TheHistoryOfArt.org: Artistas Famosos, Pinturas y Esculturas

La creatividad es una parte intrínseca de ser humano. Aunque todos los animales experimentan emociones, ninguno tiene la capacidad de expresar cómo piensa, siente y ve a través de la creación de obras de arte.

Nuestra capacidad para visualizar y crear tiene miles de años. Es impresionante recordar que el magnífico arte del Paleolítico, que representa la forma más antigua de creatividad humana, ha sido conocido por solo dos siglos.

Hasta la década de 1830, se consideraba que el arte era la invención de humanos civilizados, comenzando con los griegos, cayendo en la barbarie con la Edad Oscura al final del Imperio Romano, y resurgiendo con el Renacimiento.

El arte de civilizaciones anteriores, como el antiguo Egipto y Mesopotamia, aunque intrigante y altamente desarrollado, se veía como más primitivo que el de la cultura helénica. Los griegos establecieron los cimientos del arte tal como lo entendemos, o al menos eso se argumentaba. Consulta también las Siete Maravillas del Mundo.

Los artefactos del Paleolítico no eran completamente desconocidos. La gente había estado encontrando puntas de flechas y lanzas de piedra trabajada durante siglos, a menudo atribuyéndolas al trabajo de seres sobrenaturales como las hadas o especulando que caían del cielo durante una tormenta eléctrica.

Luego, en 1833, un médico francés llamado François Mayor descubrió e hizo dibujos de astas grabadas y decoradas que se atribuyeron de inmediato a los celtas, ya que esta fue una época de gran interés en los pueblos prerromanos de Europa occidental, la mayoría de los cuales fueron designados como "celtas".

El Choque de lo Antiguo

De hecho, Mayor había registrado los primeros ejemplos de arte paleolítico. Todavía estaban por llegar glorias mayores con los descubrimientos de las magníficas pinturas de Altamira y Lascaux, que representaban animales como bisontes y caballos que parecían tan frescos y vibrantes como si se hubieran creado días antes. A medida que se comenzó a apreciar la antigüedad de estas obras, el efecto fue impactante.

Antiguas creencias sobre el tiempo y el espacio estaban cayendo en el abismo; el universo era inconcebiblemente vasto, la Tierra inconcebiblemente antigua, y los humanos habían estado creando arte durante miles de años. El arte rupestre más antiguo, descubierto recientemente, es indonesio y tiene más de 40,000 años.

Hermosas, misteriosas y claramente obra de artistas talentosos, las pinturas rupestres cautivaron la imaginación del público. ¿Cuál era su significado? ¿Por qué fueron creadas? Después de dos siglos de investigación, los investigadores creen ahora que las pinturas rupestres europeas y el arte temprano correspondiente de todo el mundo representan los esfuerzos de la imaginación humana por comprender su entorno.

No son obras de arte estáticas; probablemente fueron el punto focal de otras actividades, utilizando el fuego junto con el sonido y el movimiento para crear una experiencia colaborativa que contribuiría a un sentido de comunidad y control mágico sobre el entorno.

Los temas de la belleza y la funcionalidad se establecieron, por lo tanto, mucho antes de la filosofía de William Morris ("No tengas nada en tus casas que no sepas que sea útil o creas que sea hermoso"). El arte del antiguo Egipto, comenzando con la unificación de las dos tierras en el 3100 a.C., también parece misterioso y mágico, pero era esencialmente funcional.

Egipto fue acreditado durante mucho tiempo como haber recibido "nueve medidas de magia" en el amanecer del tiempo, dejando a todas las demás culturas solo una décima parte para compartir entre ellas. La magia era un aspecto vital de la existencia, impregnando todas las áreas de la vida, al igual que el río Nilo traía limo negro que fertilizaba el suelo anualmente. Heka, la palabra egipcia para el poder mágico, proporcionaba dimensiones adicionales a las pinturas bidimensionales y relieves en las paredes de templos y tumbas.

Cuando el propietario de la tumba y su esposa e hijos eran representados sentados frente a un banquete gigante, con vasijas de vino o cerveza, aves y patas de res apiladas frente a ellos, era Heka quien los restauraba a la realidad en la vida después de la muerte. La perspectiva era menos importante que mostrar a las personas, animales y objetos de la forma más completa posible.

Por lo tanto, si el espectador observa de cerca, verá la imposibilidad pero practicidad del arte egipcio; los humanos tienen caras que se ven de perfil, pero ojos que se ven como si fueran de frente; sus pechos se ven como si fueran de frente y sus piernas desde el lado, con ambos brazos visibles. Lo que importa es que se representen de la manera más integral posible.

Fue una perspectiva que se reflejó en el arte del embalsamador, quien reemplazaba dedos, dedos de los pies, extremidades u ojos faltantes con varios sustitutos para hacer que los muertos estuvieran completos nuevamente.

El arte egipcio era práctico. Permitía que los muertos disfrutaran de la eternidad en una vida después de la muerte gobernada por Osiris, dios de los muertos, en una tierra que parecía la verdadera Egipto, pero sin dolor, trabajo o privación; en otras palabras, un Egipto preternaturalmente real.

Con el tiempo, surgieron temas más naturalistas, creando obras de arte que representan una visión de la vida en el verdadero valle del Nilo que todavía asombra al espectador hoy. Mariposas coloridas e insectos representados de manera realista se posan en las plantas, los peces nadan en las frescas profundidades del río, los gobernantes cabalgan en carros hacia la guerra o la caza, y los trabajadores cortan la cebada en los campos para hacer pan y cerveza.

Gobernantes Semidivinos y la Armonía entre el Cielo y la Tierra

Egipto en los días de la construcción de pirámides seguía siendo esencialmente una cultura de la Edad de Piedra, gobernada por reyes semidivinos cuyos monumentos masivos han perdurado hasta el día de hoy. El tema del gobernante que es parte divino, parte humano, continuó desarrollándose a lo largo de la Edad del Bronce en Egipto y en la mayoría del mundo antiguo.

Muchos monumentos y relieves estaban dedicados a la élite como intermediarios gobernantes entre el cielo y la tierra. Eran esenciales para el triunfo continuo del orden sobre el caos, una idea que se expresa en el arte de muchas culturas una y otra vez. Con el tiempo, las personas comunes comenzaron a adquirir conceptos que anteriormente solo estaban disponibles para la élite, como la idea de la vida después de la muerte. Estos temas fueron reinterpretados en sus propias tumbas.

Hasta que los exploradores europeos se aventuraron por los océanos y descubrieron nuevas culturas, las opiniones sobre la naturaleza del arte eran las del mundo conocido, abarcando el Mediterráneo, el norte de África, Siria, Anatolia, Persia y, finalmente, el norte de Europa y Escandinavia. Sin embargo, el poder mágico del arte no se limitaba a estas regiones.

Desde China hasta las culturas de América del Sur, se producían arte y artefactos mágicos para gobernantes semidivinos, asegurando no solo su propia existencia en la vida después de la muerte, sino también la continuidad de la armonía cósmica en el mundo de los vivos. La magia, los dioses y su relación con los humanos se expresaban en el arte y la arquitectura tanto para los vivos como para los muertos.

Imágenes o símbolos de seres sobrenaturales son comunes en el arte de todas las culturas, desde los inuit hasta los aborígenes australianos. El arte podía funcionar como un memorial literal, un sistema de memoria que recordaba a aquellos que lo veían personas, lugares, viajes y eventos. Juegos sagrados como el salto de toros en Creta y los juegos rituales de pelota en América del Sur también han proporcionado inspiración para el arte.

El arte de la América del Norte precolonial tiene sus propias mitologías y panteones de seres divinos y semidivinos. La escultura masiva de los templos hindúes revelaba las vidas complejas de los dioses, mientras que las pequeñas estatuas de dioses domésticos, en muchas culturas representando figuras ancestrales, protegían a las familias que los adoraban. Hasta los tiempos modernos, las sociedades no compartimentaban el arte como una actividad separada. Estaba entrelazado con cada otro aspecto de la vida y la muerte.

Arte Griego y la Forma Humana

Con el surgimiento de la cultura griega en el primer milenio a.C., el enfoque se volcó hacia expresiones más naturales de formas humanas y divinas. Para los griegos, los dioses eran seres superhumanos que podían ser representados como tal, supremamente poderosos pero reconociblemente humanos.

Lo que queda de muchas culturas antiguas hoy, especialmente la estatuaria, no da una indicación real del impacto original del arte. Las estatuas estaban pintadas de colores brillantes. El arte era una experiencia vibrante, elevando lo natural a lo sobrenatural. Era una parte vital de la comunicación entre este mundo y otros reinos. El arte era el lenguaje de los dioses.

En épocas posteriores en Egipto, cuando hubo muchos asentamientos griegos y posteriormente romanos, se desarrollaron formas híbridas de arte que combinaban elementos greco-romanos y egipcios. Los ejemplos más famosos son los retratos de Fayum, inquietantes obras de arte encaústicas que se usaban para cubrir los rostros de las momias.

Mirando desde los vendajes, imágenes realistas de personas pintadas en la flor de la vida que ahora recuerdan al observador de su brevedad. Debemos nuestro escaso conocimiento de algunas creencias de los escitas a talentosos orfebres griegos, que crearon obras específicamente para el mercado escita al norte del Mar Negro.

Estas piezas notables, ahora en colecciones en Ucrania y Rusia, muestran la ropa y los caballos de los escitas y sugieren sus creencias religiosas y mágicas. Donde las culturas se encuentran, siempre ha habido sincretismo, la unión de diferentes creencias y deidades. Lo mismo era cierto para el arte.

Arte y Arquitectura Imperiales

El arte imperial fue el sello distintivo del período romano, con énfasis en el poder y la autoridad de los emperadores, muchos de los cuales también eran generales. Todavía eran representados como seres semidivinos en las estatuas que se erigían en los santuarios internos de sus templos desde Gran Bretaña hasta Egipto y más allá.

La riqueza y la naturaleza multicultural del imperio también significaban que los artistas tenían la oportunidad de experimentar. Los entornos domésticos tenían sus propias formas de arte que incluían estatuas, mosaicos y elementos prácticos como la cerámica. Gracias a la preservación de ciudades como Pompeya y Herculano después de la calamitosa erupción del Vesubio, todavía se pueden ver pinturas murales que revelan tanto lo sagrado como lo secular en la vida romana.

Sin embargo, varias formas de arte habían florecido durante siglos en Europa y el norte de África antes de la llegada del dominio romano. Sabemos menos sobre estas personas porque no eran sociedades literarias. Sin embargo, nos hablan a través de su arte, contándole al observador sobre sus habilidades en la metalurgia y el esmalte, creando objetos hermosos y funcionales para el uso diario, desde la decoración de arneses de caballos hasta cubos y armas.

Los estilos que preceden a los romanos continuaron mucho después del fin del Imperio, cambiando una vez más a medida que recibían nuevas influencias. Los remolinos y espirales del arte europeo antiguo subyacen en el rico simbolismo del cristianismo celta.

Religión y Arte

Todas las religiones, ya sean las religiones principales del mundo o sistemas de creencias locales, hacen uso de alguna forma de arte para expresar significado y creencias. Solo el fundamentalismo niega lo creativo en la religión. Las representaciones del mundo natural o representaciones formalizadas y geométricas de formas naturales, como en el arte islámico, pueden revelar aspectos de la naturaleza de Dios para el creyente.

Las religiones abrahámicas, judaísmo, cristianismo e islam, han inspirado gran parte del arte mundial. Pero también lo han hecho las creencias personales, representadas en el arte de santuarios domésticos desde África hasta las Américas. La naturaleza de la religión refleja la naturaleza de su arte.

El arte de Europa occidental ha sido fuertemente influenciado por el cristianismo, con ambos imperios romanos, el occidental y el oriental, Roma y Bizancio, siendo los almacenes originales. El movimiento del cristianismo a lo largo de Europa se puede mapear a través del arte y los artefactos de cada región, desde los Evangelios de Lindisfarne hasta las imágenes de los Reyes Magos en Colonia.

Los primeros tiempos medievales, antes conocidos como la Edad Oscura, estaban lejos de ser oscuros. En los centros antiguos del mundo, como El Cairo, el arte y la arquitectura aún florecían, mientras que en Irlanda, la Iglesia Celta producía un arte glorioso que revela un nivel de habilidad difícil de igualar incluso hoy.

El Renacimiento: la Entronización del Arte

El Renacimiento se ve a menudo como la representación no solo de la restauración de los principios del arte de la antigüedad clásica, sino también del desarrollo de formas de arte. Quizás el verdadero triunfo del Renacimiento sea su armonización de temas sagrados y seculares. Gran parte del arte renacentista fue inspirado, y financiado, por familias e individuos poderosos generadores de riqueza.

Los artistas del Renacimiento expresaron con frecuencia la autoridad de estas personajes influyentes a través del uso de temas e imágenes religiosas. La obra de arte más audaz de estas es "Viaje de los Reyes Magos a Jerusalén" de Benozzo Gozzoli, que es esencialmente un "quién es quién" de la corte de Lorenzo el Magnífico, representado como el séquito de los Tres Reyes Magos.

El Renacimiento también marcó el comienzo del pensamiento científico, con las obras visionarias de Leonardo da Vinci y sus experimentos con el dibujo anatómico. Incluso cuando el Renacimiento florecía, se estaban sembrando las semillas del cambio religioso y secular, especialmente en el norte de Europa.

El arte de los siglos XV y XVI representaba a poderosos gobernantes y monarcas, exhibidos en entornos opulentos y frecuentemente a caballo. En el siglo XVII, los gobernantes seculares y los comerciantes vestidos con sobriedad comenzaron a tener su propia portraiture, reflejando su creciente riqueza e influencia. Vea también la escultura de Donatello.

Hacia la Era Moderna

Después de 1600, la historia del arte es de creciente secularización y especialización. La portraiture de la aristocracia continuó, como, por ejemplo, en las imágenes del siglo XVIII de criadores de pura sangre ingleses y sus caballos. Surgieron diferentes estilos, incluyendo escenas más realistas de la vida cotidiana y personas comunes, así como imágenes idealizadas de la vida pastoral.

El asentamiento europeo en América y Australia trajo nuevos enfoques y temas expansivos, como los de la Escuela del Río Hudson. El arte se convirtió en un arma de doble filo; podía ser utilizado como un medio de comunicación compartida con otras culturas, pero también podía ser utilizado con fines propagandísticos e ideología imperialista.

La creciente industrialización del siglo XIX trajo una mayor desvinculación y paradójicamente una mayor libertad para los artistas. La idea de que el artista creara su propia visión sin necesidad de un patrón marcó un cambio importante. Los artistas se sintieron cada vez más libres para experimentar, con el trabajo de los impresionistas proporcionando un ejemplo destacado. Otras escuelas, como los prerrafaelitas, miraban al pasado, lejos de la fealdad de la producción industrial moderna.

Arte Moderno y Posmoderno

En lugar de temer u odiar el mundo moderno, los artistas modernos lo abrazaron. Mucho antes de que John Brunner acuñara la frase "jinete de ondas de choque" para describir a aquellos que tendrían que adaptarse al impacto de las tecnologías emergentes, los artistas modernos surfeaban la inundación de nuevas ideas.

El arte ya no se trataba de mantener el establishment, sino del libre intercambio de emociones, pensamientos e ideas. Era un medio de expresión personal y política. La separación del establishment y, lo que es más importante, la religión, del arte se percibía como liberadora. Los artistas eran ahora genuinamente la vanguardia; lideraban el camino hacia lo nuevo dando ejemplo, sabiendo que el cambio era esencial.

El arte se convirtió en un acto revolucionario, y aunque los artistas abrazaron lo nuevo, no adoraron cada uno de sus aspectos. El Guernica de Picasso es justamente considerado como una de las obras más significativas del siglo XX: enojado, conmovedor y, en última instancia, exigiendo un llamado a la acción. A medida que los artistas posmodernos continúan dando forma a sus propias respuestas personales y políticas al mundo, recuerdan a aquellos que observan su trabajo el único hilo artístico común a través del tiempo: la visión del artista.