L'histoire de l'art

Découvrez les artistes les plus célèbres du monde de la préhistoire jusqu'aux artistes modernes du 21e siècle dans ce guide complet. Chaque artiste est examiné en détail séparément avec des articles supplémentaires traitant de différents mouvements artistiques plus généralement.

La créativité fait partie intégrante de l'être humain. Alors que chaque animal éprouve des émotions, aucun autre animal n'a la capacité d'exprimer ce qu'il pense, ressent et voit à travers la création d'œuvres d'art. Notre capacité à visualiser et à créer est vieille de milliers d'années.

Il est rassurant de se rappeler que le magnifique art du paléolithique, qui représente la plus ancienne forme de créativité humaine, n'est connu que depuis deux siècles. Jusque dans les années 1830, l'art était considéré comme l'invention de l'homme civilisé, à commencer par les Grecs, tombant dans la barbarie avec l'Age des Ténèbres à la fin de l'Empire romain, et ressurgissant avec la Renaissance. L'art des civilisations antérieures telles que l'Égypte ancienne et la Mésopotamie, même s'il est intrigant et très développé, était considéré comme plus primitif que celui de la culture hellénique. Les Grecs ont jeté les bases de l'art tel que nous le comprenons, ou du moins c'est ce qu'on prétendait.

Les artefacts du paléolithique n'étaient pas entièrement inconnus. Les gens trouvaient des pointes de flèches et des fers de lance en pierre travaillée depuis des siècles, les attribuant souvent au travail d'êtres surnaturels tels que des fées ou spéculant qu'ils tombaient du ciel en cas d'orage. Puis, en 1833, un médecin français nommé François Mayor découvrit et dessina des bois gravés et décorés qui furent immédiatement attribués aux Celtes, car c'était une période de grand intérêt pour les peuples pré-romains d'Europe occidentale, dont la plupart ont été désignés "celtiques".

Le choc de l'ancien

En fait, le maire avait enregistré les premiers exemples d'art paléolithique. Des gloires encore plus grandes devaient venir avec les découvertes des magnifiques peintures d'Altamira et de Lascaux, qui représentaient des animaux tels que des bisons et des chevaux qui avaient l'air aussi frais et vibrants que s'ils avaient été créés quelques jours plus tôt. Au fur et à mesure que l'ancienneté de ces œuvres commençait à être appréciée, l'effet était choquant. Les vieilles croyances concernant le temps et l'espace tombaient dans l'abîme ; l'univers était incroyablement vaste, la terre incroyablement vieille et les humains créaient de l'art depuis des milliers d'années. L'art rupestre le plus ancien, récemment découvert, est indonésien et remonte à plus de 40 000 ans.

Belles, mystérieuses et clairement l'œuvre d'artistes talentueux, les peintures rupestres ont captivé l'imagination du public. Quelle était leur signification ? Pourquoi ont-ils été créés ? Après deux siècles de recherche, les enquêteurs croient maintenant que les peintures rupestres européennes et l'art ancien correspondant du monde entier représentent les efforts de l'imagination humaine pour comprendre son environnement. Ce ne sont pas des œuvres d'art statiques; ils étaient probablement le point central d'autres activités, utilisant le feu avec le son et le mouvement pour créer une expérience collaborative qui contribuerait à un sentiment de communauté et de contrôle magique sur l'environnement.

Les thèmes de la beauté et de la fonctionnalité ont donc été établis bien avant la philosophie de William Morris (« N'ayez rien dans vos maisons que vous ne sachiez être utile ou que vous ne croyiez beau. ») L'art de l'Égypte ancienne, à commencer par l'union des deux terres en 3100 avant notre ère, semble également mystérieux et magique, mais était essentiellement fonctionnel. L'Égypte a longtemps été créditée d'avoir reçu "neuf mesures de magie" à l'aube des temps, ne laissant à toutes les autres cultures qu'un dixième à partager entre elles. La magie était un aspect vital de l'existence, imprégnant tous les domaines de la vie, tout comme le Nil apportait du limon noir vivifiant pour fertiliser le sol chaque année. Heka, le mot égyptien pour pouvoir magique, a fourni des dimensions supplémentaires aux peintures et reliefs bidimensionnels sur les murs des temples et des tombes.

Lorsque le propriétaire de la tombe, sa femme et sa famille étaient représentés assis devant un festin géant, avec des récipients de vin ou de bière, de la volaille et des cuisses de bœuf empilés devant eux, c'est Heka qui les a ramenés à la réalité dans le passé. vie après la mort. La perspective était moins importante que de montrer les gens, les animaux et les objets sous une forme aussi complète que possible. Par conséquent, si le spectateur regarde attentivement, il verra l'impossibilité mais la praticité de l'art égyptien ; les humains ont des visages vus de profil, mais des yeux vus comme de face ; leurs poitrines sont vues comme de face et leurs jambes de côté, les deux bras visibles. Ce qui importe, c'est qu'ils soient représentés de la manière la plus globale possible. C'était une vision qui se reflétait dans l'art de l'embaumeur, qui remplaçait les doigts, les orteils,

L'art égyptien était pratique. Il permettait aux morts de profiter de l'éternité dans un au-delà gouverné par Osiris, le dieu des morts, dans un pays qui ressemblait à la véritable Égypte, mais sans douleur, travail ou privation ; en d'autres termes, une Égypte surnaturellement réelle. Au fil du temps, des thèmes plus naturalistes ont émergé, créant des œuvres d'art représentant une vision de la vie dans la vraie vallée du Nil qui étonnent encore le spectateur aujourd'hui. Des papillons colorés et des insectes représentés de manière réaliste s'installent sur les plantes, les poissons nagent dans les profondeurs fraîches de la rivière, les dirigeants montent en char pour la guerre ou la chasse, et les ouvriers coupent l'orge dans les champs pour faire du pain et de la bière.

Les dirigeants semi-divins et l'harmonie du ciel et de la terre

L'Égypte à l'époque de la construction des pyramides était encore essentiellement une culture de l'âge de pierre, gouvernée par des rois semi-divins dont les monuments massifs ont survécu jusqu'à ce jour. Le thème du souverain qui est en partie divin, en partie humain, a continué à se développer tout au long de l'Égypte de l'âge du bronze et dans la majeure partie du monde antique. De nombreux monuments et reliefs étaient dédiés à l'élite en tant qu'intermédiaires régnants entre le ciel et la terre. Ils étaient essentiels au triomphe continu de l'ordre sur le chaos, une idée qui s'exprime encore et encore dans l'art de nombreuses cultures. Au fil du temps, les gens ordinaires ont commencé à acquérir des concepts qui n'étaient auparavant accessibles qu'à l'élite, comme l'idée de la vie après la mort. Ces thèmes ont été réinterprétés dans leurs propres tombes.

Jusqu'à ce que les explorateurs européens traversent les océans et découvrent de nouvelles cultures, les vues sur la nature de l'art étaient celles du monde connu, englobant la Méditerranée, l'Afrique du Nord, la Syrie, l'Anatolie, la Perse et, éventuellement, l'Europe du Nord et la Scandinavie. Cependant, le pouvoir magique de l'art ne se limitait pas à ces régions. De la Chine aux cultures d'Amérique du Sud, l'art et les artefacts magiques ont été produits pour les dirigeants semi-divins afin d'assurer non seulement leur propre existence dans l'au-delà, mais aussi le maintien de l'harmonie cosmique dans le monde des vivants. La magie, les dieux et leur relation avec les humains s'exprimaient dans l'art et l'architecture pour les vivants comme pour les morts.

Les images ou symboles d'êtres surnaturels sont communs à l'art de toutes les cultures, des Inuits aux aborigènes australiens. L'art pouvait fonctionner comme un mémorial littéral, un système de mémoire qui rappelait à ceux qui l'ont vu des personnes, des lieux, des voyages et des événements. Les jeux sacrés tels que le saut de taureau en Crète et les jeux de ballon rituels d'Amérique du Sud ont également inspiré l'art. L'art de l'Amérique du Nord précoloniale a ses propres mythologies et panthéons d'êtres divins et semi-divins. La sculpture massive des temples hindous a révélé la vie complexe des dieux, tandis que de minuscules statues de divinités domestiques, dans de nombreuses cultures représentant des figures ancestrales, protégeaient les familles qui les adoraient. Jusqu'aux temps modernes, les sociétés ne compartimentaient pas l'art en tant qu'activité à part entière. Il était lié à tous les autres aspects de la vie et de la mort.

L'art grec et la forme humaine

Avec l'essor de la culture grecque au premier millénaire avant notre ère, l'attention s'est tournée vers des expressions plus naturelles des formes humaines et divines. Pour les Grecs, les dieux étaient des êtres surhumains qui pouvaient être représentés comme tels – extrêmement puissants, mais reconnaissables comme humains. Ce qui reste aujourd'hui de nombreuses cultures anciennes, en particulier la statuaire, ne donne pas une véritable indication de l'impact originel de l'art. Les statues étaient peintes de couleurs vives. L'art était une expérience vibrante, élevant le naturel au surnaturel. C'était une partie vitale de la communication entre ce monde et les autres royaumes. L'art était le langage des dieux.

Plus tard en Égypte, alors qu'il y avait beaucoup de colonisation grecque, puis romaine, des formes d'art hybrides combinant des éléments gréco-romains et égyptiens se sont développées. Les exemples les plus célèbres sont les portraits du Fayoum, des œuvres d'art encaustiques obsédantes qui ont été utilisées pour couvrir les visages des momies. Ils regardent depuis les emballages, des images réalistes de personnes peintes dans la force de l'âge qui rappellent maintenant à l'observateur sa brièveté. Nous devons notre faible connaissance de certaines des croyances des Scythes à de talentueux orfèvres grecs, qui ont créé des œuvres spécifiquement pour le marché scythe au nord de la mer Noire. Ces pièces remarquables, maintenant dans des collections en Ukraine et en Russie, montrent les vêtements et les chevaux des Scythes et font allusion à leurs croyances religieuses et magiques. Là où les cultures se rencontrent, il y a toujours eu un syncrétisme, l'union de différentes croyances et divinités.

Art et architecture impériale

L'art impérial était la marque de fabrique de la période romaine, mettant l'accent sur le pouvoir et l'autorité des empereurs, dont beaucoup étaient également des généraux. Ils étaient encore représentés comme des êtres semi-divins dans la statuaire érigée dans les sanctuaires intérieurs de leurs temples de la Grande-Bretagne à l'Égypte et au-delà. La richesse et la nature multiculturelle de l'empire signifiaient également que les artistes avaient la possibilité d'expérimenter. Les décors domestiques avaient leurs propres formes d'art qui comprenaient la statuaire, les mosaïques et des objets pratiques tels que la poterie. Grâce à la préservation de villes telles que Pompéi et Herculanum après l'éruption calamiteuse du Vésuve, des peintures murales révélant à la fois le sacré et le profane de la vie romaine peuvent encore être vues.

Pourtant, diverses formes d'art avaient prospéré pendant des siècles en Europe et en Afrique du Nord avant l'arrivée de la domination romaine. Nous en savons moins sur ces gens parce qu'ils n'étaient pas des sociétés alphabétisées. Cependant, ils nous parlent à travers leur art, racontant à l'observateur leurs talents dans le travail du métal et de l'émail, créant des objets beaux et fonctionnels pour un usage quotidien, de la décoration de harnais de chevaux aux seaux et aux armes. Les styles antérieurs aux Romains ont continué longtemps après la fin de l'Empire, pour changer une fois de plus au fur et à mesure qu'ils subissaient de nouvelles influences. Les tourbillons et les spirales de l'art européen ancien sous-tendent le riche symbolisme du christianisme celtique.

Religion et art

Toutes les religions, qu'il s'agisse des religions dominantes du monde ou des systèmes de croyance locaux, utilisent une forme d'art pour exprimer le sens et la croyance. Seul le fondamentalisme nie la créativité dans la religion. Les représentations du monde naturel, ou les représentations formalisées et géométriques de formes naturelles comme dans l'art islamique, peuvent révéler des aspects de la nature de Dieu au croyant. Les religions abrahamiques, le judaïsme, le christianisme et l'islam, ont inspiré une grande partie de l'art mondial. Pourtant, il en va de même pour les croyances personnelles, représentées dans l'art des sanctuaires domestiques de l'Afrique aux Amériques. La nature de la religion reflète la nature de son art.

L'art d'Europe occidentale a été fortement influencé par le christianisme, les empires romains occidental et oriental, Rome et Byzance, étant les entrepôts d'origine. Le mouvement du christianisme à travers l'Europe peut être cartographié à travers l'art et les artefacts de chaque région, des Évangiles de Lindisfarne aux images des Trois Rois à Cologne. Les premiers temps médiévaux, autrefois connus sous le nom d'âge sombre, étaient loin d'être sombres. Dans les anciens centres du monde comme le Caire, l'art et l'architecture étaient encore florissants, tandis qu'en Irlande, l'Église celtique produisait un art glorieux qui révèle un niveau de compétence difficile à égaler encore aujourd'hui.

La Renaissance : l'intronisation de l'art

La Renaissance est souvent considérée comme représentant non seulement la restauration des principes de l'art de l'Antiquité classique, mais aussi la maturation des formes d'art. Le véritable triomphe de la Renaissance est peut-être son harmonisation des thèmes sacrés et profanes. Une grande partie de l'art de la Renaissance a été inspirée par - et financée par - de puissantes familles et des individus créateurs de richesse. Les artistes de la Renaissance ont fréquemment exprimé l'autorité de ces personnages influents à travers l'utilisation de thèmes et d'images religieux. La plus audacieuse de ces œuvres d'art est le "Voyage des Mages à Jérusalem" de Benozzo Gozzoli qui est essentiellement un "qui était qui" de la cour de Laurent le Magnifique, représenté comme l'entourage des Rois Mages.

La Renaissance marque également le début de la pensée scientifique, avec les œuvres visionnaires de Léonard de Vinci et ses expériences de dessin anatomique. Alors même que la Renaissance prospérait, les graines du changement religieux et séculier étaient plantées, en particulier dans le nord de l'Europe. L'art des XVe et XVIe siècles représentait de puissants souverains et monarques, exposés dans des décors riches et souvent à cheval. Au XVIIe siècle, les dirigeants laïcs et les marchands vêtus sobrement ont également commencé à avoir leur propre portrait, reflétant leur richesse et leur influence croissantes. Voir aussi la sculpture de Donatello.

Vers l'ère moderne

Après 1600, l'histoire de l'art est celle d'une sécularisation et d'une spécialisation croissantes. Le portrait de l'aristocratie a continué, comme, par exemple, au XVIIIe siècle, les images d'éleveurs de pur-sang anglais et de leurs chevaux. Différents styles ont commencé à émerger, y compris des scènes plus réalistes de la vie quotidienne et des gens ordinaires, ainsi que des images pastorales idéalisées. La colonisation européenne en Amérique et en Australie a apporté de nouvelles approches et des thèmes étendus, tels que ceux de l'école de la rivière Hudson. L'art est devenu une arme à double tranchant ; il pourrait être utilisé comme moyen de communication partagée avec d'autres cultures, mais pourrait également être utilisé pour la propagande et l'idéologie impérialiste.

L'industrialisation croissante du XIXe siècle a apporté une plus grande dislocation et paradoxalement une plus grande liberté pour les artistes. L'idée que l'artiste crée sa propre vision sans avoir besoin d'un mécène a marqué un tournant majeur. Les artistes se sont sentis de plus en plus libres d'expérimenter, le travail des impressionnistes en fournissant un exemple majeur. D'autres écoles, comme les préraphaélites, regardaient vers le passé, loin de la laideur de la production industrielle moderne.

Art moderne et postmoderne

Plutôt que de craindre ou de haïr le monde moderne, les artistes modernes l'ont adopté. Bien avant que John Brunner n'invente l'expression "cavalier de l'onde de choc" pour décrire ceux qui devraient s'adapter au choc des technologies émergentes, les artistes modernes ont surfé sur le flot de nouvelles idées. L'art ne concernait plus le maintien de l'établissement, mais le libre échange d'émotions, de pensées et d'idées. C'était un moyen d'expression personnelle et politique. La séparation de l'establishment, et plus important encore, de la religion, de l'art était considérée comme libératrice. Les artistes étaient désormais véritablement l'avant-garde; ils ont ouvert la voie au nouveau par l'exemple, sachant que le changement était essentiel.

L'art est devenu un acte révolutionnaire, et tandis que les artistes ont embrassé le nouveau, ils n'ont pas adoré tous ses aspects. Le Guernica de Picasso est à juste titre présenté comme l'une des œuvres les plus significatives du XXe siècle : colérique, émouvante et exigeant finalement un appel à l'action. Alors que les artistes post-modernes continuent de façonner leurs propres réponses personnelles et politiques au monde, ils rappellent à ceux qui observent leur travail le fil artistique commun à travers le temps : la vision de l'artiste. Nous sommes tous maintenant en mesure de profiter de ces merveilleux exemples de créativité dans nos propres maisons, avec des impressions d'art et même des toiles d'art numérique . De plus, ce site Web est payé par la publicité et, récemment, nous avons augmenté nos revenus publicitaires grâce à l'utilisation du programme Ezoic.