Künstler des Barock

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Barockkünstler sind berühmt für ihre energiegeladenen Kunstwerke, in denen Emotionen und Dramatik maximal zur Geltung kommen.

Die barocke Kunstepoche folgte direkt auf die manieristische Bewegung, die die letzten Jahre der Renaissance markierte . Es war nun Zeit für etwas Neues, obwohl viele der Qualitäten des Barock eine Erweiterung der Errungenschaften des Vorgängers darstellten, nur mit zusätzlichen Ideen.

Einführung in die Barockkunst

Die Barockbewegung erstreckte sich von etwa dem Jahr 1600 bis zum frühen 18. Jahrhundert und zeichnete sich durch eine Vielzahl künstlerischer Stile aus, die sich nicht einfach zusammenfassen lassen. Dennoch gab es bestimmte Themen und stilistische Entscheidungen, die sich durchgängig durch die Bewegung ziehtn und bei den meisten berühmten Künstlern dieser Zeit zu sehen sind.

Neben ihrer Dramatik und Energie ist die Barockkunst auch für ihre kräftigen Farben und ihre dramatische Beleuchtung bekannt, und viele dieser Innovationen wurden in späteren Kunstbewegungen fortgeführt. Beispielsweise verwendeten Künstler der Romantik oft eine dramatische Beleuchtung, vor allem aber in der Landschaftsmalerei, wo die Künstler des Barock andere Arten von Inhalten wählten.

Berühmte Barockkünstler: Liste der besten Maler und Bildhauer der Barockkunst

Um diese aufregende Zeit der europäischen Kunst bestmöglich zusammenzufassen, haben wir nachfolgend eine Auswahl der berühmtesten Künstler des Barock aufgeführt, einschließlich kurzer Zusammenfassungen ihrer Karrieren und auch einiger Bilder ihrer Gemälde und Skulpturen. Unterhalb dieser Liste gibt es weitere Diskussionen über verschiedene Aspekte der Barockkunst und ihre umfassenderen Auswirkungen auf die Richtung der europäischen Kunst bis ins 18. Jahrhundert und darüber hinaus.

Caravaggio

Caravaggio war ein außergewöhnlicher und äußerst einflussreicher Barockkünstler. Seine Gemälde waren berühmt für ihre dramatische Beleuchtung sowie für die hochemotionale, ja brutale Art ihres Inhalts. Der Künstler selbst war ein in Schwierigkeiten geratener Mensch, der aufgrund einer Reihe von Pannen regelmäßig gezwungen war, in Italien umzuziehen.

Caravaggios Werk zog eine Reihe von Anhängern an, die selbst als Caravaggisti bekannt wurden, zu denen auch die Gentileschi-Vater-Sohn-Kombination Artemisia und Orazio gehörte. „Judith enthauptet Holofernes“ und „Die Berufung des heiligen Matthäus“ sind zwei gute Beispiele aus Caravaggios Karriere, die seinen Umgang mit Licht und die Brutalität seiner Arbeit veranschaulichen.

Die Berufung des Heiligen Matthäus vom berühmten Barockkünstler Caravaggio

Der Heilige Hieronymus schreibt, berühmtes italienisches Barockgemälde von Caravaggio

Rembrandt

Rembrandt war eine wichtige Kraft im niederländischen Goldenen Zeitalter, das selbst ein Subgenre der Barockbewegung war. In seinen Gemälden verwendete er auch dramatische Lichteffekte, aber sein Gesamtwerk war so vielfältig, dass es besser ist, seine Karriere als eigenständige Einheit zu betrachten. Er erlangte Berühmtheit in einer Reihe von Medien, darunter Zeichnung und Radierung , und kann als einer der versiertesten Techniker in der nordeuropäischen Kunstgeschichte angesehen werden.

„Die Nachtwache“ und „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ sind seine beiden berühmtesten Gemälde, die seine starken Hell-Dunkel-Kontraste einfangen. Seinem Stil fehlte in den meisten Fällen die Dramatik des Barockstils, aber es gibt einige Beispiele religiöser Inhalte in seiner Karriere, die eher dem stereotypen Ansatz dieser größeren Bewegung entsprechen.

Rembrandt-Selbstporträt

Die Nachtwache, berühmtes niederländisches Barockgemälde aus dem 17. Jahrhundert

Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens war mit klassischen Gemälden wie der Kreuzerhöhung und dem Urteil des Paris der Inbegriff des Barockmalers, der komplexe Szenen der figurativen Kunst mit kräftigen Farben und dramatischer Energie füllte. Berühmt wurde Rubens auch durch die Darstellung großer Frauen, die mit den Traditionen des Modellierens brachen und der Vielfalt weiblicher Körperformen besser nachempfunden waren.

Rubens gilt als flämischer Barockkünstler und war der Anführer dieses Kollektivs. Sein vielfältiges Oeuvre umfasste religiöse Darstellungen für Altarbildaufträge sowie Historien- und Landschaftsgemälde, doch der vollendetste Teil seines Schaffens war immer sein Umgang mit figurativer Kunst.

Das Fest der Venus, figurative Malerei von Peter Paul Rubens

Madonna auf Blumenkranz, Rubens mit Jan Brueghel dem Älteren Barockkunst

Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi war die führende Malerin der Barockbewegung und löste ihren Vater Orazio ab, der ebenfalls ein hochqualifizierter Künstler war. Beide folgten dem Stil Caravaggios, ergänzten ihn jedoch mit eigenen Ideen und Innovationen. Artemisia reiste durch Italien auf der Suche nach großen Aufträgen für ihr dramatisches Werk und stellte fest, dass ihre Rolle als Künstlerin sowohl eine Hilfe als auch ein Hindernis sein konnte.

Judith tötet Holofernes und Selbstporträt als Allegorie der Malerei sind zwei ihrer bekannteren Gemälde, doch einige ihrer Werke wurden lange Zeit fälschlicherweise anderen zugeschrieben. Erst in den letzten Jahren hat sich ein besseres Verständnis für ihr Werk entwickelt, und Ausstellungen ihrer Arbeiten erfreuen sich heute besonders großer Beliebtheit bei all jenen, die mehr über traditionelle Malerinnen erfahren möchten.

Selbstporträt als Allegorie der Malerei von Artemisia Gentileschi

Selbstbildnis als Lautenspieler

Bartolomé Esteban Murillo

Bartolomé Esteban Murillo war ein führender spanischer Barockmaler des 17. Jahrhunderts . Murillo lebte sein ganzes Leben in Sevilla und konzentrierte sich hauptsächlich auf religiöse Inhalte, die zu dieser Zeit in Spanien gefragt waren. Er war auch besonders erfolgreich in der figurativen Kunst und der Porträtmalerei und fertigte eine Reihe weltlicher Werke an, die sich auf die Menschen vor Ort aller Herkunft konzentrierten.

Murillo war einer von mehreren bedeutenden spanischen Barockkünstlern, und dieses Land entwickelte sich im 17. Jahrhundert zu einer wichtigen Kraft in der europäischen Kunst. Mit zunehmendem Wohlstand im Land gelang es einer Reihe von Spendern auch, bedeutende Künstler von außerhalb Spaniens anzuziehen, um das künstlerische Niveau im Inland zu steigern.

Die Unbefleckte Empfängnis von El Escorial, spanisches barockes religiöses Gemälde von Murillo

Frans Hals

Frans Hals ist vor allem für sein Gemälde „Der lachende Kavalier“ in Erinnerung geblieben, er schuf aber auch eine Vielzahl anderer bemerkenswerter Kunstwerke. Er liebte es, die Menschen vor Ort in seiner Gemeinde einzufangen und konzentrierte sich auf die Armen und die Arbeiterklasse. Er fand in ihnen einen Charme und eine Ehrlichkeit, die zu seinen ausdrucksstarken künstlerischen Techniken passten.

Als Teil des niederländischen Goldenen Zeitalters wird Hals unweigerlich als Barockmaler eingestuft, sein Inhalt ähnelt jedoch nicht besonders denen von Rubens und ist eher mit anderen niederländischen Malern dieser Zeit verwandt. Porträts dominierten sein Schaffen und er fing viele bezaubernde Szenen aus dem Leben in den örtlichen Bars ein, in denen Charaktere aller Art zu sehen waren.

Lachender Kavalier von Frans Hals

Narr mit Laute, niederländisches Barockporträt

Annibale Carracci

Annibale Carracci war ein italienischer Maler aus dem späten 16. Jahrhundert, der im Vergleich zu anderen Mitgliedern der Barockbewegung relativ traditionell arbeitete. Er stammte aus einer Malerfamilie, was möglicherweise seinen künstlerischen Ansatz beeinflusste, der sich auf Techniken früherer Generationen stützte. Zu seinen bekanntesten Gemälden gehörten Butcher's Shop , The Loves of the Gods und The Beaneater.

Sein Stil entsprach eher der Kunst der italienischen Renaissance, und möglicherweise war er aufgrund der Bedürfnisse seiner Kunden in seiner Arbeitsweise eingeschränkt. Es scheint, dass die Barockkunst von außerhalb Italiens entstand, bevor sie sich auf diese Region auswirkte, und nicht umgekehrt. Dennoch leistet er weiterhin einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung der italienischen Kunst.

Jungfrau und Kind mit der Heiligen Lucia und dem jungen Johannes dem Täufer (Annibale Carracci), spätes 16. Jahrhundert

Diego Velázquez

Diego Velazquez, einer der berühmtesten Vertreter der Barockbewegung, schuf mit Las Meninas eines der berühmtesten Kunstwerke der Welt. Seine Arbeit war einfallsreich, blieb aber mit abgedunkelten Farbkontrasten innerhalb der Grenzen der Barockkunst. Als Hofmaler ist seine Karriere zwangsläufig reich an Porträts, aber es gab auch eine Reihe von Historiengemälden wie „ Die Kapitulation von Breda“.

Der Künstler hat in seinen Gemälden viele königliche Persönlichkeiten festgehalten, und Historiker beziehen sich weiterhin auf seine Arbeiten, um Informationen über die Kleidung und das Aussehen führender Persönlichkeiten der spanischen Geschichte zu erhalten. Die Porträtmalerei erfreute sich im 17. Jahrhundert wachsender Beliebtheit, da sich die meisten Aufträge zuvor eher auf religiöse Themen konzentrierten.

Las Meninas

Die Kapitulation von Breda, spanisches barockes Historiengemälde

Anthony van Dyck

Anthony van Dyck war ein hochqualifizierter Porträtmaler, der vor allem für seine Darstellungen von Karl I. bekannt ist . Der Künstler erzielte einen Großteil seines Erfolgs im Vereinigten Königreich und erfreute sich einer beeindruckenden Liste namhafter Spender, als sich sein Ruf im ganzen Land verbreitete.

Obwohl er ein führender flämischer Maler war, war es seine Verbindung zum Hofe Karls I., die ihm neue Möglichkeiten eröffnete. Dieser Monarch hatte auch eine große Leidenschaft für Kunst und gab beträchtliche Summen aus, um neue Kunstwerke in Auftrag zu geben und Kunst aus ganz Europa für seine wachsende Sammlung zu kaufen.

Karl I. in drei Stellungen, Monarchenporträtgemälde aus dem 17. Jahrhundert

Vermeer

Vermeer war ein einzigartiger und äußerst charmanter Künstler, der Szenen aus Delft sowie eine Reihe unvergesslicher Porträts und häuslicher Szenen einfing. Er half uns, das Leben in der niederländischen Republik im 17. Jahrhundert besser zu verstehen, und sein berühmtestes Gemälde ist nach wie vor das Mädchen mit dem Perlenohrring, das zu den ikonischsten Kunstwerken in der Geschichte der europäischen Kunst zählt.

Das Oeuvre dieses Künstlers war besonders klein, da ein Sammler die meisten seiner Werke erwarb, was letztendlich seinen Bekanntheitsgrad für einige Jahre nach seinem Tod einschränken würde. Heute gilt er als einer der talentiertesten Künstler der Geschichte und sein Stil ist sofort erkennbar.

Mädchen mit Perlenohrring (1665), berühmtes barockes Porträtgemälde von Vermeer

Ansicht von Delft, niederländisches barockes Stadtbild von Vermeer

Die Kunst der Malerei

Judith Leyster

Judith Leyster war eine der führenden Barockmalerinnen des Goldenen Zeitalters der Niederlande. Sie konzentrierte sich auf häusliche Szenen, wie es in diesem Teil Nordeuropas üblich ist, und liebte es, Einheimische aus relativ armen Verhältnissen einzufangen. Ähnlich wie bei Hals finden Sie Barszenen voller Fröhlichkeit und Spaß, in denen diese interessanten Charaktere gefeiert werden.

Leyster heiratete einen angesehenen Maler, und die beiden entwickelten zusammen beträchtliche Impulse, da sie sich sowohl Spender als auch Sammler teilen konnten. Leyster bleibt die führende Malerin innerhalb der Gruppe, und ihr Werk hat in den letzten Jahren mehr Aufmerksamkeit erhalten, und Ausstellungen ihrer Werke erwiesen sich beim Publikum als recht beliebt.

Judith Leyster Selbstporträt

Nicolas Poussin

Nicolas Poussin war ein führender französischer Maler, der im Stil des Klassizismus arbeitete, aber als Barockkünstler eingestuft wird. Er griff auf Themen aus der Vergangenheit zurück, vor allem auf mythologische und religiöse Themen, die sich seit vielen Jahrhunderten in der europäischen Kunst abzeichneten. Inhaltlich war er vielleicht nicht innovativ, aber technisch gesehen war Poussin ein wahrer Meister.

Zu seinen bekanntesten Werken, die sein Gesamtwerk ziemlich treffend zusammenfassen, gehören „A Dance to the Music of Time“ und „Et in Arcadia ego“. Dieser Stil wird als französischer Klassizismus bezeichnet und weist viele Ähnlichkeiten mit früherer italienischer Kunst aus dem 15. und 16. Jahrhundert auf. Die Themen waren auch in dieser Region weit verbreitet. Auch Poussins Farben waren kräftig und sorgfältig durchdacht.

Die Hirten von Arkadien von Nicolas Poussin

Claude Lorrain

Claude Lorrain war ein angesehener Landschaftsmaler, der dazu beitrug, dieses Genre zu einem wichtigen Thema in der europäischen Kunst zu etablieren. Lorrain war Franzose, erzielte jedoch einen Großteil seiner Erfolge in Italien und wurde schließlich als Einheimischer akzeptiert, was die Qualität seiner Arbeit und die lange Zeit, die er in seiner Wahlheimat arbeitete, bewies. Lorrain inspirierte in den folgenden Jahrhunderten zahlreiche Künstler der Romantik.

Der Künstler begann, seiner Fantasie freien Lauf zu lassen und integrierte klassische Architektur in seine Landschaften, Stadtansichten und Meereslandschaften, was ihm gelang, nachdem er zu diesem Zeitpunkt schon viele Jahrzehnte lang konsequent gearbeitet hatte. Er konnte auch das Licht wunderbar einfangen und ist einer der berühmtesten Sonnenuntergangskünstler der Geschichte.

Seehafen bei Sonnenuntergang, barocker Landschaftsmaler, Claude Lorrain

Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini war ein berühmter Barockbildhauer, Architekt und Maler aus Italien. Nachdem er sich einen Namen gemacht hatte, erhielt er große Aufträge und beteiligte sich an Projekten, die neue Gebäudestrukturen mit dekorativen Elementen zu ihrer Füllung kombinierten. Manche hielten ihn für den bedeutendsten barocken Bildhauer, und diesem Urteil kann man kaum widersprechen.

Selbstporträt von Gian Lorenzo Bernini – italienischer Barockbildhauer, Architekt und Maler

Guido Reni

Guido Reni war, ähnlich wie Nicolas Poussin, ein Barockkünstler, dessen Stil typisch für die Kunstrichtung des Klassizismus war. Dieser Bologneser Maler hat das Drama der Barockkunst eingefangen, es jedoch mit Inspirationen aus der klassischen Geschichte kombiniert. Der Erzengel Michael und der heilige Josef und das Christkind sind zwei der besten Beispiele dafür. Italienische Barockkünstler bedienten sich weiterhin religiösen Inhalten, die in der früheren Renaissance vorherrschend waren.

Sein Ruf litt eine Zeit lang nach seinem Tod, doch in jüngerer Zeit wurde sein Werk erneut gefördert. Seine technischen Fähigkeiten waren bewundernswert und er kann als einer der bedeutendsten italienischen Künstler des Barock angesehen werden, wobei Vergleiche mit dem französischen Maler Poussin durchaus angebracht sind.

Der heilige Josef und das Christkind von Guido Reni

Georges de La Tour

Georges de la Tour war ein französischer Barockmaler vom Anfang bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts, dessen Stil für seine stimmungsvollen Atmosphären bekannt ist, die aus einem sorgfältigen Umgang mit Licht und Komposition entstanden sind. Religiöse Themen tauchten in vielen seiner Gemälde auf, aber seine Stil- und Kompositionsmethode war einzigartig und bot etwas Neues für dieses bewährte Genre.

Der Künstler fand seinen Weg in eine Reihe bedeutender Sammlungen, was dazu beigetragen hat, seinen Namen in unserer Erinnerung zu behalten. Durch die Verwendung schwach beleuchteter Orte konnte er den Blick des Betrachters auf die wesentlichen Teile jedes Gemäldes richten und sogar alles andere verbergen, was er nicht für wichtig hielt. Es bot eine ganz andere Atmosphäre als alles, was sonst in der Barockzeit zu finden war.

Joseph der Zimmermann, Georges de la Tour

Francisco de Zurbarán

Francisco de Zurbarán war berühmt für seine dramatische Beleuchtung, die sich auf religiöse Inhalte konzentrierte und diese in einer einzigartigen, kraftvollen Atmosphäre vermittelte, die ihn als einen der bedeutendsten spanischen Barockmaler auszeichnete. Sein dramatischer Einsatz von Licht machte ihn sofort zu einem Caravaggisten, obwohl er viel mehr bot, als nur den berühmten italienischen Maler nachzuahmen.

Zurbarán schuf auch eine Reihe von Stilllebengemälden, die zu dieser Zeit in der spanischen Kunst nicht üblich waren, was auf einen möglichen Einfluss flämischer Künstler schließen lässt. Er gilt bis heute als einer der talentiertesten und beeindruckendsten spanischen Künstler der Geschichte und kam zu einer Zeit, als dieses Land in der Kunstwelt große Fortschritte machte.

Religiöses Porträt von Francisco de Zurbaran

Jusepe de Ribera

Jusepe de Ribera setzte zusammen mit Zurbarán und Velazquez die Verwendung dunkler Bilder in der spanischen Kunst fort. Er nutzte die damals gebotenen Möglichkeiten, da im Laufe des 17. Jahrhunderts in Spanien eine Reihe bedeutender Spender gefunden wurden. Ribera konzentrierte sich in vielen seiner Gemälde auf religiöse Inhalte und spiegelte damit den hochreligiösen Charakter Spaniens zu dieser Zeit wider.

Im Laufe seiner Karriere experimentierte der Künstler mit positiveren Einstellungen und helleren Farbtönen. Anstelle der schwarzen Hintergründe traten Blautöne auf, was die Flexibilität des Künstlers unterstrich, der seinen ursprünglichen Stil aus technischer Sicht möglicherweise als etwas zu restriktiv empfand.

Apollo und Marsyas von Joseph de Ribera

Pieter de Hooch

Pieter de Hooch war ein weiteres führendes Mitglied des niederländischen Goldenen Zeitalters. Seine Arbeit spezialisierte sich auf häusliche Szenen, ähnlich wie Vermeer. Er war perspektivisch gelungen und verfügte über Fliesenböden und schöne Möbel, die die Qualitäten der Zeit einfingen. Er wurde in Rotterdam geboren, war aber auch in Amsterdam erfolgreich.

Inländische Szenen waren ein bedeutender Teil der gesamten Bewegung, vielleicht mehr als in jeder anderen großen europäischen Bewegung, und bei der Spezialisierung auf dieses Genre waren De Hoochs Beiträge besonders wichtig. Sein Ruf ist in den letzten Jahrhunderten erheblich gestiegen, Ausstellungen seiner Werke sind recht häufig.

Niederländische heimische Barockmalerei, Pieter de Hooch

Dramatische Beleuchtung und Chiaroscuro

Chiaroscuro bezieht sich auf Hell und Dunkel und war ein Schlüsselelement im Stil barocker Maler. Caravaggio ist vor allem dafür bekannt, und ein sorgfältiger Einsatz der Beleuchtung auf diese Weise würde dazu beitragen, die Dramatik jedes Gemäldes zu steigern, indem wir unsere Aufmerksamkeit noch stärker auf den Hauptschwerpunkt jedes Kunstwerks lenken.

Tatsächlich könnte dieses extreme Lichtgleichgewicht für alle möglichen technischen Zwecke genutzt werden, einschließlich der Schaffung einer Perspektive in einer Szene. Manche vergleichen den barocken Ansatz vielleicht damit, wie Theateraufführungen Lichtstrahlen verwenden, um den Blick des Publikums zu lenken und eine bestimmte Stimmung in ihren Stücken zu erzeugen.

Auch Rembrandt van Rijn und Diego Velázquez nutzten diesen Ansatz, wobei Ersterer ihn in ein relativ breites Spektrum an Inhalten einbezog. Es schien am besten zu seinen religiösen Gemälden zu passen, und beachten Sie in „ Der Sturm auf dem See Genezareth“, wie er Licht einsetzte, um eine dramatische Stimmung zu erzeugen, in der das Schiff und die aggressiven Wellen unsere Aufmerksamkeit fesseln.

Porträts und Selbstporträts

Die barocke Porträtmalerei ermutigte Künstler, die Persönlichkeit und den Status einer Person einzufangen und gleichzeitig eine genaue Darstellung ihrer körperlichen Merkmale zu liefern. Künstler mussten ein sorgfältiges Gleichgewicht zwischen Genauigkeit und Schmeichelei finden, insbesondere wenn es sich bei einigen der Dargestellten um reiche und einflussreiche Persönlichkeiten mit entsprechendem Ego handelte.

Zu dieser Zeit spielten Hofmaler eine große Rolle, und eine Reihe namhafter Künstler dienten verschiedenen europäischen Monarchien. Während ein solcher Schritt ihre Kreativität einschränken würde, bot er doch eine finanzielle Sicherheit, die nur wenige Künstler zu dieser Zeit genießen konnten. Es gab ihnen auch ein gewisses Maß an Schutz, was in Zeiten politischer Instabilität wichtig war.

Rembrandt van Rijn, Diego Velazquez, Anthony van Dyck und Artemisia Gentileschi schufen untereinander eine große Anzahl von Porträts, allerdings mit einigen Stilunterschieden im gesamten Spektrum der Barockkunst. Auch Rembrandts Selbstporträts erwiesen sich als vermarktbar und zwangen ihn, sich auf sich selbst zu konzentrieren, um seine wachsenden Schulden zu begleichen.

Viele dieser Porträts würden aufgrund der schwach beleuchteten Umgebung eine stimmungsvolle Atmosphäre vermitteln, obwohl dies perfekt einfängt, wie wir uns das Leben der meisten Menschen in früheren Jahrhunderten vorstellen, wo das Leben nicht immer einfacher war, außer für die wenigen Auserwählten.

Stillleben und Vanitas-Gemälde

Barocke Stillleben und Vanitas-Gemälde boten einen Einblick in die technischen Qualitäten der Künstler dieser Zeit und lieferten in einigen Fällen auch einen subtilen Einsatz von Symbolik. Für Künstler wäre es logistisch einfach, Alltagsgegenstände zu sammeln, sich hinzusetzen und sie zu malen. Sie konnten Beleuchtung und Winkel ganz nach Bedarf einrichten und ohne Störungen arbeiten.

Einige Gegenstände würden zu symbolischen Zwecken verwendet, obwohl sie normalerweise in anderen Szenen eingefügt würden, um zusätzliches Interesse zu wecken, und nicht als Hauptschwerpunkt. Beispiele hierfür wären Schädel und Sanduhren sowie verwesende Lebensmittel oder Pflanzen. Oft dreht sich die Bedeutung um Leben und Tod oder sogar um die Sinnlosigkeit des Lebens selbst.

Religiöse und biblische Themen

Die katholische Kirche und die Gegenreformationsbewegung des 17. Jahrhunderts hatten großen Einfluss auf die Richtung der europäischen Kunst, insbesondere in Spanien und Italien. Während die Themen, die Künstler zur Behandlung religiöser Themen verwendeten, weitgehend dieselben blieben, fügten sie neue Wege zu deren Darstellung ein.

Die gesteigerte Dramatik und Emotionalität der Barockkunst eignete sich beispielsweise hervorragend für Szenen aus dem Leben Christi, und die Auftraggeber dieser Stücke glaubten, dass starke Kunst dazu beitragen könnte, ihre Anhänger noch bereitwilliger dem Willen Gottes zu unterwerfen. Dadurch würden Passagen aus der Bibel zum Leben erweckt, die Menschheit mit diesen außergewöhnlichen Geschichten verbinden und dazu beitragen, den Glauben zu stärken.

Barockkünstler fühlten sich aufgrund der Art und Weise, wie sie malten, zu den extremeren Geschichten aus religiösen Schriften hingezogen. Themen wie Tod und Leid sowie Freude und Feier passten viel besser zu den neuen Kunststilen als neutralere Inhalte. Dies brachte auch eine neue Richtung für die religiöse Kunst mit sich, die es ermöglichte, bestehende Inhalte neu zu interpretieren, anstatt nur die Werke von Renaissance-Künstlern zu reproduzieren.

Landschaftsgemälde im Barockstil

Das 17. Jahrhundert markierte vielleicht zum ersten Mal den Aufstieg der Landschaftsmalerei als eigenständiges Genre. Anstatt einen Hintergrund für andere Inhalte bereitzustellen, könnten sich Landschaftsmaler nun ganz auf die Landschaft vor ihnen konzentrieren und beginnen, ihre Werke zu verkaufen. Dies führte zu einer echten Hommage an verschiedene Umgebungen in ganz Europa und förderte die neuen Ideen, die im 18. Jahrhundert folgten.

Barockkünstler würden sich auf beeindruckende Umgebungen konzentrieren, in denen Emotionen in vollem Umfang ausgelöst werden könnten. Zu den Inhalten würden Berge, Flüsse und Wälder gehören, da der Einfluss der Menschheit zugunsten einer wirklich natürlichen Umgebung verschwinden würde. Niederländische Künstler erfassten die flachen Regionen ihres Landes und sorgten so für ein alternatives Gefühl der Ruhe.

Barockmalerei in Spanien und der Einfluss der Gegenreformation

Die protestantische Reformation und die daraus resultierende katholische Gegenreformation würden versuchen, die Kunst zur Förderung ihrer jeweiligen Ambitionen zu nutzen. Man glaubte, dass Kunst Gläubige dazu inspirieren könne, ein neues Maß an Hingabe zu erreichen, und so dazu beitragen könne, die Unterstützung jeder Religionsgruppe zu stärken. Durch die Einstellung der besten Künstler könnte diese Wirkung maximiert werden.

Der künstlerische Stil des Barock passte zu diesem Ziel und sorgte mit kontrastierendem Licht dafür, den Betrachter zu schockieren und zu begeistern. Spanien war hierfür ein wichtiges Zentrum, wo Künstler wie Velazquex und Francisco de Zurbarán dazu beitrugen, dem Genre der religiösen Malerei neues Leben einzuhauchen. Sie trugen dazu bei, Spiritualität und Menschlichkeit zu vereinen, indem sie oft einzelne Figuren darstellten, die alleine beteten oder in tiefen Gedanken versunken waren und bereit waren, sich mit Gott zu verbinden.

Der Einfluss Ludwigs XIV. auf die französische Barockkunst

Ludwig XIV. regierte von 1643 bis 1715 über Frankreich und hatte auf verschiedene Weise großen Einfluss auf die französische Barockkunst. Sein Ziel war es, seine Macht zu stärken und Frankreich zu einem Zentrum der Künste zu machen. Er glaubte auch, dass er die Kunst nutzen könne, um auch noch lange nach seinem Tod ein starkes Erbe für künftige Generationen zu hinterlassen. Durch die Leitung von Künstlern wollte er die zukünftige Richtung der Kunst prägen und möglicherweise im Laufe der Zeit auch andere europäische Länder beeinflussen.

TDer Monarch gründete Kunstakademien, die zu einem konsistenten künstlerischen Ansatz beitragen sollten, und er nutzte seinen eigenen Einfluss, um diesen an seinen eigenen Geschmack anzupassen. Ein Großteil seiner Arbeit würde die Monarchie sowie die Stärke Frankreichs selbst fördern. Er weitete diese Praxis auf Musik und Kunst aus und entwickelte Wettbewerbe, bei denen diejenigen belohnt wurden, die seinen Vorlieben entsprachen.

Ludwig XIV. ermutigte Künstler und Architekten, von der klassischen Kunst zu lernen, beispielsweise aus den Reichen Griechenlands und der Römerzeit. Dies dauerte viele Jahre, doch schließlich rebellierten die kreativen Kräfte französischer Künstler und es bildete sich erneut eine Gegenkultur.

Der bedeutende Einfluss des niederländischen Goldenen Zeitalters auf die Barockkünstler in den Niederlanden

Das Goldene Zeitalter der Niederlande war ein ortsspezifischer Ableger des Barock, aber seine inhärenten Qualitäten kennzeichnen es als eigenständige Einheit. Szenen mit trinkenden und singenden Einheimischen sowie häusliche Ansichten von Häusern aus dem 17. Jahrhundert verliehen den Niederlanden etwas Charmantes und Besonderes. Dank des Reichtums der niederländischen Republik, der viele Spender an ihre Tür lockte, boten sich den Künstlern hier viele Möglichkeiten.

Barocke Stilllebenkunst war in den Niederlanden am weitesten verbreitet, wo sie als Mittel zur Perfektionierung und Würdigung der technischen Fähigkeiten des Künstlers eingesetzt wurde. Es gab auch Auswirkungen auf die Bewegung, zum ersten Mal unterschiedliche Schichten der Gesellschaft in die Kunst einzubeziehen, während man früher nur die Reichen und Berühmten in Porträts sehen konnte.

Barockkunst und ihr Übergang zum Rokoko-Stil

Das Rokoko begann in der Mitte des 17. Jahrhunderts und wurde schließlich als Spätbarock bezeichnet, da die Gesamtbewegung einige Jahrzehnte später zu Ende ging. Es war der ultimative Endpunkt, an dem Extravaganz und übermäßiger Design-Schnörkel ihr maximales Niveau erreichten. Es wurde von der französischen Kunst abgeleitet und hatte auch großen Einfluss auf das Möbeldesign des Landes.

Es war ein wahres Fest der Kreativität und des Spaßes, bei dem formellere, restriktivere Ansätze abgelehnt wurden, aber schließlich zu weit für den Geschmack der Öffentlichkeit gingen und als verschwenderisch und zügellos galten. Der Geschmack wandte sich von diesem Ansatz ab und neue Ideen begannen sich durchzusetzen. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich die Rokoko-Bewegung jedoch von Frankreich aus in ganz Europa ausgebreitet, und viele Beispiele ihrer Verwendung können noch heute in Herrenhäusern und Villen auf dem ganzen Kontinent genossen werden.