Artistes du 16e siècle

Le XVIe siècle a été une période de transition et d'innovation considérables au sein de l'art européen.

La période a commencé avec la continuation de la Haute Renaissance italienne, avec des maîtres tels que Léonard, Michel-Ange et Raphaël avant d'être remplacée par l'ère maniériste et menant vers le baroque.

Les phases antérieures de la Renaissance s'étaient répandues dans une grande partie de l'Europe au début du XVIe siècle, et d'autres régions apporteraient désormais leurs propres variations de cette «re-naissance» de la peinture, de la sculpture, de l'architecture et de la littérature. Outre les principaux artistes italiens, il y avait des acteurs majeurs en Europe du Nord, avec Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1525-1569) contribuant à des paysages méticuleusement conçus, et Albrecht Durer (1471-1528) impressionnant dans les gravures sur bois et les gravures.

De manière critique, nous commencerions également à voir plus de variété dans le contenu sur tout le continent, car alors que l'art religieux était encore dominant, les genres alternatifs commençaient à gagner du terrain pour la première fois. Au cours du XVIe siècle, nous commencerons à voir ces genres commencer à gagner plus d'adeptes, et aussi de donateurs. Le portrait comprendrait désormais des sujets profanes, avec des commandes privées offrant de nouvelles sources de revenus aux peintres les plus réputés.

Suite de la Haute Renaissance

La Haute Renaissance italienne a duré d'environ 1495 à 1520 et sa fin a été marquée par la mort de l'un de ses principaux représentants, Raphaël , ainsi que par le saccage de Rome qui a provoqué de grands bouleversements dans la région. La période a réuni tous les progrès de la technique de peinture qui s'étaient produits au cours des premières phases de la Renaissance italienne, qui comprenaient une représentation plus réaliste des caractéristiques physiques, un équilibre de ton plus subtil et une maîtrise de la perspective dans les arts visuels.

Rome, Florence et Venise seront les principaux pôles de créativité de cette période, Léonard (1452-1519), Raphaël (1483-1520) et Michel-Ange (1475-1564) contribuant à des œuvres emblématiques telles que La Joconde, David et La École d'Athènes pendant cette période relativement courte mais productive.

L'émergence des maniéristes

Le maniérisme a apporté des formes allongées à la fois à la peinture et à la sculpture , et a contribué à l' histoire de l'art italien à l'histoire de l'art italien . Ailleurs, El Greco (1541-1614) obtiendrait le succès en Espagne en utilisant une approche similaire et il est rapidement devenu clair que les goûts avaient finalement quitté l'ère révolutionnaire de la Renaissance.

En regardant les figures tordues et tordues de l'ère maniériste, on peut immédiatement repérer une transition précoce vers l'ère baroque, dans laquelle bon nombre des mêmes principes seraient utilisés mais développés. Outre l'Italie et l'Espagne, des exemples de cette nouvelle approche expressive se répandraient également en France et en Allemagne.

L'intention derrière le style maniériste était de permettre aux artistes de s'exprimer plus ouvertement, s'opposant au désir obsessionnel de la Haute Renaissance qui eux-mêmes désiraient la plus grande exactitude possible. L'approche maniériste a duré d'environ 1520 jusqu'à environ 1600, menant directement à l'ère baroque. Il s'est également répandu dans l'architecture et la sculpture, nous donnant les goûts de Giambologna (1529-1608) et Benvenuto Cellini (1500-1571).

Leur travail s'est avéré populaire, avec une émotion extrême livrée dans les traits du visage de leurs sujets, dans un regard similaire à l'œuvre du Caravage qui a suivi peu de temps après. Les téléspectateurs se sont sentis édifiés par une grande partie du travail du XVIe siècle, qui a rafraîchi les thèmes traditionnels, comme le montre la production religieuse d'El Greco. Sa Vue de Tolède (vers 1596-1600) a également été révolutionnaire en réinventant le genre du paysage, avant que les générations suivantes ne contribuent à établir cette forme d'art dans le courant dominant.

Chefs-d'œuvre du XVIe siècle

La première décennie du XVIe siècle a été marquée par deux chefs-d'œuvre qui comptent parmi les œuvres d'art les plus emblématiques de l'histoire, à savoir la Joconde de Léonard de Vinci (vers 1503-06) et le David de Michel-Ange (vers 1501-1504). À Rome, nous avons également reçu L'École d'Athènes de Raphaël entre 1509 et 1511. Ces pièces célèbres restent les plus connues dans leurs médiums spécifiques et représentaient l'apogée de la Renaissance italienne.

En combinant signification historique et expertise technique, les portraits d' Henri VIII d'Hans Holbein le Jeune sont également des faits saillants majeurs du XVIe siècle. Les chasseurs dans la neige de 1565 ont parfaitement capturé la vie en Europe du Nord et ont annoncé un mouvement vers l'art du paysage. Praying Hands de 1508 par Albrect Durer a également démontré comment les dessins à la plume et à l'encre pouvaient être traités comme des œuvres d'art à part entière, plutôt que de simplement servir d'outil d'étude et de pratique.

L'essor de la gravure et des arts graphiques

La gravure a fait des progrès considérables au cours du XVIe siècle, permettant pour la première fois aux dessins complexes d'artistes nord-européens de se répandre dans la société. L'art pouvait désormais être apprécié par les masses, les gravures sur bois, les gravures et les eaux-fortes étant copiées plusieurs fois et vendues à des prix compétitifs. Au fil du temps, le processus d'impression est allé au-delà d'une simple reproduction pour offrir aux artistes de nouveaux moyens d'expression.

Albrecht Durer a été l'un des premiers maîtres à cet égard, et ses prouesses extraordinaires ont convaincu de nombreux autres artistes de s'impliquer. En effet, ses estampes étaient plus faciles à transporter ce qui permit à sa réputation artistique de s'étendre bien au-delà des frontières de sa ville natale de Nuremberg.

Artistes de la Cour Royale

Le XVIe siècle marque une période importante dans les opportunités offertes aux artistes par les cours et les commandes royales. Ces donateurs prestigieux utiliseraient l'art comme un moyen d'afficher leur richesse, mais aussi de façonner l'opinion publique sur leur temps au pouvoir. Il y aurait un large éventail de médiums impliqués, y compris la peinture, la sculpture, la tapisserie et l'art de la fresque, souvent pour décorer des bâtiments que les clients avaient eux-mêmes commandés.

Ils recherchaient les meilleurs artistes de toute l'Europe et pouvaient proposer des projets ambitieux et bien financés. Hans Holbein le Jeune connut un succès considérable en Angleterre, servant Henri VIII et produisant des portraits techniquement impressionnants du monarque et des membres de sa famille. L'artiste italien Titien ferait de même pour les Habsbourg en Espagne tandis que la cour des Médicis en Italie apportait un soutien considérable aux arts et entretenait des relations étroites avec la plupart des grands artistes italiens de leur époque.

Élargir le champ de l'art flamand

Les artistes flamands ont continué à prospérer tout au long du XVIe siècle, poursuivant leur succès avec des peintures de dévotion religieuse et de retable, tout en se diversifiant également dans de nouveaux genres. Les plus mémorables de tous étaient peut-être leurs charmants portraits qui capturaient avec précision les personnalités de la paysannerie locale, alors qu'auparavant il y avait très peu d'inclusion des travailleurs pauvres dans l'art européen.

Bruegel lui-même est allé plus loin, couvrant des scènes festives de célébration, nous aidant à voir leur vie sous un jour plus positif. Les scènes de genre et les peintures de paysages étaient également populaires dans cette région et nous ont permis de mieux comprendre la vie quotidienne à cette époque. L'utilisation de la peinture à l'huile était bien établie en Europe du Nord et commencerait à se répandre en Italie, remplaçant leur préférence antérieure pour la détrempe à l'œuf.

Création du genre nature morte

La nature morte est devenue un genre respecté à part entière au XVIe siècle, et des représentations détaillées de toutes sortes d'objets différents jonchaient cette période, dans toute l'Europe. Ceux-ci incluraient initialement de la vaisselle, des fleurs et des produits alimentaires avant que la portée ne s'élargisse à mesure que les artistes commençaient à incorporer des éléments de symbolisme dans leurs peintures.

Ceux-ci seraient utilisés pour représenter des thèmes tels que la vie, la mort, la naissance, l'amour et plus, d'une manière similaire à la façon dont les figures mythologiques et religieuses avaient été utilisées dans le passé. L'utilisation de l'art de la nature morte comme spécialisation a contribué à élever considérablement les normes, de nombreux objets n'étant plus traités après coup dans une scène d'arrière-plan, mais constituaient désormais le principal objectif de la composition.

Ces progrès se trouvaient le plus souvent dans l'art hollandais, où des artistes comme Pieter Aertsen (1508-1575) combinaient nature morte et peinture de genre dans un certain nombre de compositions populaires et très accessibles.

Évolution de la sculpture au XVIe siècle

Les sculptures ont continué à être un médium important tout au long du XVIe siècle, et plus particulièrement il y a eu un renouveau des influences classiques par rapport aux périodes antérieures de la Renaissance. Michel-Ange, par exemple, combinerait également ces clins d'œil au passé avec une précision d'anatomie jamais vue auparavant.

De la même manière que pour la peinture et l'art de la fresque, il y aurait une plus grande sélection de donateurs au XVIe siècle, ce qui laissait un peu plus de liberté aux artistes. Les commandes privées pour décorer les palais et les jardins offrent de nouvelles opportunités à l'écurie de sculpteurs du XVIe siècle, et ils vont également commencer à expérimenter de nouveaux choix de pierre et de métal.

Passage à l'époque baroque

De nombreuses stars de l'époque baroque sont nées à la fin du XVIe siècle. Ce mouvement, qui a dominé la scène artistique européenne du XVIIe siècle, est surtout connu pour sa grandeur impressionnante, son utilisation dramatique de l'éclairage et sa focalisation sur l'évocation des émotions du spectateur, peut-être plus que son intellect. En termes de couleur, la plupart des artistes baroques utiliseraient une palette chaude, offrant une atmosphère optimiste qui faisait appel aux goûts de l'époque.

À la fin du XVIe siècle, nous verrions des personnages comme Caravage (1571-1610) commencer à approcher de leur apogée, ce qui influencerait alors la direction des générations suivantes de l'art européen.

En dehors de l'Italie, l'Europe du Nord était à nouveau très influente. Parallèlement à la montée en puissance de Pierre Paul Rubens (1577-1640), la fin du XVIe siècle a également apporté des contributions précoces à l'âge d'or néerlandais, qui lui-même apportera des noms célèbres tels que Frans Hals (1582-1666), Rembrandt (1606 -1669) et Vermeer (1632-1675).

Par conséquent, l'art européen du XVIe siècle a marqué une transition entre l'apogée de la Renaissance et les premiers exemples du baroque, les maniéristes étant fermement placés au milieu de cela.

Les opinions sur ce que représenterait l'ère baroque variaient considérablement. Certains le compareraient aux périodes de la Renaissance et du maniérisme et le verraient comme une redynamisation de l'art européen avec du mouvement, de la couleur et de l'expression. D'autres, cependant, l'ont considéré comme excessif et inutilement compliqué, mais les forces de ce mouvement ont été soulignées par sa survie du tout début du XVIIe siècle jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, époque à laquelle il avait eu un impact sur de nombreuses disciplines artistiques, allant bien au-delà des seuls arts visuels.