An der Schwelle der Ewigkeit

Van Goghs Expertise darin, Emotionen einzufangen, wird deutlich in diesem Bild, dem eines alternden, möglicherweise kranken Mannes, der blau gekleidet ist und auf einem Stuhl sitzt.

Seine fast zu Fäusten geballten Hände pressen sich gegen sein Gesicht, was den überwältigenden Eindruck eines Mannes vermittelt, der in einem inneren Konflikt gefangen ist. Die Pose ist eine, zu der Van Gogh in seinen Werken immer wieder zurückkehrte und die Pose mit männlichen und weiblichen Modellen in Medien wie Bleistiftzeichnung , Radierung, Lithographie und schließlich in Öl wiederholte.

Die Namen dieser verschiedenen Stücke zeugen von Van Goghs Absichten, die im Allgemeinen ohne viel Analyse festgestellt werden können: „Trauriger alter Mann“, „Weinende Frau“, „Trauernde Frau, die auf einem Korb sitzt“ und der Name der ganzen Sammlung ähnlicher Werke: 'Weared Out.' Diese Skizzen und Lithografien haben ihren Weg in die ganze Welt gefunden und an so unterschiedlichen Orten wie dem Museum of Contemporary Art in Teheran und dem Art Institute of Chicago ein Zuhause gefunden, auch wenn die meisten im Van Gogh Museum in Amsterdam zu finden sind. Das Ölgemälde, vollständig bekannt als Trauernder alter Mann (Am Tor der Ewigkeit), aber am häufigsten unter dem Satz in Klammern bekannt, wurde im Mai 1890 fertiggestellt, als Van Gogh sich von einer schweren psychischen Erkrankung erholte und noch in der Asyl. Er würde sterben,

Das Gemälde ist, wie viele Van Goghs, auf den ersten Blick täuschend oberflächlich und wirkt fast karikaturistisch und einfach. Es ist nur eine längere Beobachtung, die die nahezu perfekten Perspektiven des Raums und des Stuhls, die minutiös detaillierte Wiedergabe der Holzdielen und die genaue Aufnahme der Stiefel, alt und gut gebraucht, aber sorgfältig gepflegt und auf Hochglanz poliert, nach Hause bringt . Auch die Gefühle, die der Mann empfand, sind klar: immenser Kummer, Kummer oder Bedauern, fest eingezwängt in einer Welt, die sich wenig um männliche Gefühle scherte außer gerechtem Zorn. Die scharfe Beobachtung des Mannes, der seine geballten Fäuste in sein eigenes Gesicht presst und seine Augen bedeckt, offenbart den Stolz des Mannes und den Widerwillen, als schwach oder „weniger“ angesehen zu werden.

Es dient auch dazu, den Mann gesichtslos zu machen, so dass jeder Betrachter vielleicht eine zukünftige Version von sich selbst sehen kann, die dem Lebensende gegenübersteht und die im Leben getroffenen Entscheidungen abwägt, an diesem Ort zu landen, diesem Raum, der warm genug ist und bequem genug, wie der geschnitzte Holzstuhl und das gesunde Feuer im Kamin beweisen, aber das ist kein Palast oder Herrenhaus.

Der Blauton, der in der Kleidung des Mannes verwendet wurde, scheinbar praktische Arbeitsoberteile und -hosen, die nicht so sehr von modernen Overalls entfernt sind, soll Van Goghs Lieblingsblauton sein, und es wird vermutet, dass das Gemälde, obwohl es auf der früheren Bleistiftskizze basiert , das Van Gogh auf Anfrage von seinem Bruder Theo nach seiner Genesung geschickt wurde, ist so etwas wie ein letztes Selbstporträt, eine Darstellung seiner inneren Qual in Van Goghs bevorzugter Kommunikationsmethode: der Malerei. Das Gemälde hängt im Kruller Muller Museum im Dorf Otterlo in den Niederlanden.