Artistes conceptuels

L'art conceptuel est un mouvement clé de l'art contemporain apparu à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Nous examinons ici les artistes conceptuels les plus célèbres, résumant chacune de leurs carrières.

Introduction à l'art conceptuel

Au sein de ce mouvement, le concept d'une œuvre d'art est le plus important, le mode de livraison l'est moins. Cela a donc entraîné une grande variété de matériaux et de médiums, avec à peu près tout ce qui était accepté, y compris la sculpture, la peinture et toutes sortes de techniques mixtes. L'art conceptuel nécessitait des connaissances préalables dans la plupart des cas, sinon le spectateur pouvait être complètement perdu quant au but de chaque pièce, ce qui rendait certaines de ces œuvres de nature exclusive, et peut-être moins accessibles que celles trouvées dans des styles plus esthétiques.

Les méthodes de production prenant le pas sur ce mouvement, vous ne trouverez pas de peintres assis pendant des mois comme l' avaient fait les artistes de la Renaissance . Les artistes conceptuels seraient plus probablement des penseurs profonds, et donc capables de proposer des idées innovantes qui pourraient conduire leurs créations. Un intérêt pour la politique ou les questions sociales était souvent impliqué, et dans certains cas, l'intention était que le concept puisse être compris par tout le monde, mais pas toujours.

Liste des artistes conceptuels

Nous avons rassemblé ci-dessous une liste d'artistes conceptuels célèbres et avons tenté de constituer une collection aussi diverse et variée que possible, couvrant la peinture, la sculpture et les techniques mixtes, ainsi que des artistes de différentes régions. L'art conceptuel est apparu dans un grand nombre de pays, s'étant répandu dans le monde entier, mais la plupart de ceux inclus ici sont américains, les États-Unis étant le premier et le plus grand marché de ce mouvement. Les États-Unis ont dominé l'art moderne de manière plus générale, New York étant la plaque tournante de l'innovation artistique.

L'abstractionnisme et le minimalisme ont apporté une grande évolution dans la peinture à travers le XXe siècle, et peu de temps après, nous avons vu l'émergence des artistes conceptuels qui ont apporté des changements fondamentaux à notre façon même de penser l'art. La transition complète entre les artistes de la Renaissance et du baroque était désormais terminée, tout comme la fusion de différentes cultures grâce aux changements démographiques constatés au XXe siècle, ainsi que la diffusion de la technologie.

Sol LeWitt

Sol LeWitt a produit une variété d'art conceptuel, touchant à l'ensemble de la peinture, du dessin et de la sculpture à divers moments de sa carrière. L'artiste est également fortement lié au minimalisme et est célèbre pour ses structures murales, comme il les a appelées. Les expositions de son travail étaient courantes, y compris un certain nombre d'institutions de haut niveau qui ont marqué sa réputation croissante qui s'est étendue de ses États-Unis natals à un certain nombre de nations européennes qui commençaient également à s'intéresser à l'art moderne américain.

Il a travaillé comme graphiste et certaines de ces compétences influenceront son travail en tant qu'artiste professionnel. Lors de ses expositions, il rencontrait également un certain nombre d'autres chefs de file de l'art moderne, lui donnant de nouvelles idées et opportunités de la part d'individus partageant les mêmes idées, tout comme les artistes de la Renaissance et du baroque à travers l'Europe s'étaient rendus dans les studios les uns des autres pour apprendre et échanger. techniques et idées de niveau.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp est l'artiste conceptuel le plus célèbre et est issu d'une famille d'artistes. Ce Français a laissé un grand héritage dans l'art moderne et s'est impliqué dans un certain nombre d'autres mouvements artistiques, dont le cubisme et Dada. C'était un homme très intelligent qui était aussi un joueur d'échecs talentueux. Duchamp est arrivé plus tôt que les autres mentionnés dans cet article, et il a donc contribué à façonner la direction de l'art du XXe siècle, aux côtés de Picasso et de Matisse .

La fontaine de Duchamp de 1917 reste l'une des sculptures d'art moderne les plus célèbres et l'artiste a affirmé que son droit de choisir ce que l'art pourrait être devrait lui permettre d'utiliser n'importe quoi dans son travail, y compris cette sélection controversée. Ce sont des éléments comme celui-ci qui continuent d'exciter certains et d'amener d'autres à tourner en dérision l'art contemporain. Les travaux antérieurs de sa carrière étaient tout aussi modernes, mais moins controversés, mettant en vedette des peintures cubistes inventives . Il a également déménagé aux États-Unis où l'art moderne construirait l'essentiel de son élan, et c'est là qu'il pourrait être le plus influent.

John Baldessari

John Baldessari était un artiste conceptuel passionnant des États-Unis qui a travaillé principalement comme peintre, mais a commencé à atteindre l'unicité dans son travail en combinant cela avec du texte et des photographies qui peuvent rappeler certains des travaux des cubistes plusieurs décennies plus tôt. Au fur et à mesure que sa réputation monte en flèche, il jouera avec d'autres disciplines, dont la sculpture, le cinéma et la vidéo, s'efforçant constamment de provoquer chez ses spectateurs avec un large éventail de créations.

Il recevra un grand nombre de récompenses pour son travail contemporain et continuera à être productif même dans les années 2010, ne perdant jamais son désir d'essayer de nouvelles idées. Il reste considéré comme l'un des artistes conceptuels américains les plus célèbres et a été présenté dans un grand nombre d'expositions majeures aux États-Unis, en Europe et au Mexique. Il a également écrit un certain nombre de publications qui éclairent davantage son travail d'artiste.

Hanne Darboven

Hanne Darboven était une artiste conceptuelle allemande qui est surtout connue pour son utilisation de tables de nombres, écrites à la main. Son travail est apparu au début des années 1970 après plusieurs rencontres avec des artistes conceptuels américains existants qui semblaient l'avoir inspirée à travailler comme elle l'a fait. Hanne Darboven utilisait souvent du papier quadrillé avec des applications de stylo et de crayon, combinant apparemment l'art avec la science et les mathématiques.

Son évolution a conduit à l'apparition de photographies et de partitions musicales, et à cette époque, elle était considérée comme une artiste vraiment unique qui a embrassé le mouvement de l'art conceptuel avec innovation et imagination. Elle incluait des calculs de nombres liés à sa vie et estimait que ses affichages apportaient un sens de l'ordre, grâce à leur application cohérente sur les nombreuses pages.

Au-delà de la toile : le pouvoir de l'installation dans l'art conceptuel

L'art de l'installation a permis aux concepts de devenir des environnements, avec une interaction désormais possible avec le visiteur. Ils n'étaient plus seulement spectateurs, mais pouvaient parcourir une installation, l'apprécier et la vivre sous plusieurs angles et à différents niveaux. Cela pourrait changer complètement tout le concept d'une galerie d'art, et aussi créer des variations d'une pièce à l'autre. Nous voyons aujourd'hui comment les grandes galeries auront des salles de tailles différentes pour permettre ce mélange d'expériences.

L'art conceptuel favoriserait les messages et les significations par rapport à leur affichage visuel, et les installations pourraient être utilisées pour mieux communiquer ces idées, plutôt que de simplement compter sur une image accrochée au mur. Ils pourraient également capturer différentes expériences sensorielles de cette manière, y compris le son et même l'odorat. L'art conceptuel devenait alors parfois spécifique au site pour certaines commandes, où une œuvre d'art pouvait être adaptée à son lieu d'exposition.

Défier les institutions : voyage de l'art conceptuel à travers la critique institutionnelle

L'art conceptuel a eu un impact important sur l'industrie de l'art, de multiples façons. Les commissaires repensaient la manière dont ils mettaient en place nos expositions, par exemple, pour accueillir certains de ces artistes. Ils ont également forcé les gens à considérer l'approche des produits de base trouvée sur le marché de l'art et la façon dont les évaluations étaient construites. Au fil du temps, les nouvelles galeries seraient construites différemment afin d'être flexibles d'une exposition à l'autre, alors qu'auparavant la plupart étaient hébergées dans des cadres architecturaux formels, avec peu de place pour accueillir différents types d'art.

Les artistes conceptuels se sentaient anti-establishment dans leur cœur, mais utiliseraient les institutions pour rehausser le profil de leurs carrières respectives. Ils se penchaient sur le fonctionnement de ces galeries et musées, s'élevant parfois contre certaines voies de financement qui, selon eux, n'étaient pas adaptées à l'industrie de l'art. Leur travail défiait les établissements par leur nature même, et ils étaient donc plus qu'à l'aise pour créer la confrontation, avec le désir de rendre l'art plus juste et plus pur dans son état d'esprit.

Briser les frontières : le rôle de l'art conceptuel dans le mouvement féministe

L'art conceptuel a fait certaines des plus grandes avancées dans la représentation féminine dans les arts visuels. L'establishment de l'art patriarcal des années 1960 et 1970 était dans le viseur de nombre d'artistes féministes, et le mouvement conceptuel semblait être le véhicule parfait pour leur cause, car il défiait déjà fortement l'orthodoxie. Les artistes féminines ont rejoint le groupe en nombre relativement important et ont été accueillies avec une grande vigueur, car ses membres ont réalisé qu'elles contribuaient toutes à corriger certains des torts sociaux du passé, comme elles le voyaient.

De plus, des personnalités comme Yoko Ono et Adrian Piper feraient non seulement pression pour une plus grande inclusion des femmes, mais chercheraient également à voir les problèmes féminins traités plus couramment dans l'art moderne. Le large éventail de questions féminines concernant le crime, le travail, la sexualité et le pouvoir au sein de la société pourrait être abordé avec la pléthore d'options qui s'offraient aux artistes dans ce domaine, avec eux capables d'utiliser la peinture, la sculpture, les techniques mixtes, le cinéma et photographie afin de faire passer leur point de vue. Souvent, ils combinaient certaines de ces options ensemble, créant des affichages entièrement uniques.

Discours social : la voix percutante de l'art conceptuel dans le commentaire sociopolitique

L'art conceptuel a été utilisé avec succès pour s'exprimer sur des questions culturelles et sociétales telles que les droits de l'homme, la corruption politique, la dégradation de l'environnement, les inégalités raciales et bien plus encore. Sa propagation mondiale a permis de couvrir une grande variété de problèmes, alors qu'au départ, le mouvement était dominant aux États-Unis. Sa liberté d'expression attirait les artistes qui pouvaient capturer leurs pensées par tous les moyens qu'ils souhaitaient, ce qui a peut-être aidé le mouvement à gagner du terrain via des messages controversés qui défiaient régulièrement l'autorité, ce qui, dans certains cas, entraînait de graves implications pour les artistes eux-mêmes.

Auparavant, les artistes avaient été attaqués par les autorités sur le style de leurs peintures, plutôt que sur les messages qu'elles contenaient. Nous l'avons vu avec les dégénérés, et l'ingérence est venue à la fois de la droite et de la gauche de la politique, notamment en Allemagne et en Russie. Désormais, les artistes poussaient vraiment leurs efforts de manière plus agressive, s'adressant directement au public sur des problèmes particuliers, dans l'espoir d'apporter des changements à travers leur travail. Alors que beaucoup en Occident ont initialement rejeté l'art conceptuel, certains ont été convaincus par son impact dans d'autres régimes plus autoritaires et ont commencé à comprendre son rôle au sein de la communauté artistique.

L'art dans les espaces publics : l'influence de l'art conceptuel au-delà des murs de la galerie

L'art conceptuel nous a aidés à ré-imaginer la relation de l'art avec son environnement, ainsi que les interactions du public avec lui. Des projets personnalisés permettraient à n'importe quel bâtiment majeur de servir de galerie d'art, avec des installations spécialement conçues pour contenir des œuvres d'art particulières. Cela apporterait un grand prestige à un projet architectural, d'avoir un lien fort avec un artiste célèbre, alors qu'auparavant, ils acquéraient généralement eux-mêmes des œuvres d'art et les accrochaient autour du bâtiment sans lien spécifique avec le lieu. De plus, la permanence de ces installations peut permettre moins d'entretien et de sécurité, contrairement à des peintures ou des sculptures plus petites qui devraient être administrées plus étroitement.

En introduisant l'art conceptuel dans des lieux autres que les galeries d'art, les artistes seraient obligés de repenser leur travail pour le rendre plus accessible. Cela a eu pour effet d'élargir l'intérêt de l'art, qui se poursuit aujourd'hui. En effet, beaucoup plus familiers avec l'art se rendront dans certains de ces bâtiments alternatifs juste pour voir un élément spécifique, apportant des objectifs supplémentaires à chaque emplacement au-delà de sa fonction première.

Encadrer les pensées : l'intersection intrigante de l'art conceptuel et de la photographie

L'art conceptuel est souvent une question de message, et la liberté de la photographie a permis aux artistes d'incorporer des significations complexes qui seraient difficiles à produire dans d'autres médiums. La photographie peut également être utilisée aux côtés d'autres formes, multipliant leurs possibilités créatives. Des photographies déjà existantes ont été utilisées par des artistes conceptuels, nous connectant potentiellement avec le passé, voire des relations particulières entre l'artiste et des amis proches et des membres de sa famille. Alternativement, les artistes pourraient produire leurs propres photographies à partir de rien, avec un thème et une idée particuliers en tête. Les deux options donneraient à leur travail un attrait unique, qui pourrait être impossible à reproduire.

Les actes performatifs pourraient également utiliser la photographie comme moyen d'enregistrer, ainsi que de faire passer des idées complexes d'une manière visuellement percutante et immédiate. Souvent, une photographie peut mieux transmettre un message que même le dessin ou la peinture le plus soigneusement conçu, avec un niveau d'authenticité dont l'artiste pourrait tirer parti. On trouvera de nombreux artistes en dehors de ce mouvement qui se seraient tournés vers le cinéma et la photographie comme moyens d'expression plus tard dans leur carrière, alors que les limites inhérentes à la peinture et au dessin commencent à se révéler.

Expositions et manifestes : les déclarations audacieuses de l'art conceptuel

Les expositions d'art conceptuel deviendraient des expériences collaboratives dans certains cas, et étaient également des voies d'expression et d'expérimentation, plutôt que de simplement livrer des travaux achevés comme c'était le cas avec des formes d'art plus traditionnelles. Il pourrait également y avoir plus d'esprit communautaire, où les membres du public sont réunis pour apprécier et interagir avec ces œuvres, plutôt que de simplement regarder une œuvre suspendue après l'autre, dans une expérience plus solitaire.

Il y avait un certain nombre de manifestes créés qui visaient à donner une direction à l'art conceptuel, et des sous-groupes au sein de celui-ci. En règle générale, les artistes viraient dans toutes sortes de directions différentes qui feraient perdre à un groupe son identité, et ainsi les manifestes seraient utilisés pour construire un ensemble de principes autour desquels les artistes suivraient. Normalement, un équilibre devrait être trouvé entre fournir une direction mais sans étouffer la créativité, et souvent les artistes quittaient les groupes après des désaccords sur certains points des manifestes. Ces accords étaient courants dans l'art du XXe siècle et remontent aux surréalistes , ainsi qu'à un certain nombre de mouvements antérieurs à cela.

La révolution des années 1970 : la décennie inoubliable de l'art conceptuel

Un certain nombre de développements intéressants se sont produits dans l'art conceptuel au cours des années 1970, après son arrivée dans les années 1960. Dans un premier temps, un certain nombre d'artistes transposeront leurs idées dans la nature, produisant du Land Art, où des éléments sont installés dans des lieux ruraux, permettant aux promeneurs d'être exposés à leur travail. Cela a également permis aux artistes d'utiliser les ressources naturelles de manière organique, ce qui correspondait certainement à certains des messages délivrés dans ces œuvres. De même, l'art corporel est également apparu, offrant le corps humain comme outil et véhicule du message, ce qui conviendrait aux messages sur la sexualité, les droits de l'homme et autres.

Parallèlement au Body Art, nous avons également constaté une plus grande influence du féminisme au sein de l'art conceptuel dans les années 1970, et ce thème restera fort jusqu'à nos jours. En fait, l'histoire de l'art conceptuel révèle l'évolution du sens du féminisme au cours des cinquante dernières années, montrant visuellement comment le rôle de la femme dans la société a changé et comment le féminisme s'est modifié pour y correspondre. La prééminence des femmes artistes au sein du groupe était clairement un facteur important dans son inclusion dans l'art conceptuel.

Décrypter les années 1980 : l'ère transformatrice de l'art conceptuel

Les années 1980 ont été une période intéressante dans l'évolution de l'art conceptuel. Les artistes adopteraient le cinéma et la vidéo en beaucoup plus grand nombre, ainsi que l'art de la performance et les médias modernes qui commençaient tout juste à émerger. Il y aurait également l'adoption de stratégies postmodernes et un examen plus approfondi par des artistes des systèmes politiques et économiques, en fonction de l'évolution du monde. Les questions de race, de sexe et de sexualité continueraient d'apparaître en bonne place au sein du mouvement, reflétant les discussions en cours dans la société au sens large, ce qui est resté le cas depuis dans tout le monde occidental.

Le voyage de l'art conceptuel à travers les années 1990 : une fusion d'innovation et d'expérimentation

À l'arrivée de l'ère numérique dans les années 1990, l'artiste conceptuel s'est adapté afin de tirer parti de ses opportunités, ainsi que de l'impact qu'il avait sur la société au sens large. Les opinions postcoloniales ont commencé à se répandre plus largement, gagnant du terrain contre les établissements qui ont naturellement fait appel à ce groupe de créatifs d'avant-garde. La montée de la mondialisation est également allée de pair avec cet élargissement des opinions, et au fil du temps, ces opinions seront considérées comme plus progressistes par un certain nombre d'artistes, incorporant certains des thèmes dans leur travail. La nature collaborative de l'art conceptuel signifiait également que les pièces interculturelles pouvaient être créées, aidées par la diffusion de la technologie, qui rassemblait les artistes, mais leur permettait également de se connecter avec de nouveaux adeptes partout dans le monde, alors que les barrières géographiques auraient normalement résisté. de la manière.

Influences mondiales : démêler l'impact de l'art conceptuel à l'échelle mondiale

Au fil du temps, l'art conceptuel se répandra pour devenir un mouvement mondial, touchant toute l'Amérique du Nord, l'Europe, l'Amérique latine, l'Asie et l'Afrique. L'Amérique du Nord, dirigée par New York, était déjà en tête de l'art moderne, avec un certain nombre d'artistes occidentaux en Europe créant également des sous-groupes dans les grandes villes comme Londres. L'Allemagne aussi embrassait l'art moderne et offrait des commandes prestigieuses à des artistes américains, souvent pour des installations permanentes afin de rehausser le profil de nombreux projets architecturaux.

Le mouvement Tucumán Arde d'Amérique latine ainsi que les gestes conceptuels des artistes japonais Mono-ha étaient des exemples phares de la façon dont les artistes du monde entier apprendraient les principes de l'art conceptuel aux États-Unis, puis les appliqueraient au sein de leurs propres structures culturelles, menant à toutes sortes de ramifications différentes du travail qui ont considérablement ajouté à la variété de ce mouvement. La technologie moderne contribuerait à cette propagation, la culture occidentale se propageant beaucoup plus rapidement qu'auparavant grâce au rôle de la presse écrite et de la télévision.

L'art conceptuel est devenu un moyen de promouvoir des changements sociaux et politiques, ce qui a permis à d'autres cultures de mettre en œuvre des idées de grande envergure. Certains seraient influencés par la culture occidentale et tenteraient d'apporter certains de ses avantages à leurs propres cultures, tandis que d'autres comportements seraient entièrement adaptés aux problèmes locaux, qui pourraient être totalement indépendants des artistes conceptuels américains originaux et de leur politique inhérente.