Vincent van Gogh - Künstlerbiografie mit Portfolio von Drucken, Plakaten und Gemälden

Vincent van Goghs Schaffen als Künstler wurde oft von Spekulationen über seinen psychischen Gesundheitszustand überschattet. Wie das Eröffnungszitat zeigt, war er jedoch in der Lage, seine eigene Persönlichkeit klar und mit großer Ehrlichkeit einzuschätzen.

"...In mir brennt ein großes Feuer, aber niemand hält an, um sich daran zu wärmen, und Passanten sehen nur eine Rauchfahne..."

Vincent van Gogh

Seine Fähigkeiten als Künstler ermöglichten es ihm, eine Realität hinter der Oberfläche des Lebens zu erreichen, die andere nicht sehen konnten. Gleichzeitig distanzierte ihn diese Fähigkeit von anderen und beschädigte seine persönlichen Beziehungen und Freundschaften durch die Intensität und Klarheit seiner Vision. Diese künstlerische Vision, so könnte man argumentieren, begann in der Kindheit, als sich Religion und Natur als die beiden großen Kräfte etablierten, die seine Kreativität antreiben sollten. 1853 als Sohn eines niederländischen Ministers geboren, war es unvermeidlich, dass die Religion einer der stärksten seiner jugendlichen Einflüsse sein würde. Die Familie war wohlhabend und vornehm, und insbesondere seine Mutter erzog die Kinder, um sich des Status und der Seriosität der Familie bewusst zu sein.

Van Gogh selbst schrieb über die Kälte seiner Erziehung, und Beschreibungen seiner Jugend scheinen darauf hinzudeuten, dass er klassische Anzeichen von Introvertiertheit zeigte. Er liebte die Natur, zeichnete und wanderte einfach in der Natur und war in seiner eigenen Gesellschaft zufrieden. Es wäre kaum verwunderlich, dass das Tragen einer Last familiärer Erwartungen auf seinen Schultern einem introspektiven, kreativen Kind Probleme bereiten würde, obwohl seine Mutter seine Kreativität auch durch Zeichnen förderte. Sicherlich äußerte sich zumindest eine seiner Schwestern über das merkwürdige Verhalten ihres Bruders, dem jedoch der offensichtlich strenge Sinn der Familie für Konventionalität und Korrektheit gegenüberstehen muss.

Theoretisch hätte van Goghs Hintergrund für jeden jungen Mann mit künstlerischem Talent, oder vielmehr künstlerischem Ehrgeiz ideal sein müssen. Zu seinen familiären Verbindungen gehörte ein Onkel Vincent (bekannt als Onkel Cent), der Kunsthändler für die international erfolgreiche Firma Goupil & Cie. war. Durch Onkel Cent trat der junge Vincent in das Unternehmen ein und ging nach London, um dort zu arbeiten.

Anfangs war er sehr erfolgreich in seiner Arbeit und verdiente ein gutes Gehalt. Seine Zeit als Sachbearbeiter im Unternehmen markiert jedoch wahrscheinlich den Beginn seines Selbstbewusstseins, ein Außenseiter zu sein; die Kunstvermittlungswelt, die seiner Ansicht nach die Kommodifizierung von Künstlern repräsentierte, sprach ihn nicht an. Desillusioniert von der Enttäuschung nach seiner ersten Verliebtheit kehrte er nach Paris zurück, um im Büro des Unternehmens zu arbeiten, wurde jedoch bald entlassen.

Zweifellos war van Goghs Unfähigkeit, sich einem festen Beruf zu widmen, seinen Eltern ein Anliegen, ein Generationenkonflikt, der bis heute nicht unbekannt ist. Versuche, formalere Studien in Kunst zu machen, waren erfolglos. Sein fester christlicher Glaube veranlasste ihn, einige Zeit als Lehrer und Missionar zu verbringen, aber auch hier lehnte er ein formales Studium ab und fiel mehrmals durch die erforderlichen Prüfungen. Seine Natur zog ihn zu einem asketischen, klösterlichen Lebensstil, der weder von der Familie noch von den religiösen Autoritäten unterstützt wurde. Diese strenge Interpretation des Christentums beeinflusste zunächst sowohl seine Themenwahl als auch deren Behandlung in seinen Gemälden.

Die Abweichung zwischen dem, was von ihm erwartet wurde, und seinen eigenen Vorstellungen und Überzeugungen führte unweigerlich zu Zwietracht und Streit mit seiner Familie. Die Intensität seiner Bindungen, sei es an Menschen, Orte, Überzeugungen oder Ideen, wäre von grundlegender Bedeutung für seine Kreativität. Es war jedoch so weit vom Verständnis derer entfernt, die ihn liebten, dass es wahrscheinlich ist, dass die Abweichung in irgendeiner Weise zu seinen eigenen psychischen Gesundheitsproblemen beitrug. 1880 empfahl sein Vater, seinen Sohn in die örtliche Anstalt zu bringen.

Seine intensive Verliebtheit in seine verwitwete Cousine Cornelia Vos-Stricker, bekannt als „Kee“, führte zu weiteren Komplikationen innerhalb der Familie. Ihre Ablehnung war auch der Auslöser für van Goghs erste identifizierbare psychotische Episode, als er sich an der Flamme einer Lampe schwer die Hand verbrannt hätte, aber anscheinend durch die Intervention seines Onkels daran gehindert wurde.

Doch van Gogh konnte während seines kurzen Lebens auch Unterstützung und Ermutigung von einigen Mitgliedern seiner Familie erhalten. Seine Beziehung zu seinem geliebten Bruder Theo wurde in den zahlreichen Briefen festgehalten, die sie austauschten und die nach dem Tod der Brüder von Theos Witwe veröffentlicht wurden. Ohne Theos Ermutigung und finanzielle Unterstützung wäre Vincents bemerkenswertes künstlerisches Vermächtnis wahrscheinlich nicht zustande gekommen. Ein anderer Verwandter, der erfolgreiche Künstler Anton Mauve, hätte die Rolle des Mentors von Vincent van Gogh spielen können und tat dies bis zu einem gewissen Grad. Mauve scheint jedoch beschlossen zu haben, jeglichen Kontakt mit van Gogh aufgrund der Beziehung des letzteren zu Clasina Maria „Sien“ Hoornik zu beenden. Van Goghs Vater übte schließlich genügend Druck aus, um seinen Sohn zu zwingen, Sien zu verlassen.

Diese Polarität innerhalb seines Familienlebens – sowohl zärtliche, liebevolle Fürsorge ohne Wertung als auch Kälte, Ablehnung und Manipulation – muss als einer der wichtigsten Einflüsse auf sein Leben als Künstler angesehen werden. Die Kunst selbst würde einen zweifachen Einfluss auf van Gogh ausüben. Einerseits hat ihn der kreative Prozess, wie die Landschaft und die Natur selbst, absorbiert und befreit, ihn vielleicht so lange von der Tretmühle eines obsessiven Geistes befreit, wie er malte. Andererseits könnte seine Kunst eine Quelle großer Konflikte und Schmerzen sein, insbesondere in seiner Beziehung zum Maler Gauguin.

Zu Van Goghs eigenen künstlerischen Einflüssen gehörte die Arbeit von Millet, dessen Gemälde „Die Ährenleser“ der Welt durch die einfache Würde der auf dem Feld arbeitenden Bauern zeigte, dass realistische Bilder gewöhnlicher Menschen auch als eine Art Metapher funktionieren und Zeitlosigkeit schaffen könnten Welt, in der die Rhythmen der Natur und die Jahreszeiten des Menschen harmonisch zusammenwirkten. Der Einfluss davon ist in van Goghs Werk deutlich zu erkennen, von den frühen schattigen, fast monochromen Bildern von „Die Kartoffelesser“ bis zu seiner lebhaften Arles-Zeit mit ihren auffallend warmen Gelb- und Rottönen und Bildern von Sonnenblumen und Weinbergarbeitern.

Der metaphorische Aspekt von van Goghs Werk wurde häufig von Biografen und Kommentatoren seiner Briefe erwähnt. Seine Verwendung biblischer und literarischer Bilder sowohl in seiner Korrespondenz als auch in seiner Kunst ist angesichts seiner Ausbildung, seiner Herkunft und seiner Zeit in England, wo er die Werke von George Eliot und Dickens las, kaum überraschend. Seine Liebe zu französischen Schriftstellern wie Balzac, Voltaire und insbesondere Zola verleiht diesem Aspekt seiner Kreativität weitere Tiefe. Es ist bemerkenswert, dass all diese Autoren auf außergewöhnliche Weise über „gewöhnliche“ Menschen schrieben, von den überlebensgroßen Charakteren von Dickens bis zum wimmelnden Straßen- und Theaterleben von Zola.

In van Goghs Kunst nahmen literarische Metaphern visuelle Gestalt an. Die Arbeiter und Landarbeiter, die er traf, wurden nicht nur um ihrer selbst willen und als Beispiele von Individuen gemalt, die weit entfernt von seiner eigenen relativ wohlhabenden Herkunft waren; sie waren auch visuelle Beispiele für biblische Gleichnisse. In seinen Gemälden von Bauern und Arbeitern sehen wir die Sämänner, die Arbeiter im Weinberg, wo der wahre Wein wächst, die Erntearbeiter und die Fischer.

Tiere erscheinen auch in van Goghs Werk, um Metaphern sowie Beispiele für die reiche Vielfalt eines lebenden Universums zu liefern. Der exquisite Eisvogel in seinem Gemälde "Eisvogel am Wasser" ist eine schöne Beschwörung der Natur und könnte auch den "Fischerkönig" des christlichen Mythos darstellen. Die Klarheit und Lebendigkeit des kleinen Vogels, der geduldig am Fluss wartet, fängt an das Herz des Betrachters, als ob er es in Wirklichkeit sehen würde.

Verweise auf müde Esel und erschöpfte Pferde in seiner Kunst erinnern an das kurze und anstrengende Leben der arbeitenden Menschen, weit entfernt von dem privilegierten Leben derer, denen sie dienen. Wahrscheinlich ursprünglich angetrieben von seiner eigenen christlichen Erziehung und seinem natürlichen Sinn für die Sorge um die Armen, sind van Goghs Gemälde von Arbeitern und Bauern nicht bloße Beobachtungen. Da ihn sein eigenes „großes Feuer“ antreibt, war es für van Gogh nicht genug, seine Besorgnis einfach aufzuzeichnen. Er musste mit ihnen leben, unter ihnen, um möglichst einer von ihnen zu werden.

Auch wenn dies als große Ironie erscheinen mag – schließlich war van Gogh selbst ein Kind aus privilegierten Verhältnissen, und es war der Reichtum anderer Familienmitglieder, der es ihm ermöglichte zu malen –, aber sein Ehrgeiz war aufrichtig. Seine Absicht, die Großzügigkeit seines Bruders durch den Verkauf seiner Gemälde zurückzuzahlen, war ebenfalls aufrichtig, und zweifellos wäre sein Versäumnis, dies zu tun, ein weiterer Grund zur Beunruhigung eines nervösen und oft einsamen Mannes gewesen. Er war auch aufrichtig davon überzeugt, dass seine Kunst nicht für die Reichen, sondern für die gesamte Menschheit bestimmt war. Er mied die Raffinesse und lobte das Gefühl, wobei das Gefühl für die Mitmenschen den Zweck sowohl der Kunst als auch des Lebens selbst darstellte.

Doch möglicherweise war sein Gefühl der Einsamkeit und Isolation, die Quelle vieler seiner Krankheiten und seines Alkoholismus, auch der Schlüssel zu seinem Genie. Die fast übernatürliche Realität der Gemälde seines eigenen Zimmers in Arles, die mit den Konventionen von Perspektive, Form und Gestalt spielen, um eine „Vereinfachung [eines] größeren Stils der Dinge“ zu schaffen, entführt den Betrachter in eine Welt, die sofort erkennbar und ist noch „durch den Spiegel“. Vincent schrieb an Theo: „Die Schattierung und die Schlagschatten sind unterdrückt, es ist in freien flachen Waschungen gemalt wie die japanischen Drucke …“, ein Hinweis auf ihr gemeinsames Interesse an der Kunst Japans, das auch seine eigene Kreativität beeinflusste. Tatsächlich hat van Gogh mehrere Gemälde im japanischen Stil ausgeführt und Inspiration für seine Werke wie „Mandelblüte“ in der japanischen Tradition gefunden.

Vincent van Gogh, ein jüngerer Zeitgenosse von Cézanne und Seurat, profitierte von ihren Experimenten in Farbe, Perspektive und Form. Ziel war es nicht, die Realität darzustellen, sondern das Potenzial auszuloten, das mit dem Impressionismus begonnen hatte und sich dann durch Seurats Pointillismus entwickelte. Die Arbeit jedes dieser Künstler präfigurierte die moderne Kunst, und Vincent van Goghs Beitrag bestand darin, Emotionen über Realismus zu erheben. Wie der Maler fühlte und auf das reagierte, was er sah; Das war grundlegend für die neue Kunst, nicht die technische Fähigkeit, ein genaues Bild des Motivs zu erstellen, sei es Landschaft, Porträt oder Stillleben.

Manchmal malte van Gogh wie im Rausch, produzierte jeden Tag ein Gemälde und trieb sich selbst an den Rand des Wahnsinns. Die schiere Menge von van Goghs Werken bedeutet, dass es in seinen weniger bekannten Kunstwerken immer neue Wege zu erkunden gibt. Seine jugendlichen satirischen Arbeiten wie „Schädel eines Skeletts mit brennender Zigarette“ scheinen sowohl die Surrealisten als auch die Postmodernisten vorwegzunehmen. Es hat alle Qualitäten, die es zu einem makabren Favoriten als Plakat in Studentenwohnheimen machen könnten, als Kontrapunkt zu den Sonnenblumen und Zypressen seiner späteren Arbeiten, die sich ebenfalls als so beliebt erwiesen.

Ob er in seinem früheren Leben mit seinen Eltern im respektablen Etten in den Niederlanden lebte oder wie in seinem späteren Leben in den Grenzen eines Arles-Krankenhauses oder der Anstalt Saint-Rémy-de-Provence festgehalten wurde, van Goghs visuelle Kraft ließ ihn nie im Stich. Er malte buchstäblich durch seine Verzweiflung und beschrieb seine „Stimmungen unbeschreiblicher Angst, manchmal Momente, in denen der Schleier der Zeit und die Verhängnis der Umstände für einen Moment zu zerreißen schienen“.

Nach seiner berüchtigten Konfrontation mit Gauguin, den er laut Gauguin mit einem Rasiermesser bedrohte, beging van Gogh den Akt der Selbstverletzung, für den er berühmt ist; Er entfernte sein Ohr mit dem Rasiermesser und schickte es einer Frau in einem Bordell. Auch dies wurde in Kunst umgesetzt, durch seine beiden Selbstporträts von 1889 mit den Titeln „Self-portrait with Bandaged Ear and Pipe“ und „Self-portrait with Bandaged Ear“, die sich heute im Courtauld Institute, London, befinden.

Alles, was er sah, wurde in seinem eigenen visionären Stil nachgebildet. Sein ganzes Leben lang malte van Gogh seine Ärzte, seine Familie, die Menschen, denen er begegnete, die natürliche Welt und die menschliche Vorlage der Landwirtschaft und des Weinbaus, die ihr auferlegt wurden. Er malte Tiere, Blumen, Bäume, Kirchen und die Gärten und Krankenstationen der Krankenhäuser, in denen er Insasse war. Er malte seine Zimmer und die heißen und staubigen Straßen, die mit ihren ominösen Krähen an Häusern mit Fensterläden und Weizenfeldern vorbeiführten.

Und vor allem malte er einen lebendigen Kosmos. Sonne und Mond sind Charaktere in van Goghs Gemälden, kraftvoll und persönlich. Ihre Präsenz in seinen Landschaften ist so stark wie die von Tarotkarten und übt ihren Einfluss auf das Land, seine Menschen und Tiere aus. Sein Meisterwerk „Die Sternennacht“ kann in vielerlei Hinsicht als Höhepunkt seiner Qual, seines Talents und seiner kosmischen Vision angesehen werden. Während van Gogh den Einfluss von Delacroix anerkennt, ist das Gemälde wahrscheinlich auch eine Hommage an Jean-François Millet, dessen eigenes Werk „Starry Night“ einen Nachthimmel schafft, der so spektakulär ist wie ein Feuerwerk, mit Sternschnuppen, die darüber huschen Lichtspuren hinter sich lassend.

In van Goghs wirbelndem, wirbelndem Himmel, einem erinnerten Bild des Blicks durch sein Irrenhausfenster vor der Morgendämmerung, wird der Betrachter daran erinnert, dass Sterne Sonnen sind, viele von ihnen viel größer als unsere eigenen. Das Bild wurde als apokalyptisch und katastrophal bezeichnet. Das Gefühl der Ehrfurcht, das das Gemälde erfüllt, ist jedoch auch vertraut und erhebend. Sein Kommentar an Theo legt nahe, dass dies bei van Gogh der Fall war: „Warum, sage ich mir, sollten die Lichtflecken am Firmament für uns weniger zugänglich sein als die schwarzen Flecken auf der Landkarte Frankreichs? So wie wir den Zug nehmen, um nach Tarascon oder Rouen zu fahren, nehmen wir den Tod, um zu einem Stern zu fahren."

Den Tod zu einem Stern zu machen, einem „großen Feuer“, das jenseits dieser Welt brennt, ist ein passendes Epitaph für den Künstler, dessen eigene Leidenschaft so hell brannte, dass sich die Menschen davon abwandten, während er lebte. In dieser Welt, aber nicht in dieser Welt, sehnte sich Vincent van Gogh nie nach dem Ruhm, der seinem Leben und seinem Werk posthum zuteil wurde. Gegen Ende seines Lebens kommentierte er in einem Brief an seinen Bruder Theo, dass Maler "zunehmend in Schach gehalten" würden. Ob dies eine unbewusste Reflexion seines eigenen Gemütszustands war, es ist ein ergreifender Kommentar eines Künstlers, dessen Natur bedeutete, dass er sich oft in einer kalten Welt, die sein kreatives Feuer nicht erkannte, in Schach hielt.