Künstler der Surrealismus

Entdecken Sie die berühmtesten surrealistischen Künstler, darunter Maler und Bildhauer vom frühen bis mittleren 20. Jahrhundert.

Einführung in die Kunst des Surrealismus

Der Surrealismus war eine innovative und bedeutende Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts , die Träume und das Unterbewusstsein in die Kunst einbrachte. Typischerweise würden Surrealismus-Künstler Elemente aus der Realität einfangen, sie aber auf ungewöhnliche Weise kombinieren, so wie wir es in unseren Träumen und Albträumen erleben. Bestimmte Elemente und Ansätze waren in den Karrieren verschiedener Künstler konsistent, und viele der unten aufgeführten Namen waren einander als Teil von Künstlergruppen gut bekannt.

Viel Nachdenken und Planung flossen in die Kunstbewegung des Surrealismus, die ihr eigenes Manifest hatte, das von vielen Künstlern weitgehend unterstützt wurde. Im Laufe der Zeit wurden diese Ideen in viele verschiedene Kunstformen übernommen und nutzten die neuen Möglichkeiten, die sich den Künstlern im 20. Jahrhundert boten. Über die Malerei, Zeichnung und Skulptur hinaus wirkte sich der Surrealismus auch auf Film, Fotografie, Literatur und Theater aus.

Liste berühmter Künstler des Surrealismus

Die folgende Liste ist eine kurze Auswahl der berühmtesten Künstler des Surrealismus, aber in Wahrheit gab es noch viele andere bemerkenswerte Persönlichkeiten, die zu dieser wichtigen Kunstrichtung beigetragen haben. Selbst nach dem Einfluss dieser großen Namen würden andere in späteren Generationen einen ähnlichen Stil fortsetzen und so dazu beitragen, dass sich die Bewegung bis heute weiterentwickelt.

Die meisten der hier aufgeführten Namen spezialisierten sich auf den Surrealismus und beschäftigten sich in ihrem Gesamtwerk selten mit anderen Stilrichtungen, aber einige waren nur kurz damit beschäftigt und wechselten bald weiter. Das frühe bis mittlere 20. Jahrhundert brachte eine Fülle von Möglichkeiten mit sich, darunter Kubismus, Expressionismus, abstrakte Kunst und vieles mehr, in die Künstler wie Picasso zu verschiedenen Zeitpunkten ihrer Karriere nicht widerstehen konnten.

Salvador Dalí

Salvador Dali war der berühmteste Surrealist von allen, und seine Gemälde sind bekannt für die Verwendung schmelzender Uhren, karger Landschaften, die von seiner Kindheit in Spanien inspiriert waren, sowie verzerrter Figuren. Dali war ein überlebensgroßer Charakter, dessen Persönlichkeit ihm dabei half, so etwas wie einen Berühmtheitsstatus aufzubauen. Einige seiner Ikonografien konnten dann in kommerzielle Produkte umgesetzt werden und dieser produktive Künstler scheute sich nie, neue Wege des künstlerischen Ausdrucks auszuprobieren.

Der Künstler experimentierte schon früh in seiner Entwicklung mit verschiedenen Kunststilen, darunter Kubismus und Impressionismus. Während er diese Methoden beherrschte, wollte er etwas avantgardistischer sein und schloss sich daher einem jungen Kollektiv an, das die surrealistische Bewegung bilden sollte. Seine Verwendung der paranoisch-kritischen Methode führte zu ikonischen Werken wie „The Persistence of Memory“, während er sich auch auf Einflüsse vergangener Bewegungen stützte, wie etwa die länglichen Formen in „Elefanten“, die viele an die Arbeit von El Greco erinnern.

Gegenstände wie Eier und Bienen wurden zu regelmäßigen Bestandteilen in Dalis Werk und verliehen seinen aufwändigen und bizarren Bildern Konsistenz. In den meisten Fällen waren auch die Farben leuchtend, inspiriert von dem hellen Licht, das er während seiner Kindheit in Spanien erlebte. Später breitete sich sein Talent auf Schmuck aus, der perfekt mit seinen schmelzenden Uhren aus einer Reihe von Gemälden harmonierte.

Die Beständigkeit der Erinnerung – Berühmtes surrealistisches Gemälde von Salvador Dali

René Magritte

René Magritte war ein belgischer Surrealist, der vor allem durch sein Kunstwerk „Son of Man“ berühmt wurde, das selbst der oberflächlichste Kunstfan sofort erkennen würde. Er versuchte, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen, indem er Alltagsgegenstände in ungewöhnlichen Kombinationen neu arrangierte, obwohl dies ein gemeinsames Thema im gesamten Satz war. Magritte liebte es, mit einem Objekt und seinem visuellen Erscheinungsbild zu spielen und dabei fast Elemente der digitalen Kunst vorherzusagen, die Jahrzehnte später folgten.

Ein Großteil von Magrittes Bildern war äußerst zeitgenössisch und wurde in jüngerer Zeit in mehreren Medien verwendet. Film und Theater haben sein Werk ausgiebig gefeiert und er bleibt einer der berühmtesten surrealistischen Künstler. Viele seiner Werke enthielten auch Text, was dazu beitrug, seine Botschaft tiefer und klarer zu vermitteln, als wenn er sich nur auf sein Symbolsystem verlassen hätte. Die Gemälde von Rene Magritte gehören nach wie vor zu den Höhepunkten der gesamten Bewegung, wobei The Treachery of Images ein weiterer bedeutender Höhepunkt und ein Beispiel für seine Verwendung von Text mit einfachen Bildern ist.

Menschensohn Rene Magritte Surrealistische Malerei

Max Ernst

Max Ernst begeisterte die Welt mit klassischen surrealistischen Kunstwerken wie „ Der Elefant Celebes“ , „Ubu Imperator“ und „Wald und die Taube“ . Ernst ging in der zeitgenössischen Version von Boschs Garten der Lüste über die Neuordnung der Realität und die tatsächliche Erschaffung von Kreaturen aus seiner eigenen Fantasie hinaus . Er stützte sich hauptsächlich auf zweidimensionale Landschaften mit einer Reihe fantastischer Bilder im Vordergrund.

Magritte arbeitete im Dada-Stil, nachdem er sich zuvor dem Impressionismus und dem Fauvismus zugewandt hatte. Er war auch für seine Collagen bekannt und wurde vielleicht der berühmteste Künstler, der diese Methode so häufig verwendete. Tatsächlich führte sein Ruhm für die Collagenkunst dazu, dass mehrere auf seiner Arbeit basierende Begriffe wie Frottage und Grattage geprägt wurden. Ernst war geprägt von seinen Erfahrungen im Ersten Weltkrieg sowie einem wachsenden Interesse an der Psychoanalyse und den Theorien von Sigmund Freud.

Freud hatte großen Einfluss auf viele Mitglieder der surrealistischen Bewegung, und dies war ein wichtiger Moment in der Entwicklung der westlichen Kunst, in der der Geist viel tiefer als je zuvor untersucht wurde. Früher ging es eher um bewusste Emotionen und deren Widerspiegelung in der Kunst, wie in der Romantik bei Künstlern wie Delacroix und Turner , Expressionisten wie Munch und postimpressionistischen Künstlern wie Van Gogh zu sehen ist .

Ubu Imperator vom berühmten surrealistischen Künstler Max Ernst

Frida Kahlo

Frida Kahlo nutzte ihre Kunst, um den inneren Aufruhr in ihrem Kopf auszudrücken, der aus einer Reihe unglücklicher Ereignisse resultierte. Ein Unfall in ihrer Kindheit hatte zu anhaltenden gesundheitlichen Problemen geführt und turbulente Beziehungen verunsicherten die junge mexikanische Künstlerin regelmäßig. Selbstporträts dominierten ihr Oeuvre und ermöglichen es uns, die Auswirkungen dieser Ereignisse visuell zu erkennen. Viele der Gegenstände, die sie rund um ihre Bilder hinzufügte, erinnerten an ihre mexikanischen Wurzeln, darunter ihre Haustiere und köstlichen Früchte.

Kahlo konnte schließlich außerhalb Mexikos reisen und reiste trotz ihrer Abneigung gegen den Kapitalismus in die USA, wo sie zusammen mit ihrem Ehemann Diego Rivera arbeitete und ausstellte . Sie blieb ihr ganzes Leben lang eine engagierte Kommunistin und Sozialistin und entwickelte sich im späteren Leben zu einer Art Aktivistin. Ihre Gemälde haben heute einen ikonischen Status erlangt, was zum Teil auf die Schwierigkeiten zurückzuführen ist, die sie im Laufe ihres Lebens überwunden hat.

Kahlo gilt heute als die berühmteste Malerin der Geschichte, ihr Ruf hat in den letzten Jahren erheblich zugenommen. Ihr Bild wurde in den verschiedensten Formen reproduziert und viele sehen sie als eine wahre feministische Ikone. Kahlo kann als wahre Surrealistin betrachtet werden, aber auch als jemand, der unabhängig von ihren europäischen Kollegen arbeitete und ein reiches und reines Oeuvre hinterließ.

Diego und ich von Frida Kahlo – berühmte surrealistische Malerin

Pablo Picasso

Picasso war in den 1920er und 1930er Jahren eng mit der surrealistischen Bewegung verbunden, obwohl seine Konzentration auf eine Vielzahl verschiedener Stile im Laufe seiner Karriere es unmöglich machte, ihn anders als als künstlerisches Genie zu bezeichnen. Er beschäftigte sich eine Zeit lang mit der Poesie des Surrealismus und ließ sich in seinen Gemälden zweifellos von den großen Surrealisten seiner Zeit beeinflussen. Es gab auch ein Crossover in seinem Werk, bei dem Elemente verschiedener Stilrichtungen verschmolzen.

Sein ikonisches Guernica beispielsweise trägt die Handschrift sowohl des Kubismus als auch des Surrealismus. In dieser Szene schildert er die Schrecken des Krieges und zeigt alle möglichen Gegenstände in einem kleinen Dorf, kurz nachdem es völlig zerstört wurde. Das Gemälde hat ein zweidimensionales Format und unterscheidet sich stark von anderen surrealistischen Landschaften, weist jedoch erhebliche eigene Qualitäten auf. Picasso war ein Künstler, der sich für kurze Zeit in eine Bewegung stürzte, dann aber schnell weiterzog, obwohl er möglicherweise einige seiner Entdeckungen mit auf die nächste Stufe seiner Karriere nahm.

Guernica von Pablo Picasso

Joan Miro

Joan Miro experimentierte im Laufe seiner Karriere mit verschiedenen Stilen, obwohl man sagen kann, dass er sich in einem Großteil seines Oeuvres auf den Surrealismus konzentriert. Dieser spanische Künstler schuf eine Reihe von Symbolen, die er in seinen Werken verwendete, und übersetzte sie schließlich auch in surrealistische Skulpturen. Er nutzte leuchtende Farben, die vom Leben in Spanien inspiriert waren, genau wie Dali, und seine verträumten Bilder gingen auch mit dem Aufkommen der abstrakten Kunst überein. Sein schlichter Stil passte zu allen Medien und er wurde zu einem der berühmtesten und beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts.

Der Himmel enthielt viele seiner Lieblingsinspirationen, wobei Vögel und Sternbilder immer wieder verwendet wurden, oft kombiniert mit einfachen Linien und Pfeilen. Anstatt sich Träume zunutze zu machen, war dies ein Künstler, der sich auf kindliche Einfachheit reduzierte, was viel mehr Geschick erforderte, als man sich vorstellen kann. Es ist bekannt, dass Picasso diesen Ansatz bewunderte und ihn jahrelang praktiziert hat, um ein ähnliches Aussehen wie sein eigenes Werk zu erreichen, was am deutlichsten in seinen Strichzeichnungen zu erkennen ist.

Das bestellte Feld von Joan Miro

Harlekin-Karneval von Joan Miro

André Breton

André Breton war ein wichtiges Mitglied der Surrealismus-Bewegung, der sich für die Automatisierung in der Kunst einsetzte, in der Hoffnung, ein Element der Zufälligkeit und des Zufalls in die Mainstream-Kunst zu bringen. Beim surrealistischen Zeichnen ging es darum, eine Zeichnung mit der nächsten fortzusetzen, dabei aber den Großteil des vorangegangenen Werkes zu verbergen, was letztendlich zu einer langen Reihe unabhängiger Skizzen führte, die es den Künstlern ermöglichten, ohne nachzudenken zu arbeiten. Breton war eines der tiefgründigeren Mitglieder der Gruppe und schrieb eine Reihe von Veröffentlichungen, die Aufschluss über die Gedanken hinter diesen außergewöhnlichen Werken gaben.

Breton war eine organisierende Figur innerhalb der Gruppe und half nicht nur bei der Zusammenstellung eines Manifests, um eine Richtung für ihre Arbeit festzulegen, sondern auch bei der Organisation von Treffen und Ausstellungen, die dazu beitrugen, dieser avantgardistischen Künstlergruppe Schwung zu verleihen. Breton entwickelte sich im Laufe seines Lebens zu einem lautstarken linken Aktivisten und verbrachte neben seiner Kunstkarriere Zeit damit, diese Agenda voranzutreiben.

Leonora Carrington

Leonora Carrington war eine in Großbritannien geborene mexikanische surrealistische Künstlerin. Sie trat erst spät in die Bewegung ein, ist einigen aber vor allem für ihre romantische Beziehung zu ihrem Künstlerkollegen Max Ernst bekannt. Ihre Hauptwerke erschienen ab den späten 1930er Jahren und waren regelmäßig mit außergewöhnlichen Details gefüllt, wobei jedes Stück sorgfältig ausgearbeitet und durchdacht war. Diese kreative Frau, die auch als Schriftstellerin arbeitete, und der Surrealismus waren schon immer eine Gruppe, die ihre Mitglieder dazu ermutigte, über die reine bildende Kunst hinauszuschauen.

Man Ray

Man Ray war ein bedeutender amerikanischer moderner Künstler, der mit Dali und Breton zusammenarbeitete. Ray war ein weiterer Künstler mit gemischten Disziplinen, der sich auf Fotografie spezialisierte, sich aber im Laufe seiner Karriere auch mit Malerei, Bildhauerei, Filmemachen und Assemblage beschäftigte. Möglicherweise hat er andere Mitglieder der Gruppe mit seinen technischen Fähigkeiten in der Fotografie beeinflusst und von ihnen im Gegenzug auch etwas über Malerei und Bildhauerei gelernt. Er half auch dabei, die Gruppe mit den USA zu verbinden, einer Nation, die Ende des 20. Jahrhunderts schließlich die westliche Kunst anführen sollte.

Yves Tanguy

Yves Tanguy war berühmt für seine surrealistischen Landschaften, die Ähnlichkeiten mit den Werken von Magritte, Dali und Ernst aufwiesen, auf die jedoch einige seiner eigenen Ideen eingingen. Seine kunstvollen Objekte, die um seine kargen Landschaften herum platziert wurden, ähnelten dem Leben im Weltraum oder unseren eigenen Träumen oder Fantasien, wobei viele Kreationen nur schwer mit der realen Welt in Verbindung gebracht werden konnten. Er war mit anderen Mitgliedern der Gruppe vertraut und gilt nach wie vor als einer der wichtigsten Mitwirkenden der Bewegung.

Die frühen Einflüsse: Freud, Dada und die Geburt des Surrealismus

Eine Reihe unterschiedlicher Einflüsse führten zu Beginn des 20. Jahrhunderts zur Entstehung der surrealistischen Bewegung. Es gab ein wachsendes Interesse am Unterbewusstsein, wobei Sigmund Freuds Theorien für eine Reihe von Künstlern von besonderem Interesse waren. Auch die Dada-Bewegung versuchte, traditionelle Kunstmethoden abzulehnen und ein völlig neues Umfeld für die Entfaltung von Künstlern zu schaffen, und sie war bei weitem nicht die Einzigen, die dies taten.

Sigmund Freud war der Begründer der Psychoanalyse und tauchte tief in den Geist ein, um mehr darüber zu erfahren, wie verborgene Ängste und Wünsche unser Verhalten beeinflussen könnten, und er analysierte auch häufige Träume im Detail. Seine Entdeckungen und Überlegungen sollten neue Ideen in der Kunstwelt ankündigen, da Künstler versuchten, seine Theorien in der visuellen Welt zu erweitern, wobei sich ihnen allerlei aufregende Möglichkeiten boten, sobald sich Künstler von der Realität entfernten.

Eine Methode, um eine Verbindung zum Unterbewusstsein herzustellen, war die automatisierte Kunst, bei der Kunstwerke ohne bewusstes Nachdenken geschaffen wurden und so auf andere Teile des Gehirns zugegriffen wurde, so die Theorie. Dies konnte dadurch erreicht werden, dass man Papiere herumreichte und mit dem fortfuhr, was zuvor geschehen war, wobei das meiste davon jedoch vertuscht wurde.

Viele Künstler des frühen 20. Jahrhunderts glaubten, dass die Techniken zwar in den vorangegangenen Jahrhunderten erheblich verbessert worden seien, der Fokus jedoch zu sehr auf die Darstellung der Realität gelegt worden sei und ein großer Bereich der Vorstellungskraft und Kreativität völlig ungenutzt geblieben sei. Sie machten sich daran, die Gruppe der Surrealisten zu gründen und ihre Ideen zu fördern, um Künstlern auf der ganzen Welt, darunter auch sich selbst, neue Möglichkeiten zu eröffnen.

Surrealistische Techniken: Die Kraft des Unbewussten freisetzen

Innerhalb der surrealistischen Bewegung tauchten eine Reihe künstlerischer Techniken auf, um auf die Kraft des Unbewussten zuzugreifen und diese freizusetzen. Zu den bekanntesten gehörte das automatisierte Zeichnen, bei dem Papier herumgereicht wurde und die Künstler abwechselnd ihre eigene Iteration (Exquisite Corpse) erstellten, ohne zu wissen, was vorher war oder was folgen würde, bis der gesamte Prozess abgeschlossen war.

Es gab auch verschiedene Arten von Collagen, von denen einige von Max Ernst erfunden wurden, der diesen Ansatz favorisierte. Es gab auch Frottage und Grattage, bei denen natürliche Elemente verwendet und nasse Farbe abgekratzt wurden, um verschiedenste Effekte zu erzielen. Die Abziehbilder brachten ein Element des Zufalls in die Malerei ein, was ein weiterer Aspekt des Surrealismus war, in dem kein Kunstwerk dem anderen gleicht.

Auch in der Fotografie gab es besondere Fortschritte, darunter Doppelbelichtungen und Fotomontagen, da diese Kunstform zunehmend experimentierfreudiger und innovativer wurde. Zuvor hatten sich Fotografen hauptsächlich auf technologische Fortschritte und nicht auf ihre eigene Kreativität verlassen, doch im Laufe des 20. Jahrhunderts strömten viele neue Ideen in die Disziplin.

Surrealistische Malerei: Von Traumlandschaften zu bizarren Realitäten

Die surrealistische Malerei hat oft bizarre Landschaften eingefangen, mit Bildern, die teils von ihren eigenen Erfahrungen, teils von ihrer Fantasie inspiriert waren. Viele der in diesen Landschaften vorkommenden Kreaturen wären fantastisch, ähnlich den Kreaturen von Hieronymus Bosch. Jeder Künstler hatte dabei seinen eigenen Stil, und Dali verwendete im Gegensatz dazu oft Elemente aus der Realität wieder.

Bei Dalis Ansatz ging es eher darum, die Realität mit Bienen und schmelzenden Uhren neu zu arrangieren, während andere völlig neue Umgebungen schaffen würden, die uns an eine raumähnliche, karge Welt erinnern. Es gab auch gemeinschaftliche Arbeit, am häufigsten im surrealistischen Zeichnen, bei der einfache Skizzen herumgereicht und in einer einzigen Sitzung ein gemeinsames Kunstwerk erstellt werden konnte. Es waren lustige und ungezwungene Momente, die jedem einzelnen Stück Elemente des Zufalls verliehen.

Die Rolle des Automatismus: Surrealistisches Schreiben und Poesie

Automatism would be extended into writing and poetry, bringing a new body of work to these disciplines. There was a desire to learn more about the untapped parts of the brain, and new techniques would be needed in order to access it. It was felt that existing techniques had gone as far as they could go, and new ideas were necessary in order to keep literature, poetry and the visual arts as fresh as possible. Surrealist writers, such as André Breton, Salvador Dalí, and René Char, would try out deep meditation as a means to entering this new world.

Der folgende Prozess ermöglichte das Auftauchen unstrukturierter Überlegungen, mit völliger Flexibilität darüber, was ein Künstler während des kreativen Prozesses schreiben könnte, ähnlich einer Brainstorming-Sitzung. Schriftsteller würden auch zusammenarbeiten und der Poesie erlauben, von einem Geist zum nächsten zu springen, ohne dabei die Kontrolle über diese Gedanken zu verlieren. Viele der surrealistischen Dichter waren auch Zeichner oder Maler, und so kam es zwangsläufig zu visuellen Experimenten mit ihren Schriften, da sie alle möglichen Schriftarten ausprobierten und Texte auf sehr informelle, unstrukturierte Weise darstellten.

Surrealistische Skulptur: Objekte aus dem Unbewussten

Die bedeutendste Veränderung, die die surrealistische Bildhauerei mit sich brachte, bestand in der Verwendung verschiedenster Objekte in den Kunstwerken. Zuvor waren Marmor und Bronze die vorherrschenden Materialien, aber die surrealistische Bildhauerei öffnete die Tür zu Naturobjekten, die überall auf dem Land gefunden wurden, sowie zu anderen alltäglichen, von Menschenhand geschaffenen Gegenständen. Ähnliches würden wir in der Malerei mit gemischten Medien sehen, etwa im Kubismus, wo möglicherweise Steine, Zeitungen, Sand und Baumrinde auftauchen könnten.

Die Bildhauer versuchten, ähnliche Themen wie die surrealistischen Maler zu schaffen, nutzten dabei jedoch natürliche Gegenstände. In gewisser Weise passten diese zufälligen Entscheidungen zum traumhaften Inhalt des gesamten Satzes, wobei einige Elemente, mit denen wir vertraut waren, neu arrangierten, jedoch in Formaten, die uns völlig fremd waren. Dali würde die meisten Wege in Angriff nehmen, die den Surrealisten offenstanden, darunter Literatur, Bildhauerei, Zeichnung und Malerei. Marcel Duchamp war ein berühmter surrealistischer Bildhauer, der sein Publikum mit bizarren, aber brillanten Entscheidungen schockierte und begeisterte.

Surrealistische Fotografie: Die Wunder des Unterbewusstseins einfangen

Die Fotografie eignete sich perfekt für die Anwendung des Zufalls in der Kunst, und dieses Element des Zufalls war in der surrealistischen Bewegung weit verbreitet. Die Einbeziehung der Fotografie als Hauptelement in ihr Werk positionierte die Surrealisten im Vergleich zu den früheren Kunstrichtungen der Vergangenheit sofort als einzigartig in der europäischen Kunstgeschichte und trug dazu bei, die Fotografie als eine bewundernswerte und ernst zu nehmende Disziplin zu etablieren.

Surrealistischer Film: Träume und Wünsche auf der Leinwand erforschen

Ähnlich wie in der Literatur und Poesie versuchten surrealistische Filmemacher wie Luis Buñuel, Salvador Dalí und Jean Cocteau, die Disziplin neu zu erfinden, indem sie sich von konventionellen Mustern lösten. Ähnlich wie die Skulptur den Malern Möglichkeiten eröffnet, eröffnet der animierte Charakter des Films Künstlern viele neue Ausdrucksmöglichkeiten. Surrealistische Filme könnten verwirrend sein und wären höchst theatralisch und skurril. Viele wären verwirrt und scheinbar unvorbereitet auf die Gedankenerkundungen, die diese Filme darstellten.

Filmemacher schnitten auf ungewöhnliche Weise und übernahmen auch viele der in der Malerei und Bildhauerei vorgenommenen Veränderungen in diese Kunstform. Karge Landschaften mit bizarren Kreaturen wurden direkt aus großen, stimmungsvollen Ölgemälden in eine Filmreihe übertragen. Viele der Collage-Effekte könnten auch in dieser Disziplin eingesetzt werden. Symbolik wurde oft verwendet, um einige der verschiedenen Emotionen darzustellen, die Filmemacher zu reproduzieren versuchten.

Surrealismus in der Literatur: Magischer Realismus und darüber hinaus

Der magische Realismus ist mit der lateinamerikanischen Literatur verbunden und dürfte vom Surrealismus beeinflusst gewesen sein. Sie kombinierten Elemente der Fantasie mit der Realität und zu ihren Mitwirkenden gehörten Gabriel Garcia Marquez, Isabel Allende und Jorge Luis Borges, die dazu beitrugen, die Wirkung des Surrealismus weit über die Grenzen Europas hinaus zu verbreiten. Die Literatur trat auch in den politischen Aktivismus ein, der auch im Surrealismus zu finden war, wobei viele seiner Mitglieder politisch links standen.