Artistes de crâne

Les crânes dans les peintures et les sculptures ont été utilisés par de nombreux artistes célèbres au cours des siècles, à diverses fins. Ici, nous examinons les œuvres d'art de crâne les plus célèbres.

Introduction aux peintures et sculptures de crânes

Les crânes portent un symbolisme important dans lequel les artistes puisent depuis des siècles, bien que dans certains cas, leur utilisation ait davantage porté sur l'affichage esthétique. Certains les ont utilisés pour représenter des émotions et des significations sombres, telles que la mort, la mortalité et le macabre, et leur utilisation a également varié selon les cultures, qui traitent chacune la mort de différentes manières, avec un esprit de célébration ou de commisération et de tristesse. Un exemple de cela serait le Jour des Morts dans la culture mexicaine.

Les crânes sont apparus dans l'art de la nature morte, comme aux Pays-Bas, et étaient des ajouts populaires à cette époque. Ils ont également été utilisés comme éléments sculptés dans la sculpture ou sous diverses formes tout au long du XXe siècle, lorsque les techniques mixtes étaient les plus répandues. Les significations intrinsèquement fortes représentées par les crânes ont encouragé leur utilisation dans l'art, beaucoup les utilisant dans des commentaires sociaux et politiques, comme discuter de notre relation avec la mort elle-même.

L'industrie de la musique les intègre également régulièrement dans l'art, y compris les pochettes d'albums, la décoration de vêtements et plus encore, ce que l'on trouve le plus souvent dans le genre Rock. C'est le cas depuis des décennies, et certains adeptes de cette musique pourraient ajouter certaines des peintures de crânes vues ci-dessous comme art pour leur propre maison, ou bien sélectionner des bijoux de crâne qui sont également répandus. Quel que soit le siècle ou la décennie, les humains continuent de se débattre avec le sens de la vie, et ont donc également une relation mitigée avec le sens et la réalité de la mort elle-même, les crânes dans l'art étant utilisés pour représenter cela.

Liste des artistes célèbres du crâne

Nous avons sélectionné quelques peintures et sculptures de crânes célèbres d'artistes majeurs datant de plusieurs siècles, et les énumérons ci-dessous. Vous découvrirez la large gamme dans laquelle cet objet a été utilisé, à la fois de manière positive et négative, et avec de multiples significations. Il existe également un contraste entre notre relation avec la mort dans les sociétés religieuses et non religieuses, où la foi peut aider d'une certaine manière à atténuer les peurs de l'inconnu, bien que cela varie selon les cultures.

Chaque illustration de crâne est accompagnée d'un résumé de la carrière de l'artiste, de son style et également d'une description de l'œuvre elle-même. Ces contributions remontent à l' époque de la Renaissance au XVe siècle , jusqu'au XXe siècle, avec une variation artistique passionnante entre tous ceux qui figurent dans cette liste. Vous remarquerez également la gamme de valeurs symboliques représentées par les crânes à travers ces différentes interprétations.

Nature morte à la vanité par Herman Henstenburgh

Herman Henstenburgh était un artiste néerlandais important du XVIIIe siècle qui a embrassé l'art de la nature morte avec imagination et haute compétence technique. Sa concentration sur les fleurs a apporté des couleurs vives à ses peintures et, dans certains cas, il les combinait avec des crânes, apportant du symbolisme dans la composition. Vanitas est un terme couramment utilisé dans l'art néerlandais dans lequel le symbolisme de la nature morte était utilisé et les crânes étaient l'un des éléments utilisés encore et encore.

L'éclat de la peinture ci-dessous réside dans les détails et la combinaison expressive d'éléments qui ont été clairement organisés, mais qui fonctionnent toujours de manière fluide. L'artiste était également un copiste qualifié et dessinateur d'insectes, et était donc hautement qualifié en tant qu'artiste technique afin d'atteindre ce niveau de précision dans son travail. Il reste célèbre en tant qu'artiste de crânes pour la peinture ci-dessous, qui est peut-être son œuvre la plus connue de toutes.

Nature morte à la vanité par Herman Henstenburgh

Memento Mori de Julie de Glad

Memento Mori est l'une des affiches de crâne les plus percutantes et a été produite par Julie de Graag, aquarelliste, graveuse et peintre à l'huile néerlandaise. Elle a été à l'Académie Royale des Beaux-Arts de La Haye, et est classée dans le mouvement Art Nouveau . Son travail était de style minimaliste , bien des années avant la montée de l'abstractionnisme , marquant une approche révolutionnaire qui était bien en avance sur son temps. Ses peintures ont lutté pour être exposées pendant des années, mais aujourd'hui, son œuvre est très appréciée et Memento Mori reste l'une des affiches de crânes les plus célèbres à ce jour.

La beauté de cette œuvre réside dans la façon dont l'artiste réduit les détails afin de reproduire le crâne en seulement deux couleurs - noir et blanc. Il n'y a pas de variations de tons, donnant à cette pièce le style d'une illustration du 20ème siècle. Il a été produit dès 1916, alors qu'une telle approche était presque inconnue et il est tout à fait normal que l'artiste ait maintenant obtenu un succès significatif, bien qu'il ait fallu de nombreuses années après sa mort avant que ce ne soit le cas.

Memento Mori de Julie de Glad

Tête de bélier Blue Morning Glory par Georgia O'Keeffe

On se souvient de Georgia O'Keeffe pour son utilisation d'ossements d'animaux qu'elle a trouvés dans le paysage du Nouveau-Mexique. Elle a créé des natures mortes inventives et modernes qui ressemblaient à un rafraîchissement de celles trouvées à l'âge d'or néerlandais, mais avec la couleur et la lumière trouvées dans la magnifique région des États-Unis. L'utilisation d'ossements d'animaux au lieu de crânes humains donne un tout autre équilibre et sens à l'œuvre, peut-être avec une vision plus positive.

En regardant des crânes humains, on pourrait réfléchir à leur propre mortalité, mais avec le bélier présenté dans le tableau ci-dessous, il n'y a pas le même sentiment. Au lieu de cela, nous le voyons plus d'une manière esthétique, l'artiste étant capable de refléter la lumière autour des contours du crâne et d'ajouter d'autres éléments autour de celui-ci. O'Keeffe aimait également utiliser des fleurs dans son travail, car dans cette œuvre, elle combine les deux d'une manière inhabituelle, représentant le meilleur du modernisme américain.

Tête de bélier Blue Morning Glory par Georgia O'Keeffe

La mort et la vie de Gustav Klimt

Cette œuvre puissante du sécessionniste autrichien Gustav Klimt séparait la composition en Vie et Mort , avec un squelette à gauche représentant cette dernière. On voit le crâne émerger du fond sombre, et deux mains squelettiques tiennent une arme d'une manière menaçante. Sa tenue s'étend jusqu'au bas du tableau et présente un motif de croix en blanc et noir, le long d'une bande de tissu bleue. Il regarde la section de la vie, qui contraste considérablement avec un ensemble de tons plus brillants et une atmosphère plus positive.

Le symbolisme est devenu un élément clé de l'art viennois au cours de cette période, bien que Klimt ne l'utilise pas toujours dans son travail. Dans d'autres exemples, il a représenté des scènes de paysage telles qu'elles étaient, laissant la beauté du lieu parler d'elle-même. Il était un véritable maître de l'art figuratif, comme on le retrouve dans son classique, Le Baiser . Le symbolisme a continué dans Tree of Life , qui a été utilisé pendant des siècles par une variété d'artistes pour représenter la vie et la santé. Klimt reste l'un des artistes de crânes les plus célèbres grâce au succès de Life and Death.

La mort et la vie de Gustav Klimt

Tête de squelette avec une cigarette allumée de Vincent van Gogh

Tête de squelette avec une cigarette allumée est la peinture de crâne la plus célèbre de l'histoire - la combinaison d'un crâne avec une cigarette était originale et souligne la nature expressive de l'artiste. Il a atteint un statut de culte, tout comme Van Gogh lui-même. Il y a aussi une qualité contemporaine à cette œuvre, même plus d'un siècle après sa réalisation. Van Gogh a utilisé de longs coups de pinceau audacieux et un éclairage dramatique pour cette peinture, le squelette contrastant avec le fond sombre et uni.

Les ténèbres tombent sur les orbites, apportant une image sinistre dans laquelle la mort continue de vivre. Van Gogh lui-même avait un équilibre mental turbulent qui aurait amené de tels thèmes dans son esprit et il a lutté tout au long de sa vie. Même un traitement régulier n'a pas pu enrayer ces problèmes qui conduiraient finalement à son décès, indirectement. Ces émotions ont également inspiré son travail, ce qui apporte un aspect positif à sa vie difficile.

Tête de squelette avec une cigarette allumée de Vincent van Gogh

Nature morte à la vanité de Jan van Kessel

Jan van Kessel l'Ancien était un artiste anversois hautement qualifié qui a couvert des scènes de genre et des natures mortes au cours de sa carrière. Une grande partie de son contenu était typique de la région, et dans l'exemple ci-dessous, nous trouvons l'art Vanitas qui était typique de l'art nord-européen du 17ème siècle. Les crânes étaient l'un des symboles de l'iconographie qui étaient régulièrement utilisés, et dans ce tableau on retrouve une série de fleurs entrelacées autour du crâne. Des bulles flottent d'en haut, tandis qu'un papillon repose sur le côté, avec la vie et la mort représentées ensemble dans la même pièce.

Jan van Kessel a également produit un certain nombre d'œuvres d'art maritimes et de représentations d'insectes, et était généralement considéré comme typique de l'époque. Ses œuvres d'art détaillées pouvaient être reproduites sous forme d'estampes et vendues ailleurs en Europe, alors que ses scènes de paysage étaient des éléments individuels qui pouvaient atteindre des prix plus élevés en tant que pièces uniques, mais auraient pris plus de temps à assembler.

Nature morte à la vanité de Jan van Kessel

Crânes d'Oaxaca par Jose Guadalupe Posada

Jose Guadalupe Posada était un illustrateur qualifié qui a produit des lithographies, comme celle-ci ci-dessous. Des œuvres telles que celle illustrée ci-dessous, ainsi que La Calavera Catrina, utilisaient des crânes et des squelettes et sont devenues la marque de fabrique de son travail. Ce dessinateur mexicain a formé une œuvre impressionnante à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, et il représente également l'utilisation populaire des crânes dans l'art mexicain, en partie en raison de sa relation plus positive avec la mort, par rapport aux sociétés occidentales. Il a finalement travaillé comme enseignant, où il a pu influencer les générations futures d'artistes.

Crânes d'Oaxaca par Jose Guadalupe Posada

Nature morte au crâne de Paul Cézanne

Paul Cézanne était un maître de l'art de la nature morte et a pu travailler seul en se concentrant sur ce genre, aux côtés de ses nombreuses peintures de paysages de la campagne française. Dans cette nature morte, il fait référence à la méthode de l'art hollandais, incorporant un crâne dans l'œuvre, le plaçant sur une table, à côté d'une variété de fruits, avec une nappe enroulée lâchement, révélant des éléments du tableau ci-dessous. La pièce s'intitulait Still Life with Skull , car il n'utilisait généralement pas de crânes et se contentait normalement de fruits.

Au fur et à mesure que sa carrière se développait, Cézanne devint plus expressif et passa lentement vers le cubisme , ou du moins jeta les bases pour que ses représentants réussissent peu après le tournant du siècle. Même ses natures mortes commenceraient à être réduites à des fractales de couleur, avec des angles expérimentés alors que l'écart entre la peinture et la sculpture commençait à se réduire. Il reste considéré comme le père de l'art moderne, en raison des idées qu'il a apportées à l'art européen.

Nature morte au crâne de Paul Cézanne

Jeune homme au crâne de Frans Hals

Frans Hals était un artiste charmant qui a créé des représentations agréables de gens ordinaires aux Pays-Bas. Dans cette interprétation, il a décidé d'inclure un crâne à valeur symbolique à côté du portrait principal. Il crée des scènes de vie dans des cabarets, où les personnages locaux se montrent, et le côté agréable de la vie apparaît. Beaucoup de ses sujets de portrait étaient anonymes et capturés dans un moment de plaisir qui durerait des siècles à travers ses peintures.

L'une des plus grandes qualités de Hals en tant qu'artiste était son souci du détail dans son travail, qui comprenait des représentations précises des vêtements et des expressions faciales. Il avait également une utilisation expressive du pinceau, créant une émotion dans ses portraits qui aidait à faire comprendre la scène au spectateur. Comparez cela à Ingres et Bronzino qui étaient également techniquement qualifiés, mais manquaient parfois de la même énergie dans leur travail.

Jeune homme au crâne de Frans Hals

Crâne dans la gravure de profil par Wenceslaus Hollar (d'après Léonard de Vinci)

Léonard de Vinci était un véritable maître de l'anatomie et l'article ci-dessous était une gravure réalisée directement à partir d'un de ses célèbres dessins de crâne. Il aimait étudier et observer le corps humain dans le but de comprendre ses variations complexes. Ses dessins ont atteint une précision inégalée en raison de son souci du détail et de son approche obsessionnelle de la précision. Wenceslaus Hollar aura reconnu son génie et a donc choisi de reproduire le dessin en eau-forte, permettant de produire et de vendre de nombreuses estampes. Le meilleur travail de Da Vinci a été étudié pendant des siècles après son décès.

Le dessin représente un crâne posé sur un livre afin de le maintenir à niveau. Le crâne est incliné vers notre droite, perdant de nombreuses qualités symboliques que d'autres artistes utiliseraient. Au lieu de cela, cette œuvre d'art est une question d'étude et de précision, visant à reproduire le plus fidèlement possible la réalité qui était courante du XVe au XVIIe siècle . Ce n'est que plus tard que l'art européen a commencé à devenir plus expressif, où les artistes apportaient leurs propres émotions dans chaque œuvre.

Crâne dans la gravure de profil par Wenceslaus Hollar (d'après Léonard de Vinci)

Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture de Pieter Claesz

Pieter Claesz était un artiste néerlandais de l'âge d'or spécialisé dans l'art de la nature morte et était hautement qualifié dans son travail technique. Son utilisation de la lumière et de la réflexion, ainsi que le détail et la précision de ses peintures étaient extraordinaires, mais il n'a pas été en mesure d'obtenir le même succès que les chefs de file de cette époque. Il reste une figure respectée et marginale, dont les qualités sont ici démontrées dans un ouvrage intitulé Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture. La plupart de ses peintures étaient des arrangements complexes de scènes de nature morte, comme on en trouve ici et normalement les objets seraient placés sur une table.

Nature morte avec un crâne et une plume d'écriture de Pieter Claesz

L'écriture de saint Jérôme par le Caravage

L'Ecriture de Saint Jérôme montre ce personnage significatif au travail, assis à côté de son bureau. Un crâne est placé de l'autre côté, perché sur un certain nombre de livres ouverts, avec une lumière qui brille directement dessus, éclairant le crâne. Les yeux sont assombris, nous permettant d'apprécier les contours de sa structure. Le saint est entouré d'une auréole, ce qui nous aide à l'identifier parmi les autres indices de cette composition, et sa barbe considérable suggère l'âge et la sagesse. L'artiste produira deux versions de ce contenu, en 1605 et à nouveau en 1607.

Le Caravage a également accordé une attention particulière aux surfaces et aux textures matérielles de cette peinture et représente les torsions de la matière à travers une manipulation soigneuse de la lumière qui était au centre de l'art baroque, et en particulier du style Caravaggisti. Peu d'artistes ont atteint des niveaux de drame et d'excitation tels que Caravaggio, et son utilisation du crâne a montré une considération du contenu en plus des détails au niveau de la surface.

L'écriture de saint Jérôme par le Caravage

Saint François de Francisco de Zurbaran

Francisco de Zurbaran a utilisé un éclairage dramatique dans la plupart de son travail, ce qui a conduit beaucoup à le comparer au grand maître italien Caravage . Il a travaillé principalement sur des scènes religieuses, avec quelques natures mortes, et dans cette pièce, il y a une combinaison des deux, avec une impressionnante démonstration de techniques de peinture baroque espagnole. La peinture de Zurbaran a ensuite été reprise par Dali au XXe siècle, qui a créé son propre hommage dans un style tout à fait moderne.

Saint François de Francisco de Zurbaran