Künstler der Schädel

Schädel in Gemälden und Skulpturen wurden im Laufe der Jahrhunderte von vielen berühmten Künstlern für verschiedene Zwecke verwendet. Hier untersuchen wir die berühmtesten Schädelkunstwerke.

Einführung in Schädelgemälde und Skulpturen

Schädel tragen eine bedeutende Symbolik in sich, die sich Künstler seit Jahrhunderten zunutze machen, auch wenn es bei ihrer Verwendung in manchen Fällen eher um ästhetische Darstellung ging. Einige haben sie verwendet, um dunkle Emotionen und Bedeutungen wie Tod, Sterblichkeit und Makabre darzustellen, und ihre Verwendung war auch in den Kulturen unterschiedlich, die den Tod jeweils auf unterschiedliche Weise behandeln, entweder mit einem Geist des Feierns oder des Mitgefühls und der Traurigkeit. Ein Beispiel hierfür wäre der Tag der Toten in der mexikanischen Kultur.

Totenköpfe tauchten in der Stilllebenkunst auf, etwa in den Niederlanden, und waren damals eine beliebte Ergänzung. Sie wurden im 20. Jahrhundert, als die Mischtechnik am weitesten verbreitet war, auch als geschnitzte Elemente in der Bildhauerei oder in verschiedenen Formen verwendet. Die von Natur aus starken Bedeutungen, die Schädel darstellen, haben ihre Verwendung in der Kunst gefördert, und viele verwenden sie in sozialen und politischen Kommentaren, beispielsweise zur Diskussion unserer Beziehung zum Tod selbst.

Die Musikindustrie integriert sie auch regelmäßig in die Kunst, darunter Albumcover, Kleidungsdekorationen und mehr, was am häufigsten im Rock-Genre zu finden ist. Dies ist schon seit Jahrzehnten der Fall, und einige Anhänger dieser Musik könnten einige der unten gezeigten Schädelgemälde als Kunst für ihr eigenes Zuhause hinzufügen oder sich alternativ für Schädelschmuck entscheiden, der ebenfalls weit verbreitet ist. Unabhängig vom Jahrhundert oder Jahrzehnt setzen sich die Menschen weiterhin mit dem Sinn des Lebens auseinander und haben daher auch eine gemischte Beziehung zur Bedeutung und Realität des Todes selbst, wobei Schädel in der Kunst verwendet werden, um dies darzustellen.

Liste berühmter Schädelkünstler

Wir haben einige berühmte Schädelgemälde und Skulpturen bedeutender Künstler aus Jahrhunderten ausgewählt und listen sie unten auf. Sie werden entdecken, wie vielfältig dieser Gegenstand sowohl im positiven als auch im negativen Sinne und mit mehreren Bedeutungen verwendet wurde. Es gibt auch einen Kontrast zwischen unserer Beziehung zum Tod in religiösen und nicht-religiösen Gesellschaften, wo der Glaube in gewisser Weise dazu beitragen kann, die Ängste vor dem Unbekannten zu dämpfen, obwohl dies von Kultur zu Kultur unterschiedlich ist.

Jedem Schädel-Kunstwerk liegt eine Zusammenfassung der Karriere und des Stils des Künstlers sowie eine Beschreibung des Kunstwerks selbst bei. Diese Beiträge reichen bis in die Renaissance des 15. Jahrhunderts und bis ins 20. Jahrhundert zurück, wobei zwischen allen in dieser Liste aufgeführten Beiträgen eine spannende künstlerische Variation besteht. Sie werden auch die Bandbreite der symbolischen Werte bemerken, die Schädel in diesen verschiedenen Interpretationen darstellen.

Vanitas-Stillleben von Herman Henstenburgh

Herman Henstenburgh war ein bedeutender niederländischer Künstler des 18. Jahrhunderts, der sich mit Fantasie und hohem technischem Können der Stilllebenkunst widmete. Sein Fokus auf Blumen brachte leuchtende Farben in seine Gemälde, und in einigen Fällen kombinierte er sie mit Totenköpfen, um der Komposition Symbolik zu verleihen. Vanitas ist ein Begriff, der häufig in der niederländischen Kunst vorkommt, in der Stilllebensymbole verwendet wurden und Totenköpfe eines der immer wieder verwendeten Elemente waren.

Die Brillanz des Gemäldes unten liegt im Detail und in der ausdrucksstarken Kombination der Elemente, die klar kuratiert wurde, aber dennoch flüssig funktioniert. Der Künstler war auch ein erfahrener Kopist und Zeichner von Insekten und verfügte daher über große technische Fähigkeiten, um dieses Maß an Genauigkeit in seiner Arbeit zu erreichen. Als Schädelkünstler ist er nach wie vor für das Gemälde unten berühmt, das vielleicht sein bekanntestes Werk überhaupt ist.

Vanitas-Stillleben von Herman Henstenburgh

Memento Mori von Julie de Glad

Memento Mori ist eines der wirkungsvollsten Totenkopfplakate und wurde von Julie de Graag, einer niederländischen Aquarellistin, Grafikerin und Ölmalerin, produziert. Sie studierte an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Den Haag und wird der Jugendstilbewegung zugeordnet . Ihr Werk hatte einen minimalistischen Stil, viele Jahre vor dem Aufkommen des Abstraktionismus , und markierte einen bahnbrechenden Ansatz, der seiner Zeit weit voraus war. Ihre Gemälde kämpften jahrelang um Bekanntheit, doch heute genießt ihr Werk hohes Ansehen und Memento Mori ist bis heute eines der berühmtesten Totenkopfplakate.

Das Schöne an diesem Kunstwerk liegt darin, wie der Künstler die Details reduziert, um den Schädel in nur zwei Farben nachzubilden – Schwarz und Weiß. Es gibt keine Tonabweichungen, was diesem Stück den Stil einer Illustration des 20. Jahrhunderts verleiht. Es entstand bereits im Jahr 1916, als ein solcher Ansatz noch nahezu unbekannt war, und es ist völlig angemessen, dass die Künstlerin inzwischen bedeutende Erfolge erzielt hat, auch wenn es nach ihrem Tod noch viele Jahre dauerte, bis dies der Fall war.

Memento Mori von Julie de Glad

Widderkopf Blue Morning Glory von Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe ist für die Verwendung von Tierknochen bekannt, die sie in der Landschaft von New Mexico gefunden hatte. Sie schuf einfallsreiche, moderne Stillleben-Kunstwerke, die wie eine Auffrischung der Werke des Goldenen Zeitalters der Niederlande wirkten, jedoch mit der Farbe und dem Licht der atemberaubenden Region der USA. Die Verwendung von Tierknochen anstelle von menschlichen Schädeln verleiht dem Werk eine völlig andere Ausgewogenheit und Bedeutung, vielleicht mit einer positiveren Ausstrahlung.

Wenn man menschliche Schädel betrachtet, denkt man vielleicht über die eigene Sterblichkeit nach, aber beim Widder im Bild unten hat man nicht das gleiche Gefühl. Stattdessen sehen wir es eher auf ästhetische Weise, wobei der Künstler in der Lage ist, Licht um die Konturen des Schädels zu reflektieren und weitere Elemente um ihn herum hinzuzufügen. O'Keeffe verwendete in ihren Arbeiten auch gerne Blumen, denn in diesem Kunstwerk kombiniert sie beides auf ungewöhnliche Weise und repräsentiert das Beste der amerikanischen Moderne.

Widderkopf Blue Morning Glory von Georgia O'Keeffe

Tod und Leben von Gustav Klimt

Dieses kraftvolle Werk des österreichischen Sezessionisten Gustav Klimt unterteilte die Komposition in Leben und Tod , wobei ein Skelett auf der linken Seite Letzteres darstellt. Wir sehen, wie der Schädel aus dem dunklen Hintergrund hervortritt und zwei Skeletthände bedrohlich eine Waffe halten. Sein Outfit reicht bis zum unteren Rand des Gemäldes und zeigt ein Muster aus Kreuzen in Weiß und Schwarz entlang eines blauen Stoffstreifens. Er schaut hinüber zum Abschnitt über das Leben, der einen deutlichen Kontrast mit helleren Tönen und einer positiveren Atmosphäre aufweist.

Der Symbolismus wurde in dieser Zeit zu einem Schlüsselelement der Wiener Kunst, auch wenn Klimt ihn nicht immer in seinen Werken verwendete. In anderen Beispielen stellte er Landschaftsszenen so dar, wie sie waren, und ließ die Schönheit des Ortes für sich selbst sprechen. Er war ein wahrer Meister der figurativen Kunst, wie in seinem Klassiker „ Der Kuss“ zu sehen ist . Die Symbolik setzte sich im Lebensbaum fort , der jahrhundertelang von verschiedenen Künstlern zur Darstellung von Leben und Gesundheit verwendet wurde. Dank des Erfolgs von „Leben und Tod“ bleibt Klimt einer der berühmtesten Schädelkünstler.

Tod und Leben von Gustav Klimt

Kopf eines Skeletts mit brennender Zigarette von Vincent van Gogh

Der Kopf eines Skeletts mit brennender Zigarette ist das berühmteste Schädelgemälde der Geschichte – die Kombination eines Schädels mit einer Zigarette war originell und unterstreicht die ausdrucksstarke Natur des Künstlers. Es hat Kultstatus erlangt, genau wie Van Gogh selbst. Dieses Werk hat auch über ein Jahrhundert nach seiner Entstehung eine zeitgenössische Qualität. Van Gogh verwendete für dieses Gemälde kräftige, lange Pinselstriche und dramatische Beleuchtung, wobei das Skelett einen Kontrast zum dunklen, schlichten Hintergrund bildete.

Dunkelheit breitet sich über die Augenhöhlen aus und hinterlässt ein unheimliches Bild, in dem der Tod weiterlebt. Van Gogh selbst hatte ein turbulentes geistiges Gleichgewicht, das ihm solche Themen in den Sinn gebracht hätte, und er hatte sein ganzes Leben lang damit zu kämpfen. Selbst eine regelmäßige Behandlung konnte diese Probleme nicht eindämmen, die letztendlich indirekt zu seinem Tod führten. Diese Emotionen inspirierten jedoch auch seine Arbeit, und das verleiht seinem schwierigen Leben einen positiven Aspekt.

Kopf eines Skeletts mit brennender Zigarette von Vincent van Gogh

Vanitas-Stillleben von Jan van Kessel

Jan van Kessel der Ältere war ein hochqualifizierter Antwerpener Künstler, der sich im Laufe seiner Karriere mit Genreszenen und Stillleben beschäftigte. Viele seiner Inhalte waren typisch für die Region, und im folgenden Beispiel finden wir die Vanitas-Kunst, die typisch für die nordeuropäische Kunst des 17. Jahrhunderts war. Schädel waren eines der regelmäßig verwendeten Symbole der Ikonographie, und auf diesem Gemälde finden wir eine Reihe von Blumen, die um den Schädel geflochten sind. Blasen schweben von oben herab, während ein Schmetterling an der Seite ruht und Leben und Tod gemeinsam im selben Stück dargestellt sind.

Jan van Kessel schuf auch eine Reihe maritimer Kunstwerke und Insektendarstellungen und galt allgemein als stiltypisch für die Zeit. Seine detaillierten Kunstwerke konnten als Drucke reproduziert und anderswo in Europa verkauft werden, während es sich bei seinen Landschaftsszenen um Einzelstücke handelte, die als Einzelstücke höhere Preise erzielen konnten, deren Zusammenbau jedoch länger gedauert hätte.

Vanitas-Stillleben von Jan van Kessel

Oaxaca-Schädel von Jose Guadalupe Posada

Jose Guadalupe Posada war ein erfahrener Illustrator, der Lithografien wie die unten abgebildete anfertigte. Werke wie das unten gezeigte sowie La Calavera Catrina verwendeten Schädel und Skelette und wurden zu einem Markenzeichen seiner Arbeit. Dieser mexikanische Zeichner schuf im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert ein beeindruckendes Werk und repräsentiert auch die beliebte Verwendung von Schädeln in der mexikanischen Kunst, was teilweise auf die im Vergleich zu westlichen Gesellschaften positivere Beziehung zum Tod zurückzuführen ist. Er arbeitete schließlich als Lehrer, wo er spätere Künstlergenerationen beeinflussen konnte.

Oaxaca-Schädel von Jose Guadalupe Posada

Stillleben mit Totenkopf von Paul Cezanne

Paul Cezanne war ein Meister der Stilllebenkunst und konnte neben seinen zahlreichen Landschaftsgemälden aus der französischen Landschaft auch allein arbeiten, indem er sich auf dieses Genre konzentrierte. In diesem Stillleben bezieht er sich auf die Methode der niederländischen Kunst, indem er einen Totenkopf in das Werk einbaut und ihn zusammen mit einer Vielzahl von Früchten auf einen Tisch legt, wobei ein Tischtuch lose darüber gewickelt ist und so Elemente des darunter liegenden Tisches freigibt. Das Stück trug den Titel „ Stillleben mit Totenkopf“ , da er normalerweise keine Totenköpfe verwendete und sich normalerweise nur auf Früchte verließ.

Im Laufe seiner Karriere wurde Cézanne immer ausdrucksvoller und wandte sich langsam dem Kubismus zu oder legte zumindest den Grundstein für den Erfolg seiner Vertreter kurz nach der Jahrhundertwende. Sogar seine Stillleben-Kunstwerke wurden auf Farbfraktale reduziert, wobei mit Winkeln experimentiert wurde, als die Kluft zwischen Malerei und Skulptur immer kleiner wurde. Aufgrund der Ideen, die er in die europäische Kunst einbrachte, gilt er bis heute als Vater der modernen Kunst.

Stillleben mit Totenkopf von Paul Cezanne

Junger Mann mit Totenkopf von Frans Hals

Frans Hals war ein entzückender Künstler, der unterhaltsame Darstellungen des einfachen Volkes der Niederlande schuf. In dieser Interpretation entschied er sich, neben dem Hauptporträt einen Totenkopf als symbolischen Wert einzufügen. Er schuf Szenen aus dem Leben in Wirtshäusern, in denen sich die örtlichen Charaktere zeigten und die angenehme Seite des Lebens zum Vorschein kam. Viele seiner Porträtthemen waren anonym und wurden in einem Moment des Spaßes festgehalten, der in seinen Gemälden Jahrhunderte lang anhalten sollte.

Eine der größten Qualitäten von Hals als Künstler war seine Liebe zum Detail in seiner Arbeit, zu der auch die genaue Darstellung von Kleidung und Gesichtsausdrücken gehörte. Er nutzte auch die Pinselführung ausdrucksstark und erzeugte so Emotionen in seinen Porträts, die dazu beitrugen, dem Betrachter die Szene zu vermitteln. Vergleichen Sie das mit Leuten wie Ingres und Bronzino , die ebenfalls technisch versiert waren, denen es aber manchmal bei ihrer Arbeit an der gleichen Energie mangelte.

Junger Mann mit Totenkopf von Frans Hals

Schädel im Profil, Radierung von Wenzel Hollar (nach Leonardo da Vinci)

Leonardo da Vinci war ein wahrer Meister der Anatomie und das folgende Objekt war eine Radierung, die direkt nach einer seiner berühmten Schädelzeichnungen angefertigt wurde. Er liebte es, den menschlichen Körper zu studieren und zu beobachten, um seine komplizierten Variationen zu verstehen. Seine Zeichnungen erreichten aufgrund seiner Liebe zum Detail und seiner obsessiven Herangehensweise an Präzision eine unübertroffene Genauigkeit. Wenzel Hollar hat seine Brillanz erkannt und sich daher dafür entschieden, die Zeichnung als Radierung zu reproduzieren, wodurch viele Drucke hergestellt und verkauft werden konnten. Da Vincis bestes Werk wurde nach seinem Tod noch Jahrhunderte lang studiert.

Die Zeichnung zeigt einen Totenkopf, der auf einem Buch ruht, um es gerade zu halten. Der Schädel ist nach rechts abgewinkelt und verliert viele der symbolischen Eigenschaften, die andere Künstler nutzen würden. Stattdessen geht es bei diesem Kunstwerk vor allem um Studium und Genauigkeit, mit dem Ziel, die vom 15. bis 17. Jahrhundert übliche Realität so genau wie möglich nachzubilden . Erst später wurde die europäische Kunst immer ausdrucksstärker und die Künstler brachten ihre eigenen Emotionen in jedes Kunstwerk ein.

Schädel im Profil, Radierung von Wenzel Hollar (nach Leonardo da Vinci)

Stillleben mit Totenkopf und Schreibfeder von Pieter Claesz

Pieter Claesz war ein niederländischer Künstler des Goldenen Zeitalters, der sich auf Stilllebenkunst spezialisierte und über hohe technische Fähigkeiten verfügte. Sein Einsatz von Licht und Reflexion sowie die Detailgenauigkeit und Genauigkeit seiner Gemälde waren außergewöhnlich, aber er konnte nicht den gleichen Erfolg erzielen wie die führenden Köpfe dieser Zeit. Er bleibt eine angesehene Randfigur, deren Qualitäten hier in einem Werk mit dem Titel „Stillleben mit Totenkopf und Schreibfeder“ demonstriert werden. Die meisten seiner Gemälde waren komplexe Arrangements von Stilllebenszenen, wie sie hier zu finden sind, und normalerweise wurden Gegenstände auf einem Tisch platziert.

Stillleben mit Totenkopf und Schreibfeder von Pieter Claesz

Der Heilige Hieronymus schreibt von Caravaggio

Der Heilige Hieronymus zeigt diese bedeutende Persönlichkeit in der Schrift neben seinem Schreibtisch bei harter Arbeit. Auf der anderen Seite ist ein Schädel auf mehreren aufgeschlagenen Büchern platziert, auf den das Licht direkt fällt und den Schädel erleuchtet. Die Augen sind abgedunkelt, sodass wir die Konturen seiner Struktur erkennen können. Der Heilige erhält einen Heiligenschein, der uns hilft, ihn zusammen mit den anderen Hinweisen in dieser Komposition zu identifizieren, und sein beträchtlicher Bart lässt auf Alter und Weisheit schließen. Der Künstler erstellte zwei Versionen dieses Inhalts, 1605 und erneut 1607.

Caravaggio achtete auch in diesem Gemälde genau auf die Oberflächen und Texturen des Materials und stellt die Verdrehungen des Materials durch einen sorgfältigen Umgang mit Licht dar, die im Mittelpunkt der Barockkunst und insbesondere des Caravaggisten-Stils standen. Nur wenige Künstler erreichten ein solches Maß an Dramatik und Spannung wie Caravaggio, und seine Verwendung des Schädels zeigte eine inhaltliche Betrachtung, die über die rein oberflächlichen Details hinausgeht.

Der Heilige Hieronymus schreibt von Caravaggio

Der heilige Franziskus von Francisco de Zurbaran

Francisco de Zurbaran verwendete in den meisten seiner Arbeiten dramatische Beleuchtung, was dazu führte, dass viele ihn mit dem großen italienischen Meister Caravaggio verglichen . Er arbeitete hauptsächlich an religiösen Szenen, mit einigen Stilllebenwerken, und in diesem Stück gibt es eine Kombination aus beiden, mit einer beeindruckenden Darstellung spanischer Barock-Maltechniken. Zurbarans Malerei wurde später im 20. Jahrhundert von Dali übernommen, der seine eigene Hommage in einem völlig modernen Stil schuf.

Der heilige Franziskus von Francisco de Zurbaran