Künstler der Skulptur

Schauen wir uns die berühmtesten Bildhauer an, die bis in die frühe Renaissance zurückreichen.

Einführung – Entdecken Sie die Rolle von Bildhauerkünstlern in der Kunstgeschichte

Die Skulptur spielte in der Kunstgeschichte vieler verschiedener Zivilisationen eine bedeutende Rolle und war besonders wichtig in der italienischen Renaissance. In der Neuzeit wurde dieses Format mit allerlei Innovationen wiederbelebt, von denen einige die Vorteile moderner Technologie nutzten.

Viele der uns bekannten Skulpturen wurden von der klassischen Kunst griechischer und römischer Zivilisationen beeinflusst, aber es gab auch viel zu bewundern von außerhalb der europäischen Grenzen, einschließlich Asien und Afrika. Diese haben auch europäische Künstler beeinflusst, die in diesem Artikel vorgestellten Werke wurden jedoch aus europäischer Sicht ausgewählt.

Liste der Bildhauer

Wir haben eine Zusammenfassung der unserer Meinung nach berühmtesten seit der Frührenaissance beigefügt. In den früheren Stadien gab es eine Fülle italienischer Künstler, aber in neuerer Zeit haben wir eine ganze Reihe berühmter Bildhauer aus den USA, Großbritannien und anderswo gesehen.

Die folgende Liste umfasst die berühmtesten Bildhauer der Geschichte, beginnend mit einer Auswahl von Künstlern der Renaissance . Einige bemerkenswerte Strömungen, wie etwa der Impressionismus , sind hier nicht zu finden, da sie sich auf andere Medien konzentrieren, aber es wird immer noch eine große Vielfalt an Strömungen und Stilen über einen Zeitraum von vielen Jahrhunderten abgedeckt.

Michelangelo

Michelangelo gilt für viele als der berühmteste Bildhauer aller Zeiten. Sein David blieb besonders unvergesslich und er war ein Künstler, der mit seiner Arbeit eine außergewöhnliche Präzision erreichte, die dazu beitrug, die Messlatte der Renaissance-Skulptur höher zu legen. Gegen Ende seiner Karriere entwickelte sich in seinem Werk ein ausdrucksstarker Stil, der dazu beitrug, die nächsten Bildhauer der nächsten Jahrhunderte zu beeinflussen.

Der Künstler war ein überaus talentierter Mensch, der vor Beginn seiner Skulpturen wunderschöne Zeichnungen anfertigte. Er hatte ein großes Auge fürs Detail und verbrachte viele Stunden damit, die kleinsten Details der menschlichen Anatomie zu beobachten, um deren komplexe Systeme besser zu verstehen.

Pieta von Michelangelo (Skulpturkünstler)

Donatello

Donatello kam relativ früh und trug dazu bei, andere italienische Bildhauer der Renaissance zu beeinflussen. Er war Teil des italienischen Ateliersystems, in dem Techniken von einer Generation zur nächsten weitergegeben wurden und sein eigenes Werk von figurativen Skulpturen, darunter zwei des David , in verschiedenen Medien dominiert wird.

Donatello war berühmt für seine Fähigkeit, seine Motive nicht nur unglaublich genau darzustellen, sondern in manchen Fällen auch Emotionen in ihnen hervorzurufen. Er trug dazu bei, die europäische Bildhauerei wiederzubeleben und die Entstehung wichtiger Künstler in der gesamten Renaissance-Ära herbeizuführen.

David von Donatello Skulptur

Andrea del Verrocchio

Andrea del Verrocchio war ein weiterer vielseitig begabter Renaissance-Künstler, der schließlich aufgrund des Erfolgs eines seiner Schüler, Leonardo, von der Malerei überzeugt wurde. Verrocchio betrieb ein äußerst erfolgreiches Atelier und spezialisierte sich schließlich auf Bildhauerei. Er würde seinen eigenen beeindruckenden David sowie eine bemerkenswerte Statue von Bartolomeo Colleoni hervorbringen.

Sein Ansehen war zu seinen Lebzeiten stark, und er konnte sich über einige der größten Aufträge freuen, obwohl die Kunstwelt in Italien zu dieser Zeit hart umkämpft war. Sein Vermächtnis bleibt eng mit den anderen berühmten Bildhauern verbunden, die er in seinem Atelier unterrichtete.

Dame mit Blumenstrauß, berühmter Bildhauerkünstler - Andrea del Verrocchio

Luca della Robbia

Luca della Robbia war ein entzückender Bildhauer aus Italien aus dem 15. Jahrhundert, der sich auf Terrakottastatuen spezialisierte und auch dafür bekannt war, ein beeindruckendes Atelier aufzubauen, in dem eine große Anzahl erfahrener Assistenten Anstellung fand. Der Großteil seiner Werke wurde in Florenz fertiggestellt, einer Stadt, die zum Zentrum der italienischen Renaissance wurde.

Als Teil seines Ateliers lernten auch einige Familienmitglieder von seinen Innovationen und führten den Familiennamen über mehrere Generationen weiter. Sie konnten auch von den zahlreichen Verbindungen profitieren, die er im Laufe seiner Karriere aufgebaut hatte und die seinen Familienmitgliedern zahlreiche Möglichkeiten eröffneten.

Luca della Robbia Renaissance-Skulptur

Lorenzo Ghiberti

Ghiberti wurde im Florenz des 14. Jahrhunderts geboren und machte sich sofort daran, mit einer Reihe atemberaubender Skulpturen einen Beitrag zur Renaissance zu leisten. Sein Werk zeigte das Leben Christi vor seinen Paradiestoren, und diese gehören nach wie vor zu den berühmtesten Beispielen der Renaissance-Skulptur.

Der Künstler verfügte über solch unglaubliche technische Fähigkeiten, dass er viele der bedeutendsten Aufträge erhalten konnte, die zu dieser Zeit in Florenz angeboten wurden. Seine Erfolgsbilanz gab seinen Kunden Vertrauen in seine Arbeit, auch wenn sich einige seiner Projekte überzogen. Qualität stand für ihn immer im Vordergrund, und damals akzeptierten die Kunden Verzögerungen, damit die Qualität der endgültigen Arbeit nicht gefährdet wurde.

Tore des Paradieses Lorenzo Ghiberti Skulpturen, Leben Christi

Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini war als Maler und Bildhauer erfolgreich. In vielen seiner Skulpturen ließ er sich von klassischen Zivilisationen inspirieren und war eine wichtige Figur der Barockbewegung. Sein Talent als Bildhauer war so beeindruckend, dass er sich unweigerlich auch für die Architektur interessierte, was ihm im Laufe des 17. Jahrhunderts die Übernahme zahlreicher Großaufträge ermöglichte.

Die Ekstase des Heiligen Teresa ist vielleicht sein bekanntester Beitrag, ebenso wie Baldacchino im Petersdom. Sein Ruf verbreitete sich über Italien hinaus und viele hielten ihn für den besten europäischen Bildhauer des Barock.

St Peter's Baldachin Gian Lorenzo Bernini

Giambologna

Giambologna war ein manieristischer Bildhauer aus Flandern, einer Region, die heute zu Frankreich gehört. Sein italienisch klingender Name ist vielleicht darauf zurückzuführen, dass er in seiner Karriere hauptsächlich in Italien spielte, wo er einen Großteil seines Lebens studierte und arbeitete. Sein „Neptun in Bologna“ ist vielleicht das beeindruckendste Werk seines Oeuvres, und er war auch ein äußerst begabter Zeichner.

Obwohl er vielleicht nicht als der berühmteste Renaissance-Bildhauer gilt, ist seine Rolle in der manieristischen Ära bedeutend und trug dazu bei, den Übergang zwischen der Renaissance und dem Barock herbeizuführen, während er auch über einen Hintergrund verfügte, der ein Verständnis für italienische und flämische Kunst beinhaltete.

Giambologna-Skulptur

Antonio Canova

Antonio Canova war ein italienischer Bildhauer aus dem 18. Jahrhundert , der im neoklassizistischen Stil arbeitete. Seine berühmteste Schöpfung dürfte „Psyche Revived by Cupid's Kiss“ aus dem Jahr 1787 sein , und sein Werk war einzigartig, da es eine Vielzahl vergangener Einflüsse in Einklang brachte.

Die italienische Kunst erreichte ihren Höhepunkt in der Renaissance, aber mit der Ankunft von Künstlern wie Canova und Bernini einige Jahre später ist klar, dass es im Land auch nach dem Tod von Meistern wie Raffael , Leonardo und Michelangelo noch viele kreative Erfindungen gab.

Venus und Adonis Antonio Canova (berühmter Bildhauer)

Bertel Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen war ein dänischer und isländischer Bildhauer des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts . Er kann als der berühmteste skandinavische Bildhauer der Geschichte angesehen werden. Er arbeitete im neoklassizistischen Stil und arbeitete überwiegend mit Marmor. In seinem Namen wurde ein Museum eingerichtet.

In seiner Heimat Dänemark galt er als Held und sein Ruf wird auch heute noch in ganz Europa gefeiert. Abgesehen von den Leistungen französischer und italienischer Bildhauer kann er als einer der bedeutendsten Mitwirkenden angesehen werden und hat dazu beigetragen, die Aufmerksamkeit auf die nordeuropäische Skulptur zu lenken.

Marmorskulptur von Bertel Thorvaldsen

Jean-Baptiste Carpeaux

Jean-Baptiste Carpeaux war ein talentierter französischer Bildhauer des 19. Jahrhunderts, der vor allem für die außergewöhnlichen Details bekannt ist, die er in viele seiner kunstvollen Skulpturen einbrachte. Er diente unter Napoleon III., den er bewunderte und für den er zahlreiche Aufträge ausführte. Viele seiner Dekorationsstücke standen neben Springbrunnen und anderen Elementen im Freien.

Aus diesem Grund können viele seiner Skulpturen heute von der Öffentlichkeit besichtigt werden, ohne ein Museum oder eine Galerie zu betreten. Seine Verbindung zum regierenden Kaiser verleiht seinem Werdegang neben seinem Gesamtwerk noch eine weitere historische Bedeutung.

Ugolino und seine Söhne von Jean-Baptiste Carpeaux

Constantin Brâncuși

Ein weiterer großer Meister der Bildhauerei des 20. Jahrhunderts war der rumänische Künstler Constantin Brâncuși. Zu seinen klassischen Werken gehörten „Sleeping Muse“ und „The Kiss“ , wobei sein Stil und sein Medium abwechslungsreich waren. Er war ein weiteres Mitglied der Moderne und hinterließ ein bedeutendes Erbe, wobei sein Stil auch viele Jahre später noch immer etwas zeitgemäß wirkte.

Brâncuși studierte in seiner Heimat Rumänien, bevor er nach Deutschland und dann nach Frankreich zog. Dort begann seine Karriere zu sprudeln, und das Land genoss bereits einen guten Ruf in der Bildhauerei.

Der Kuss von Constantin Brancusi

Auguste Rodin

Auguste Rodin war einer der bedeutendsten Bildhauer auf dieser Liste und trug zur Entstehung der modernen Bildhauerei bei. Als wahrer Meister der Anatomie waren seine Haltungen und Posen das Ergebnis jahrelanger Praxis in verschiedenen Medien und wurden wunderschön umgesetzt. Rodin war auch ein begabter Zeichner und Aquarellmaler.

Der Denker , Das Höllentor und Die Bürger von Calais gehören zu den größten Werken des Künstlers und können alle zu den berühmtesten französischen Skulpturen der Geschichte gezählt werden. Sein Vermächtnis ist bis heute stark und beeinflusst weiterhin alle Arten moderner Künstler.

Der Denker von Auguste Rodin

Pablo Picasso

Picasso liebte es, neue Medien auszuprobieren und erzielte Erfolge in den unterschiedlichsten Erscheinungsformen, darunter in der Malerei, Skulptur und Keramik. Er nahm viele Einflüsse auf, wobei die afrikanische Kunst besonders auffällig war und er die traditionelle afrikanische Skulptur bewunderte. Er wurde auch ein angesehener Linienkünstler , der Porträts mit nur einer einzigen, gut ausgearbeiteten Linie fertigstellte.

Picasso war ein wirklich zeitgenössischer Künstler, der in einigen Fällen abstrakt arbeitete, obwohl er in traditionelleren künstlerischen Techniken ausgebildet war. Auch in vielen seiner Arbeiten waren leuchtende Farben vorherrschend, und er malte sogar einige seiner Skulpturen und Keramiken.

Henry Moore

Henry Moore war ein bedeutender englischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts, der vor allem für seine abstrakten figurativen Bronzeskulpturen bekannt war. Viele von ihnen sind im gesamten Vereinigten Königreich im Freien zu finden, beispielsweise in Parks oder anderen öffentlichen Räumen. Er ist in Großbritannien sehr beliebt und sein Stil gilt als äußerst zeitgenössisch.

Der Ansatz des Künstlers wird allgemein als Modernismus bezeichnet und er erhielt als junger Mann eine gründliche Ausbildung in verschiedenen Medien durch eine Reihe angesehener Kunstinstitutionen. Er trug dazu bei, das Profil der britischen Skulptur im 20. Jahrhundert zu schärfen, die zu einer beeindruckenden, wenn auch vielfältigen Künstlersammlung werden sollte.

Alexander Calder

Alexander Calder war ein amerikanischer Bildhauer des 20. Jahrhunderts , dessen große Skulpturen meist im Freien ausgestellt werden. Eine der einzigartigen Eigenschaften seiner Kreationen ist ihre Fähigkeit, sich im Wind zu bewegen, während die Hauptstruktur an Ort und Stelle bleibt.

Calders Kreationen stellen diejenigen, die sie sehen, oft in den Schatten, und er wollte, dass sein Publikum seine Kreationen einfach genießt, ohne sich zu viele Gedanken über ihre Bedeutung zu machen. Seine größeren Werke folgten kleineren Skulpturen zu Beginn seiner Karriere und folgten in vielerlei Hinsicht einem ähnlichen Ansatz.

Jeff Koons

Jeff Koons ist ein innovativer Bildhauer aus den USA, der vor allem für seinen Balloon Dog bekannt ist. Seine Arbeit war zeitgenössisch und kreativ und die meisten seiner Skulpturen waren klein genug, um in Innenräumen aufgestellt zu werden. Sein Ruf ist hoch und viele seiner Kunstwerke sind in großen nationalen Galerien und Museen in den USA und anderswo zu finden.

Sein Stil kommt dem modernen Publikum entgegen, und jüngere Bildhauer-Enthusiasten würden sich leichter mit seiner Arbeit identifizieren können als mit traditionelleren Künstlern wie den weiter oben in diesem Artikel aufgeführten Mitgliedern der italienischen Renaissance.

Erkundung der verschiedenen Stile von Bildhauerkünstlern: von klassisch bis zeitgenössisch

Skulptur als Kunstform existiert seit vielen Jahrhunderten. Ihre Geschichte kann, zumindest aus der Perspektive der europäischen Skulptur, in mehrere Hauptkategorien oder Perioden eingeteilt werden, nämlich: klassische, Renaissance-, Barock-, neoklassizistische und moderne, zeitgenössische Skulptur.

Diese Gruppen würden alles, was folgte, beeinflussen und gleichzeitig ihre eigenen Innovationen hinzufügen, die durch das spezifische Umfeld des Tages hervorgerufen wurden. Diese Kategorien konzentrieren sich nur auf europäische Reiche der Vergangenheit, und natürlich hat sich die Skulptur auch in anderen Teilen der Welt entwickelt. Die vielleicht aufregendsten Alternativen wurden in Asien und Afrika gefunden, wo das Interesse an ihren Errungenschaften weiterhin groß ist.

Der Begriff „klassische Skulptur“ bezieht sich auf alle Formen der Skulptur, die aus klassischen Zivilisationen stammen, insbesondere aus dem griechischen und römischen Reich der Vergangenheit. In dieser Zeit wurden enorme Fortschritte in den Bildhauertechniken gemacht, und namhafte Bildhauer erlangten erstmals Ruhm. Phidias und Praxiteles sind zwei Beispiele dafür, und es wurde außergewöhnliche Arbeit geleistet, obwohl zu dieser Zeit relativ primitive Werkzeuge zur Verfügung standen.

Nachdem die klassische Skulptur eine Zeit lang verloren gegangen war, wurde sie in der italienischen Renaissance dank der Beiträge von Künstlern wie Michelangelo, Donatello und einer Reihe bedeutender italienischer Kunstschulen wiederbelebt. Sie ergänzten das Vorhergehende durch einen teilweise stärkeren Einsatz von Emotionen, aber auch durch eine präzisere Darstellung der menschlichen Anatomie dank Beobachtung und Übung. Alles, was innerhalb der europäischen Bildhauerei folgte, sollte stark von den Errungenschaften dieser großen Meister beeinflusst werden.

Gian Lorenzo Bernini war der Vorreiter der barocken Skulpturenbewegung und förderte ein Drama und eine Emotion, die die Renaissance vorantreiben sollte. Dieser Stil wurde auf öffentlichen Plätzen, in Parks und anderen öffentlichen Bereichen sowie in Innenräumen großer Institutionen eingeführt. Das Publikum schätzte den aufregenden Charakter dieses Stils und er passte gut zu den Barockgemälden derselben Zeit.

Neoklassizistische Künstler des 18. und 19. Jahrhunderts kehrten auf der Suche nach Inspiration in antike Zivilisationen zurück, ähnlich wie in der Renaissance. Sie wollten die Extravaganz neuerer Bewegungen vermeiden und Bildhauer fördern, die die ursprünglichen Ideen der klassischen Geschichte respektierten und in ihrer Arbeit auch Disziplin und Kontrolle an den Tag legten.

Moderne und zeitgenössische Skulpturen förderten neue Ideen und eine Ablehnung der Vergangenheit. Es erschienen avantgardistische Stile, darunter auch kinetische Methoden, und fast jeder Aspekt der Skulptur wurde neu überdacht und erfunden. Neue Technologien brachten auch andere Möglichkeiten mit sich, und diese Entwicklung findet auch heute noch statt. Auch globale Barrieren würden fallen, und Künstler könnten über Grenzen hinweg zusammenarbeiten.

Der kreative Prozess von Bildhauerkünstlern: Vom Konzept bis zur Fertigstellung

Die Fertigstellung einer Skulptur umfasst viele Phasen, abhängig vom Stil des Bildhauers. In der Renaissance fertigten Bildhauer häufig kleine Modelle an, um zu zeigen, wie das endgültige Stück aussehen würde, um möglicherweise den Auftrag zu erhalten. Außerdem werden regelmäßig Skizzen angefertigt, um die endgültige Skulptur besser planen zu können, und dies war im Laufe der Jahrhunderte ein konsequenter Ansatz.

Abhängig von den verwendeten Materialien wird die Skulptur dann durch Prozesse wie Schnitzen, Modellieren, Schweißen und Gießen geformt. In manchen Fällen kann es erforderlich sein, die Elemente einzeln herzustellen, bevor sie zu einem späteren Zeitpunkt zusammengefügt werden, insbesondere bei der Konstruktion sehr großer Skulpturen im Freien. Die Installation kann eine komplexe Aufgabe sein und möglicherweise ist eine Anpassung an den jeweiligen Standort erforderlich.

Auch hier kann es je nach Material zu einer längeren Verfeinerungsphase kommen, in der ein Künstler das Werk untersucht und entsprechende Anpassungen vornimmt. In Fällen, in denen Assistenten eingesetzt wurden, übernehmen normalerweise die weniger erfahrenen Bildhauer die untergeordneten Aufgaben, bevor der führende Name die wichtigsten Teile übernimmt – dies war eine übliche Methode in der Renaissance, als die Meister eine große Anzahl von Projekten zu vollenden hatten und Hilfe brauchten, um diese Anforderungen zu erfüllen.

Bildhauer, die Geschichte geschrieben haben: Untersuchung ihrer Bedeutung in der Kunstwelt

Bildhauer haben in ihren Werken viele unterschiedliche Bedeutungen und Botschaften hervorgebracht und ihren Statuen und Denkmälern unterschiedliche Stile verliehen. Rodin hat beispielsweise dazu beigetragen, ein Gleichgewicht zwischen Altem und Neuem herzustellen und uns zu einer abstrakteren Form der Skulptur zu bewegen, ohne dabei das Vorhergehende zu respektieren. Andere konzentrierten sich mehr auf die Bedeutung, behandelten aktivistische Themen wie Freiheit und Rechte und kümmerten sich weniger um die Art und Weise, wie sie diese Themen darstellten.

Die dreidimensionale Natur der Skulptur hat sich auf bildende Künste wie Malerei und Zeichnung ausgewirkt. Einige Künstler verbesserten ihre zeichnerischen Fähigkeiten, indem sie Skulpturen aus verschiedenen Blickwinkeln skizzierten. Der Kubismus würde versuchen, dreidimensionale Bilder in eine zweidimensionale Form zu bringen, indem er Winkel auf erfinderische Weise verändert. Es gab auch eine ganze Reihe von Künstlern, die alle diese Disziplinen im Laufe ihrer Karriere abdeckten, und jeder profitierte unweigerlich voneinander.

Was das Ausstellen und Präsentieren von Kunst angeht, haben Skulpturen Kuratoren dabei geholfen, Abwechslung an einen Veranstaltungsort zu bringen und endlose hängende Gemälde mit etwas Anderem aufzubrechen. Darüber hinaus wurden sie zur Dekoration großer Gärten oder religiöser Gebäude verwendet und passten gut zu den Architekturtechniken der Zeit. Schließlich kann die Skulptur die Qualitäten und den Entwicklungsstand einer Zivilisation zusammenfassen und dabei helfen, uns an die Qualitäten des antiken Roms und Griechenlands zu erinnern.

Wir feiern die Innovatoren: Bildhauer, die die Grenzen ihres Handwerks überschritten haben

Die Skulptur hat sich über Jahrhunderte weiterentwickelt, es gibt jedoch einige spezifische Namen, die zur Innovation der Kunstform beigetragen haben. Marcel Duchamp war höchst ungewöhnlich, indem er „Readymades“ in sein Werk einbrachte und sie als Skulpturen präsentierte. Dieser Ansatz war umstritten, aber auch einprägsam und trug dazu bei, ihn schnell als Avantgarde-Künstler mit einer neuen Denkweise über diese Kunstform hervorzuheben.

Alexander Calder war einfallsreich bei der Verwendung schwebender Gegenstände, die vom Wind und der Luft um sie herum beeinflusst wurden. Dies machte seine Arbeit außergewöhnlich und eignete sich auch hervorragend für die Ausstellung im Freien. Traditionell wurden Skulpturen in geschlossenen Räumen sorgfältig geschützt und waren oft viel zerbrechlicher.

Einige Künstler begannen, Skulpturen aus vorhandenen Elementen zu schaffen und diese dann zu etwas Neuem zu kombinieren. Traditionell nahmen Bildhauer einheitliche Holz- oder Steinblöcke und formten sie von Hand, während dieser neue Ansatz jede Kreation völlig einzigartig und unmöglich nachahmbar machte, da sie auf der Zufälligkeit der natürlichen Welt beruhte. In einigen Fällen beziehen sich die zusammengestellten Gegenstände auf ein bestimmtes Thema und können Sand, Baumrinde und kleine Muscheln umfassen.

Im 20. Jahrhundert entstanden auch interaktive, riesige Skulpturen, die den Besuchern die Möglichkeit boten, durch diese Schöpfungen zu wandeln. Das würde das Publikum begeistern und vor allem Kinder würden diesen Skulpturenstil zu schätzen wissen. Solche großen Skulpturen waren jedoch nur an einem bestimmten Ort ausgestellt und mussten möglicherweise von Zeit zu Zeit gewartet werden.

Skulpturenkunst in verschiedenen Kulturen: Künstler aus aller Welt entdecken

Neben den unglaublichen Skulpturen, die im antiken Griechenland und Rom gefunden wurden und an anderer Stelle in diesem Artikel erwähnt wurden, lohnt es sich auch, andere Kulturen und den Einfluss, den sie ebenfalls hatten, zu erwähnen. Die afrikanische Skulptur ist berühmt für ihre aus Holz geschnitzten Skulpturen mit länglichen Formen, die an die manieristische Bewegung erinnern könnten. Es ist bekannt, dass sie europäische Bildhauer und Maler wie Pablo Picasso beeinflusst haben.

Die chinesische Skulptur verfügt über eine Fülle beeindruckender Artefakte, darunter riesige buddhistische Figuren sowie dekorative Terrakottatabletts und -teller. Diese Kultur gehört zu den ältesten und hat sowohl in der Kunst als auch in den Bereichen Erfindungen, Wissenschaft und Literatur viel erreicht. Wenn man tiefer in die asiatische Kultur eintaucht, entdeckt man auch indische Tempel und andere Kultstätten.

Die Maya-, Azteken- und Inka-Kulturen im präkolumbianischen Amerika weisen ebenfalls detaillierte und hochqualifizierte Skulpturen auf, die normalerweise als Mittel zur Verehrung der Götter verwendet werden. Sie waren berühmt für ihre Ausdruckskraft und auch für die leuchtenden Farbtöne, die in den meisten Fällen verwendet wurden.

Skulpturenkunst: Emotionen und Bedeutung in dreidimensionalen Formen einfangen

Die dritte Dimension der Skulptur verleiht dieser Kunstform einen deutlichen Vorteil. Durch Berührung kann mit Skulpturen interagiert werden, wenn diese entsprechend vorbereitet werden. Kinder können bestimmte Installationen sogar besteigen oder sie teilweise als Rutsche nutzen. Traditionelle Skulpturen waren nicht für diesen Zweck gedacht, sondern vielmehr darum, aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet zu werden.

Die Formen dieser Designs können auch mit Licht interagieren, so wie man es auch bei einer Sonnenuhr finden würde. Wind kann auch bei der Bewegung bestimmter Elemente eine Rolle spielen. Andere Kunstformen eignen sich nicht für die Ausstellung im Freien, weshalb wir so viele Galerien und Museen haben. Es hat auch etwas wirklich Reales, etwas Physisches zu sehen, das aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden kann und über die Wirkung eines Gemäldes hinausgeht.