Dessinateurs

Découvrez les dessinateurs les plus célèbres dans cet article détaillé qui examine l'importance des dessinateurs et des femmes dans l'art, ainsi que les différentes techniques et styles utilisés.

Introduction - Dessiner des artistes à admirer dans les domaines de l'histoire de l'art

La première étape de l'étude et du développement artistique pour la plupart des artistes est le dessin. Les meilleures formations académiques dispensent une formation rigoureuse aux bases du dessin afin de doter leurs élèves des compétences nécessaires pour s'attaquer ensuite à d'autres médiums tels que la peinture, la sculpture et l'architecture.

Afin de comprendre l'étendue des styles trouvés dans ce médium, nous avons dressé une liste de certains des dessinateurs et des femmes les plus influents de l'histoire. Ils ont tous compris l'importance de la pratique, même lorsqu'ils étaient eux-mêmes naturellement talentueux. On peut également comprendre comment leurs peintures seraient assemblées, le dessin apparaissant souvent à ses premiers stades de développement.

Liste des dessinateurs célèbres (dessinateurs / dessinatrices)

Nous avons rassemblé ci-dessous une liste des dessinateurs les plus célèbres des derniers siècles, remontant au début de la Renaissance . Ici, l'accent est mis sur les artistes occidentaux, mais il y avait clairement de nombreux autres dessinateurs impressionnants ailleurs. La liste comprend des exemples de dessins de la carrière de chaque artiste et une brève explication de leur travail.

Alors que certains artistes se sont spécialisés dans le dessin, la plupart de ceux présentés dans cet article utiliseraient le croquis comme phase préparatoire de peintures ou de sculptures. Ils produisaient également des croquis juste pour le plaisir, ou peut-être pour observer quelque chose de particulièrement près. Il a été difficile pour un artiste d'atteindre la renommée uniquement à partir du dessin, c'est pourquoi ceux qui sont énumérés ici sont principalement connus comme peintres, sculpteurs et architectes.

Michel-Ange

Michel-Ange est considéré par certains comme le dessinateur anatomique le plus doué de l'histoire. Il a étudié le corps humain dans les moindres détails, en observant chaque détail afin de rendre ses dessins aussi précis que possible. Il s'asseyait et dessinait pendant des heures, remplissant page après page avec un assortiment de muses, dont certaines étaient achevées à un niveau élevé de détails, avec des ombres partout.

Ce grand maître italien utiliserait différents outils pour son travail, le fusain et la craie étant des choix courants à l'époque de la Renaissance. La plume et l'encre étaient également importantes dans toute l'Europe, bien que cela dépende beaucoup du but de chaque dessin quant à celui qui serait utilisé. Michel-Ange esquissait également des contours pour composer ses peintures, au cours de leurs premiers stades de développement.

Études pour le dessin de la sibylle libyenne de Michel-Ange

Léonard de Vinci

Léonard de Vinci a produit une grande variété de travaux au cours de sa carrière, et le dessin en a constitué une partie importante. Cela a été à l'origine de ses inventions passionnantes, par exemple, et l'a aidé à préparer certains de ses célèbres portraits . Il était tout aussi curieux que Michel-Ange et aimait observer toutes sortes d'objets différents pour mieux les comprendre.

L'artiste a produit un certain nombre d'œuvres figuratives très complexes qui ne pouvaient pas être achevées simplement en travaillant directement sur un panneau de bois ou un mur sans une planification de série. Il traitait donc les sections à la fois par le biais de dessins d'étude , puis rassemblait ses idées dans la pièce finale. Les travaux de fresque nécessitaient une activité rapide, avec peu de possibilités de modifications.

Portrait d'Isabelle d'Este Léonard de Vinci Dessin

Pablo Picasso

Pablo Picasso aimait dessiner des animaux et des oiseaux en utilisant un minimum de détails, parfois juste un seul trait de crayon. Cela soulignait sa maîtrise, pour créer quelque chose de reconnaissable avec un style aussi minimaliste. Il a couvert de nombreux animaux, dont certains étaient des portraits de ses propres animaux de compagnie, comme Lump the Dog.

Peu d'artistes ont été aussi naturellement doués que Picasso, et son style contemporain était relativement libre et expressif. Il a été formé aux techniques traditionnelles, mais aimait la simplicité, ce qui lui permettait de produire plusieurs œuvres par jour. Il reste considéré comme l'un des dessinateurs de lignes les plus célèbres de l'histoire.

Pablo Picasso Dessin au trait (Flamant rose)

Gustav Klimt

Gustav Klimt, un sécessionniste viennois, est surtout connu pour ses peintures figuratives élaborées , dont beaucoup étaient trempées dans une superbe peinture à la feuille d'or. Derrière cette beauté, cependant, se trouvait un dessinateur hautement qualifié qui a également réalisé un grand nombre de dessins de portraits qui utilisaient un minimum de détails, se concentrant sur les contours et une observation attentive.

Afin de maîtriser l'art figuratif, Klimt a réalisé la nécessité de pratiquer régulièrement. Il embauchait ses propres modèles et les capturait dans différentes poses tout en planifiant ses principales commandes. Beaucoup de ces dessins ont été conservés pour une étude ultérieure et peuvent être considérés comme des œuvres d'art dignes d'intérêt à part entière.

Poisson de sang Gustav Klimt Dessin

Egon Schiele

Schiele a travaillé de la même manière que Klimt en termes de dessin, en utilisant des détails réduits et en se concentrant principalement sur le contour et l'observation. Les peintures de Schiele étaient relativement similaires à ses dessins, faisant essentiellement évoluer ses coups de craie et de crayon avec des détails et des couleurs supplémentaires.

La petite œuvre de Schiele, due à sa mort prématurée, a rendu ses dessins d'autant plus importants. Ceux qui cherchent à apprendre les techniques de dessin de portraits peuvent étudier son approche minimaliste pour comprendre comment il a assemblé son travail figuratif et potentiellement s'inspirer pour leur propre travail.

Autoportrait Egon Schiele Dessin

Charles Bargue

Charles Bargue était un peintre français qui a développé un cours de dessin aux côtés de Jean-Léon Gérôme qui continue d'être utilisé aujourd'hui. C'est peut-être pour cela qu'il est le plus connu aujourd'hui, et le cours offre à ses étudiants une excellente base dans les techniques du dessin académique. En fournissant cela sous forme de livre publié, il a ouvert des opportunités à ceux qui ne pouvaient pas se permettre un tutorat personnel.

Malgré tous les mouvements artistiques contemporains apparus au cours du XXe siècle, les techniques du dessin sont toujours considérées comme une introduction importante pour les étudiants en art. Le cours de dessin de Bargue est donc tout à fait toujours d'actualité, et a été réédité à de multiples reprises.

Charles Bargue Autoportrait Dessin

Albrecht Durer

Durer était un artiste extraordinaire, contribuant à introduire les techniques de gravure dans l'art européen comme un intérêt majeur. Il a entrepris des gravures et des gravures sur bois , qui ont profité de ses compétences existantes en dessin. Le niveau de détail qu'il a incorporé dans ses œuvres était mémorable et l'a amené à être considéré comme un véritable maître de la Renaissance du Nord.

Les études de Durer sur les animaux et les plantes étaient charmantes, mais son œuvre est difficile à résumer en raison de l'étendue du contenu qu'il a couvert. Il y avait des croquis d'armoiries, des portraits, des croquis botaniques, ainsi que de nombreuses séries basées sur des thèmes religieux tels que la Vie du Christ.

Mains en prière , dessin à la plume et à l'encre (vers 1508)

Rembrandt

De la même manière que Durer, Rembrandt est surtout connu en tant que peintre, mais a en fait obtenu un grand succès dans d'autres médiums. Il pratique le portrait dans le médium du dessin, et publie également un grand nombre d' eaux-fortes . Il aimait mettre en œuvre des détails incroyables dans son travail, tirant le meilleur parti de ce que certains considéraient comme des formes d'art relativement limitées.

Comme beaucoup des artistes les meilleurs et les plus productifs, Rembrandt a abordé la plupart des genres majeurs de son œuvre, y compris les thèmes religieux, les portraits et les paysages. Son obsession de collectionner l'art d'autres grands noms l'a obligé à continuer à travailler toute sa vie pour financer ce passe-temps coûteux.

Esquisse de Rembrandt

Eugene Delacroix

Delacroix était un artiste de formation classique qui a produit un grand nombre de dessins d'étude pour ses peintures complexes . Il réalise des dessins animaliers, ainsi que des pièces figuratives pour ses peintures d'histoire. Delacroix avait tendance à préférer les dessins à l'encre, plus rapides et plus expressifs, ce qui convenait à son rôle d' artiste du romantisme .

Delacroix a couvert de nombreux animaux, dont des lions, à une époque où il n'était pas facile d'accéder et d'étudier de telles créatures. Il a donc porté la beauté de ces créatures à l'attention du public, et a également voyagé à l'étranger pour représenter d'autres cultures car sa curiosité l'a amené à faire des tournées à l'étranger.

Tigre d'Eugène Delacroix (plume et encre brune, et aquarelle, sur mine de plomb)

Claude Monet

Claude Monet était la figure de proue du mouvement impressionniste et a réalisé beaucoup dans une variété de médiums. Beaucoup ignorent son succès en tant que dessinateur, notamment à la craie, au fusain et au pastel. Ce dernier a apporté des options de couleurs qui convenaient mieux à l'ère impressionniste, par rapport aux tons plus sombres de la craie noire et du fusain.

Monet s'est concentré sur deux genres principaux au cours de sa carrière, à savoir les portraits figuratifs ainsi que les scènes de paysage. Il s'asseyait dans son jardin à Giverny et étudiait l'environnement autour de lui, qu'il avait soigneusement conservé pendant plusieurs années.

Etude de Voiliers et Port Claude Monet

Edgar Degas

De la même manière que Monet, Degas a produit de grandes quantités de dessins d'étude , certains au fusain et à la craie, et d'autres au pastel . Il se concentrait sur l'art figuratif et aimait observer les danseurs de ballet dans toutes sortes de poses différentes. Certains de ces dessins étaient une préparation pour des peintures à l'huile, tandis que d'autres rempliraient des carnets de croquis auxquels il se référerait pour l'intérêt général.

Ceux qui cherchent à apprendre les techniques du dessin figuratif étudieront souvent le travail de Degas, qui a laissé un grand nombre d'études, dans une variété de couleurs et de niveaux de détail. Sa carrière a offert quelque chose de différent au sein du mouvement impressionniste, et il a également pris des scènes d'hippodrome.

Étude Degas

Vincent van Gogh

Peu d'artistes ont travaillé de manière aussi obsessionnelle et acharnée que Vincent van Gogh , car il était animé par le désir de cacher ses problèmes de santé mentale. Sa concentration sur son travail a aidé à bloquer tout autre problème dans sa vie, et ainsi il laisserait derrière lui un énorme travail malgré une carrière relativement courte.

L'utilisation de la plume et de l'encre a permis à Van Gogh de travailler sans ses grandes toiles et sa collection d'huiles, lui permettant d'accéder à sa créativité quand il le souhaitait. Beaucoup de ses peintures célèbres ont une alternative dessinée , car l'artiste a exposé ses idées initiales. Bien qu'ils n'aient pas reçu de formation technique et académique, ces dessins montrent son talent naturel impressionnant qui est à l'origine de son succès.

Dessin Van Gogh

Élisabeth Vigée Le Brun

Élisabeth Vigée Le Brun est l'une des dessinatrices les plus célèbres et s'est spécialisée dans le portrait, comme préparation à ses impressionnantes peintures à l'huile. Les noms notables inclus dans son œuvre ont contribué à élever sa réputation, mais la plupart de son succès était basé sur les qualités techniques de son travail.

De plus, deux autres dessinatrices notables étaient Mary Cassatt et Berthe Morisot, qui elles-mêmes faisaient partie du mouvement impressionniste. Elles ont peut-être été inspirées par d'autres artistes féminines telles que Le Brun, qui sont apparues de nombreuses années plus tôt et ont aidé à briser certaines des barrières contre lesquelles les artistes féminines continuaient de se battre.

Marie Antoinette in a Park Élisabeth Vigée Le Brun drawing

JMW Turner

William Turner a voyagé à travers le Royaume-Uni en esquissant divers paysages qui seront plus tard transformés en superbes peintures à l'huile. Plus tard, il a emmené ses talents à l'étranger et a trouvé de nouveaux paysages passionnants à travers l'Europe, y compris Venise. Ses carnets de croquis étaient remplis de dessins à la plume et à l'encre, au fusain et à la craie.

Alors qu'il cherchait à pousser ses talents aussi loin qu'ils le pouvaient, Turner a également travaillé avec des aquarelles , ce qui convenait à son contenu paysager et correspondait également bien à ses talents de dessinateur. Il est devenu un membre clé du mouvement du romantisme, contribuant à inspirer les impressionnistes français.

William Turner Dessins

Peter Paul Rubens

Rubens était un peintre baroque engagé, dont le travail à base d'huile était incroyablement détaillé et complexe. Il a pu réaliser de telles compositions grâce à une pratique régulière en tant que dessinateur. Beaucoup de ses portraits ont été réduits en couleur afin d'obtenir les bases correctes, avant de commencer la peinture principale. Il pouvait également travailler rapidement avec des croquis, ce qui l'aidait lors de l'embauche de modèles.

Rubens n'était que l'un des nombreux artistes exceptionnels des régions néerlandaise et belge, qui ont été très influents dans l'art européen, même si la plupart continuent de se concentrer sur les réalisations de la Renaissance italienne.

Tête de femme Esquisse Peter Paul Rubens

L'influence des maîtres du dessin : impact sur le monde de l'art

Les maîtres ont influencé d'autres artistes par leur utilisation de la ligne et de la perspective, lorsqu'ils discutaient du médium du dessin. Ils ont utilisé une variété de techniques pour améliorer la précision de l'esquisse, et finalement cela deviendrait une forme d'art respectée à part entière. Les collectionneurs commenceraient à acheter les dessins des maîtres, alors qu'auparavant ces œuvres n'avaient aucune valeur.

La nature brute de cette forme d'art les rend également beaucoup plus faciles à comprendre et à disséquer, d'un point de vue technique. Une observation attentive révèle leurs différentes techniques, telles que les hachures, qui inciteront d'autres à essayer les mêmes méthodes. De nombreux maîtres élargissaient également la portée du dessin, permettant aux artistes d'envisager de dessiner toutes sortes de contenus différents, plutôt que de se limiter au contenu religieux comme c'était le cas auparavant.

De plus, de nombreux maîtres faisaient passer des dessins dans leur atelier, donnant à leurs étudiants un excellent aperçu de leur travail. Cela a permis de transmettre les techniques à la génération suivante, notamment lorsque ces élèves étaient au tout début de leur carrière.

Carnets de croquis et études : dévoiler le processus créatif d'artistes célèbres

Les carnets de croquis ont fourni un aperçu précieux du travail de dessinateurs célèbres au fil des ans. Les artistes les ont utilisés pour diverses raisons, généralement en raison de la facilité avec laquelle ils peuvent être transportés. Les peintres à l'huile se débattent avec les gros outils lourds nécessaires à leur travail, ce qui enlève également beaucoup de spontanéité à leur carrière.

Les artistes dessinateurs peuvent emporter un carnet de croquis avec quelques outils de dessin dans un petit sac, voire dans leur manteau, et peuvent donc travailler à tout moment, ce qui leur donne la possibilité de voyager dans toutes sortes d'environnements différents. Pour les peintres paysagistes, les avantages sont les plus importants, car travailler à l'extérieur peut être difficile, en particulier pour ceux qui souhaitent voyager dans des endroits éloignés et découvrir des endroits que peu d'artistes ont déjà couverts auparavant.

Ceux qui cherchent à travailler plus en détail préféreraient normalement retirer la pochette de papier de n'importe quel livre relié et travailler dessus de manière indépendante. Cela leur donnerait également la possibilité d'offrir l'œuvre finale à un ami ou à un membre de la famille. Les carnets de croquis peuvent également inclure un contenu similaire à différents niveaux d'achèvement, au fur et à mesure que l'artiste travaille ses idées, rendant lentement chaque itération un peu plus évoluée que la précédente.

Un héritage d'enseignement : des dessinateurs célèbres comme mentors inspirants

Les maîtres acceptaient invariablement d'énormes commandes à mesure que leur réputation montait en flèche et, pour répondre à ces exigences, ils étaient obligés d'employer de grands studios d'assistants. Afin de s'assurer que les normes ne baissent pas, les maîtres ont dû consacrer un temps considérable à l'enseignement et à la formation de leurs employés. Beaucoup comprenaient également les traditions des écoles d'art, où les artistes établis transmettaient leurs connaissances, et se sentaient donc obligés de le faire.

Un tel processus de mentorat était courant dans la Renaissance italienne et nordique et s'est poursuivi pendant des siècles par la suite. Beaucoup faisaient circuler leurs dessins, permettant aux autres de comprendre rapidement les méthodes qu'ils utilisaient en termes de composition, de perspective, etc. Transmettre les techniques de la peinture et de la sculpture était un processus beaucoup plus difficile.

Il y avait un équilibre difficile à trouver entre instiller une approche cohérente dans tout le studio, de sorte que les commandes soient transparentes, tout en encourageant un certain niveau de créativité et d'innovation pour éviter que les artistes aient l'impression de faire simplement partie d'une chaîne de production.

Attiré par la nature : des artistes célèbres et leur respect pour le monde naturel

La nature contient une variété presque infinie entre les espèces. Les artistes ont adoré dessiner bon nombre de ces différences, comme dessiner des arbres pour tenter de comprendre les différences entre chaque type. Ils feraient de même avec d'autres plantes, y compris des études de natures mortes où une fleur peut être placée sur le bureau.

Les artistes esquisseront également les angles d'environnements spécifiques, comme une chaîne de montagnes, avant de terminer des peintures à l'huile dans le confort de leur atelier. Les animaux sont parmi les plus grands défis, et une reproduction précise de n'importe quel animal nécessite une observation considérable.

Des dessinateurs célèbres se donnaient des moyens extraordinaires pour assurer l'exactitude de leur travail, notamment en découpant des cadavres ouverts, ainsi qu'en campant dans la nature pendant des mois d'affilée - c'était particulièrement le cas des membres de la Hudson River School qui étaient obsédé par la capture de la beauté du paysage nord-américain.

Artistes inspirants : explorer les chefs-d'œuvre des légendes du dessin

Nous avons rassemblé ci-dessous une liste des chefs-d'œuvre de dessin les plus célèbres, parmi les meilleurs dessinateurs et femmes de l'histoire. La plupart concerneront les artistes répertoriés dans cet article et fourniront également un excellent résumé des différents styles et techniques qu'ils ont utilisés de la Renaissance à l'art moderne.

• Boule de Pablo Picasso
• Autoportrait à la craie de Léonard de Vinci
• Série de carnets de croquis par JMW Turner
• Études au pastel sur les ballerines par Edgar Degas
• Etudes de lions par Eugène Delacroix
• Croquis d'autoportraits de Rembrandt
• Mains en prière par Albrecht Durer
• Portraits au crayon de Klimt et Schiele

Dévoiler les secrets : techniques et styles d'artistes dessinateurs renommés

De nombreuses techniques de dessin ont été développées au fil des ans, parmi les plus connues, notamment les hachures, la technique de la grille, la perspective linéaire, le dessin gestuel et le calcul des proportions humaines. De nombreuses autres utilisations des lignes ont été utilisées pour produire différents effets, notamment l'ombrage, l'éclairage, la profondeur, etc.

D'autres découvertes seraient parvenues par la pratique et l'expérimentation. Travailler aux côtés de collègues permettrait de partager des idées et de prendre différents contenus sous différents angles révélerait toutes sortes de choses différentes. Enfin, l'utilisation d'outils différents apportait chacun ses propres avantages, de nouvelles options apparaissant à chaque siècle.

L'évolution du dessin : les artistes influents qui ont façonné la forme d'art

Le dessin tel qu'il a évolué au cours des siècles. Les premières peintures rupestres ressemblent à l'art abstrait d'aujourd'hui, mais c'est l'utilisation croissante du papier qui a conduit à la généralisation du dessin. Dans le monde d'aujourd'hui, nous avons des croquis sur des appareils numériques, mais la plupart du temps, les artistes utilisaient des crayons, du fusain, des craies ainsi que de la plume et de l'encre. Les techniques ont également évolué, de nouvelles idées ont été transmises.

Des artistes comme Da Vinci et Michel-Ange étaient parmi les plus talentueux et les plus innovants dans ce domaine, y consacrant un temps considérable. Ils peuvent donc être considérés comme les dessinateurs les plus influents de tous les temps.

De l'esquisse au chef-d'œuvre : examen du processus créatif d'artistes célèbres

Les grands maîtres ont vu leur travail examiné à un niveau extraordinaire. Les individus dans leurs portraits ont été identifiés, les peintures qui ont ensuite été retravaillées ont été découvertes grâce à la recherche aux rayons X et les pièces collaboratives ont été correctement attribuées après des mois de recherche. Les processus de travail ont également été longuement discutés et les dessins originaux ont fourni parmi les indices les plus utiles sur leurs pratiques de travail.

Certains ont d'abord travaillé selon la formule éprouvée des dessins de travail, avant de terminer des croquis à l'huile, avant de passer ensuite à l'œuvre principale. Cela garantissait que moins de modifications seraient apportées aux dernières étapes, et la nécessité de ces préparations était basée sur le type de contenu utilisé. Le travail figuratif était particulièrement complexe, où toute erreur pouvait être repérée même par les amateurs d'art les plus occasionnels.

Le monde captivant des portraits : les dessinateurs légendaires et leurs sujets

Le dessin de portrait est une pratique courante pour la plupart des peintres - ses difficultés inhérentes nécessitent une pratique et une étude constantes. Des gens comme Rubens pratiquaient fréquemment leurs portraits, mais au cours des siècles précédents, il s'agissait davantage d'études anatomiques, car le portrait était moins important que les peintures religieuses.

Ces derniers temps, les dessins contemporains ont réduit les détails et se sont orientés vers l'abstraction. Cela a apporté ses propres défis, Matisse et Picasso devant créer une forme à partir de quelques lignes ou éclaboussures de couleur.

L'attrait durable : des dessinateurs célèbres dont les œuvres résistent à l'épreuve du temps

De nombreux dessins présentés dans cet article continuent d'être célébrés et étudiés aujourd'hui. Peu de gens peuvent regarder au-delà des grands maîtres lorsqu'ils cherchent à comprendre les techniques du dessin, même si leur succès remonte à plusieurs siècles. Les articles sur la carrière de ces maîtres comporteront souvent des dessins à côté de leurs peintures afin de mieux résumer leurs talents et leurs réalisations, alors qu'ils étaient peut-être ignorés auparavant.

Les dessins répertoriés dans cette page ne sont également qu'une poignée de ce que l'on peut trouver dans les domaines de l'histoire de l'art, et un certain nombre de publications complètes ont fait en sorte que davantage de grands dessins du passé restent dans nos mémoires pour les années à venir, en particulier à l'égard des maîtres de la Renaissance.

Le dessin comme commentaire social : des artistes célèbres abordant des questions importantes

Le dessin peut être un excellent outil pour faire passer rapidement des messages simples, faisant de cette forme d'art une excellente option pour les artistes qui cherchent à se lancer dans les commentaires sociaux. De nos jours, nous avons plus d'artistes impliqués dans l'activisme que jamais auparavant, et beaucoup d'entre eux appartiendront aux jeunes générations qui pourront également tirer parti des opportunités que leur offre la technologie moderne.

La nature brute du dessin peut également aider à produire un art auquel beaucoup peuvent se connecter, même ceux qui ne sont pas toujours intéressés par l'art formel. Des méthodes plus complexes peuvent tout simplement ne pas être efficaces pour diffuser le message, quelle que soit leur qualité technique.

Dessiner à l'ère du numérique : des artistes célèbres adoptent la technologie

L'art numérique offre la dernière évolution dans les techniques de dessin des artistes. De nombreux progrès ont été réalisés ces dernières années, dont l'un concerne la manière dont les artistes ont pu dessiner via leur téléphone portable, rendant le médium encore plus accessible qu'auparavant. De plus, les artistes peuvent collaborer entre les États-nations, voire à l'échelle mondiale, en partageant leurs dessins avec des amis via Internet.

Dessiner via des outils numériques est relativement nouveau et il y a potentiellement beaucoup plus de place pour des avancées. De nouveaux outils peuvent apparaître, l'IA peut être impliquée et la réalité virtuelle peut également avoir un impact sur la manière dont les dessins sont réalisés. Certaines expositions de ces dernières années ont inclus des éléments d'art numérique, y compris la photographie ainsi que des peintures et des dessins produits sur des tablettes et des téléphones portables.