il a servi à l'époque. On le retrouve proche de sa toile et de son chevalet, à une époque où l'art sur toile était véritablement dominant au sein de l'art européen, après son essor antérieur à l'époque de la Renaissance. Les peintures de Velazquez restent les plus connues de l'époque baroque espagnole.

Les Ménines de Diego Velazquez

Artemisia Gentileschi

On retrouve ici Artemisia Gentileschi à l'œuvre, dans un autoportrait de l'artiste elle-même. Elle est devenue l'une des principales artistes féminines de l'ère baroque et a surmonté un certain nombre d'obstacles pour réussir de la même manière que son père, Orazio. Elle était une portraitiste qualifiée qui pouvait également livrer un contenu dramatique typique de l'époque baroque du XVIe siècle.

Autoportrait comme allégorie de la peinture par Artemisia Gentileschi

Judith Leyster

À bien des égards, les techniques de la peinture à l'huile n'ont pas beaucoup changé depuis l'époque de Judith Leyster. On la retrouve ici assise devant une toile, en train d'assembler sa dernière composition. Une fois la toile installée sur le chevalet et les couleurs mélangées sur la palette, elle pouvait travailler de manière détendue, assemblant lentement chaque partie de l'œuvre. À l'époque de l'âge d'or néerlandais, la peinture à l'huile et l'utilisation de toiles étaient bien établies comme le principal moyen de produire de l'art à cette époque, bien que d'autres méthodes aient également commencé à émerger, telles que les gravures sur bois et les gravures.

Judith Leyster travaillant sur un portrait sur toile

Claude Monet

Cette œuvre montre Monet profitant des toiles légères, s'installant à l'extérieur et travaillant « en plein air ». C'est la clé du succès des impressionnistes, qui ont étudié la lumière et l'atmosphère dans les moindres détails. En fin de compte, leur précision a été obtenue grâce à une observation attentive des événements en direct, ce qui a été réalisé en travaillant dans les environnements mêmes qu'ils peignaient. Monet reste le membre le plus célèbre de ce groupe et est capturé dans cette peinture par un autre membre, Renoir.

Claude Monet peignant dans son jardin par Pierre Auguste-Renoir

Vincent van Gogh

Dans l'œuvre ci-dessous de Paul Gauguin, nous retrouvons Van Gogh au travail, peignant ses célèbres tournesols . Son ami achètera plus tard un certain nombre de séries et les accrochera dans la Maison Jaune , que les deux partagent pendant une courte période. Vincent est entré en contact avec ses outils comme aucun autre, buvant même ses peintures à l'huile à un moment donné, alors que sa santé mentale continuait de se détériorer. Il a choisi de travailler avec des toiles de taille assez standard, contraint de travailler avec un budget relativement court car ses œuvres ont eu du mal à se vendre de son vivant. Beaucoup verront des éléments de la toile transparaître dans son travail, dans des zones avec moins de peinture, tandis que d'autres sections auront d'épaisses couches d'huiles, donnant une qualité sculptée à certaines de ses œuvres d'art expressives.

Vincent van Gogh peignant des tournesols de Paul Gauguin

Jackson Pollock

Jackson Pollock a posé d'immenses toiles sur le sol de son atelier afin d'appliquer de la peinture sans que la gravité ne l'entraîne vers le bas. Il terminait ainsi l'ensemble de l'ouvrage, puis le suspendait, une fois séché. Il a expérimenté différentes couleurs et les méthodes par lesquelles il a fait couler de la peinture sur ces toiles. Il avait à l'origine travaillé de différentes manières, plus tôt dans sa carrière, mais Pollock reste le plus célèbre pour cette technique artistique unique qui lui a finalement apporté le plus de succès.

Convergence dégoulinant de peinture sur toile par Jackson Pollock

Mark Rothko

Mark Rothko a utilisé de grandes peintures murales pour submerger le spectateur avec des couleurs qui s'étendraient au-delà des limites de sa vision périphérique. Ses palettes sont réduites à quelques couleurs et il produit des losanges de ton, purement abstraits et gardera également ses titres de peinture brefs et vagues afin de permettre au spectateur de déchiffrer ses œuvres comme il le souhaite. Cela représentait le véritable aboutissement de l'abstractionnisme , et ce style d'art abstrait contribuerait à établir Mark Rothko comme l'une des figures de proue de l'art moderne américain.

No 1 Royal Rouge et Bleu Grande Toile Murale par Mark Rothko

Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat était un artiste qui est passé du street art à un peintre établi et exposant au cours de sa carrière. Basquiat a utilisé un langage de symboles à travers plusieurs œuvres pour une valeur symbolique et les a placées dans son monde abstrait de l'art moderne. Les couronnes représentaient la royauté qu'il appliquerait aux non-monarques, y compris les célébrités. Basquiat a également parlé des injustices perçues dont il a été témoin aux États-Unis à cette époque. Lorsqu'il a commencé à vendre son travail, il est devenu nécessaire de considérer les galeries comme son environnement, alors que tout son succès avait été obtenu en travaillant sur les murs des bâtiments de sa communauté locale, et avec peu d'intention de les déplacer de leur emplacement d'origine.

Premières origines de la toile comme surface de peinture

La toile était un matériau dérivé du Moyen-Orient à l'époque médiévale et le commerce offrirait de nouvelles opportunités aux artistes, comme celui-ci, alors qu'auparavant seuls des panneaux de bois étaient utilisés à travers l'Europe. Le bois était lourd et difficile à assembler pour des pièces plus grandes, et les alternatives ont donc été chaleureusement accueillies. Les toiles étaient initialement construites à partir de chanvre tissé, d'où le terme «cannapaceus», ou «fabriqué à partir de chanvre» du latin.

Les artistes italiens ont découvert les toiles au XVe siècle, à peu près au même moment où les huiles commençaient à remplacer la détrempe à l'œuf, et les deux combinées fonctionnaient particulièrement bien. Cette transition serait ensuite renforcée dans les mouvements ultérieurs, les artistes baroques l'embrassant pleinement et l'emmenant dans d'autres parties du continent européen. Au cours des siècles suivants, les artistes commenceront à expérimenter eux-mêmes les toiles, certains artistes s'éloignant du format rectangulaire traditionnel, mais la plupart des changements se sont produits dans la façon dont les artistes ont livré leurs coups de pinceau, à travers la montée de l'impressionnisme, de l'expressionnisme et de l' art contemporain.

L'émergence de l'art sur toile à la Renaissance

L'art de la toile n'est peut-être pas apparu à l'époque de la Renaissance si ce n'était pour deux facteurs - le commerce et l'afflux de techniques de peinture à l'huile en provenance d'Europe du Nord. Le commerce a apporté de nouveaux matériaux et techniques artisanales, qui ont d'abord attiré l'attention des artistes sur les toiles. Ils réalisent alors que l'intérêt croissant pour les huiles est plus adapté aux toiles, et c'est ainsi que la combinaison "huile sur toile", que nous connaissons tous, va commencer à s'imposer. Ce serait alors au tour des Italiens d'influencer les autres, et lentement cette combinaison dominerait l'art européen, avant de se répandre aux États-Unis au cours des siècles suivants.

Cette combinaison d'huile sur toile a dominé pendant des siècles, jusqu'au XXe siècle, date à laquelle les techniques mixtes ont apporté de nouvelles idées. Alors que les toiles sont toujours le choix le plus populaire, en particulier pour les artistes amateurs, la créativité et l'expression dictent que beaucoup essaieront désormais de trouver des alternatives afin de garder leur travail aussi unique que possible. Certains reviendront même aux anciennes méthodes de l'époque médiévale, avec des teintures faites à la main, et des panneaux de bois, d'origine locale. Les préoccupations environnementales pourraient également avoir un impact sur les choix des artistes au cours des prochaines décennies.

La toile comme médium préféré à l'époque baroque

Les artistes baroques ont conservé des toiles pour leur travail et ont profité de ses principaux avantages, notamment la facilité avec laquelle d'énormes œuvres d'art pouvaient être livrées. De nombreux peintres baroques ont produit des compositions dramatiques et audacieuses mettant en vedette une pléthore de personnages, et des toiles plus grandes leur ont permis d'incorporer d'énormes quantités de détails. Seules quelques institutions disposaient de bâtiments suffisamment grands pour ces travaux, mais elles commandaient normalement ces pièces spécialement. Avec des donateurs privés plus petits, les artistes pourraient réduire la taille de leur travail, peut-être pour des portraits uniques ou d'autres pièces plus intimes.

Les retables pouvaient être spécialement façonnés pour correspondre aux dimensions de la pièce dans laquelle l'œuvre devait être accrochée. Les sections pouvaient être découpées ou incurvées pour s'adapter à des caractéristiques architecturales spécifiques, ce qui était particulièrement utile pour les peintures religieuses dans les bâtiments anciens. Le seul inconvénient des toiles de forme personnalisée est que lorsqu'elles étaient déplacées ailleurs pour être conservées, les formes inhabituelles devaient être expliquées et adaptées.

L'art sur toile à l'ère de l'impressionnisme

La nature relativement légère des toiles s'est avérée extrêmement importante à l'époque impressionniste, car les artistes pouvaient facilement travailler à l'extérieur et étudier les effets de la lumière changeante, mais sans avoir à traîner de lourds panneaux de bois comme cela aurait été le cas avant l'ère de la Renaissance. Cette capacité à être plus mobile en tant qu'artistes a clairement eu un impact sur l'essor de l'art du paysage dans son ensemble, Claude Lorrain se levant plus tôt que les impressionnistes et utilisant lui-même des toiles.

La seule alternative aurait été de dessiner sur papier en extérieur, avant de capturer ensuite l'huile ou la détrempe sur des panneaux de bois dans le confort d'un studio. Cela aurait cependant perdu une partie du lien entre l'artiste et son inspiration, et donc plus de succès a été obtenu en peignant directement à partir de l'observation en direct, et cette attention à la lumière et à la couleur aurait également un impact plus général sur la direction de l'art des 19e et 20e siècles . , notamment en Europe.

Le passage au modernisme et la toile comme support expérimental

Le modernisme a utilisé la souplesse des toiles pour s'essayer à toutes sortes d'art expérimental. Ces surfaces entièrement neutres offraient des possibilités d'expression infinies, qui pouvaient inclure le jet ou le soufflage de peinture sur une surface. La possibilité de personnaliser facilement la taille de chaque toile a également aidé les artistes à explorer l'importance de la taille de leurs œuvres, comme dans la façon dont les peintures murales de Rothko s'étendent au-delà de la fenêtre, engloutissant essentiellement notre vision avec des couleurs dans toutes les directions, afin de obtenir un impact particulier.

L'art sur toile au XXe siècle : de l'abstraction au pop art

L'art de la rue, y compris les graffitis, a permis aux artistes de travailler directement sur les murs et les bâtiments de leurs communautés locales, ce qui a servi d'alternative à l'art sur toile qui était considéré par certains comme faisant partie de l'establishment au XXe siècle. La peinture à l'huile était encore dominante, mais des alternatives telles que les techniques mixtes gagnaient du terrain avec des mouvements tels que l'art conceptuel et l'art minimal . Finalement, certains de ces artistes muraux obtiendraient alors un succès grand public et commenceraient à appliquer leurs talents à l'art sur toile à la place, qui pourrait ensuite être accroché dans des galeries formelles.

Il y avait aussi des artistes pop qui utilisaient différentes techniques d'impression, comme la sérigraphie, ce qui marquait encore une fois le potentiel pour que l'art commence à évoluer loin de l'utilisation de toiles. Certaines œuvres d'art seront désormais appliquées sur des toiles tendues après avoir été achevées, et même certaines œuvres d'art très anciennes de l'époque de la Renaissance et du baroque ont été transférées sur des toiles afin de les protéger à long terme.

Impressions sur toile et révolution numérique dans le monde de l'art

Les impressions sur toile ont permis au public de profiter d'art célèbre dans leur propre maison, à des prix relativement bon marché. De plus, ces impressions d'art peuvent être réarrangées facilement, et également personnalisées en fonction des goûts et des exigences des clients et de leurs maisons. Certains aiment changer de temps en temps leurs présentations, pour rafraîchir les pièces de leur maison, comme le feront les conservateurs avec les collections permanentes qu'ils sont chargés de protéger et de célébrer.

L'impression est devenue plus largement disponible, avec des options d'impression à la demande et la distribution d'images haute résolution de peintures célèbres permettant aux amateurs d'art de profiter des œuvres chez eux. Cela peut être réalisé à un coût relativement minime, la plupart des gens possédant déjà leur propre imprimante domestique. Ceux qui ont des budgets plus importants peuvent acheter des articles spécifiques en ligne avec une qualité potentiellement supérieure, mais il existe également un vaste choix d'œuvres d'art disponibles pour tous les goûts.

Le rôle de l'art sur toile dans le design d'intérieur contemporain

Les impressions sur toile sont des éléments clés de la décoration intérieure des maisons et des bureaux. Les pièces minimalistes et légèrement colorées peuvent être rehaussées par le simple ajout d'un imprimé soigneusement sélectionné. Avec un tel éventail de tailles et de styles, les designers peuvent choisir l'article parfait pour finir une pièce. Ceux-ci pourraient être choisis sur le contenu, comme une peinture de paysage ou une représentation de nature morte de fleurs, ou le choix pourrait être fait sur le style particulier de l'œuvre. Par exemple, une maison moderne conviendra à l'art moderne, comme une estampe Mondrian ou Klimt , par exemple, tandis qu'une maison de style ancien conviendra mieux à l'art de la Renaissance et de l'époque baroque - ce sont toutes des questions dont un architecte d'intérieur aura besoin à envisager.

Préservation et conservation des œuvres d'art sur toile

Les œuvres d'art sur toile se sont avérées beaucoup plus faciles à conserver que la plupart des alternatives, en effet un certain nombre d'œuvres anciennes ont été transférées sur toile afin de mieux les protéger. Les options plus anciennes ont tendance à souffrir de l'âge et sont également plus difficiles à déplacer dans des environnements à température contrôlée. La Cène de Léonard, par exemple, a été réalisée sur du plâtre et elle a rapidement commencé à se détériorer, nécessitant plusieurs étapes de travail remontant à des siècles. Les efforts d'aujourd'hui ont tendance à se tourner vers le street art, qui n'a jamais été destiné à être exposé dans des galeries ou protégé, mais plutôt à se connecter directement avec le public au sein de sa propre communauté.