Künstler der Abstrakte, Abstraktionismus in der Kunst

Entdecken Sie die Geschichte der abstrakten Kunst und werfen Sie einen Blick auf die berühmtesten abstrakten Künstler des 20. Jahrhunderts mit einem Leitfaden zum Abstraktionismus in der Kunst

Einführung in abstrakte Künstler und Abstraktionismus in der Kunst

Der Anfang bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts war eine aufregende Zeit des Wachstums und der Entwicklung der europäischen Kunst, in der die Abstraktion begann, die eher formalen Darstellungsmethoden zu ersetzen. Emotionen und Konzepte konnten nun auf nicht-wörtliche Weise dargestellt werden, und diese Abkehr von der Realität öffnete kreativ denkenden, innovativen Künstlern viele Türen.

Der Aufstieg der abstrakten Kunst brachte viele neue Bewegungen in den Mainstream, zunächst in Europa, bevor sie sich später auf andere Gebiete wie die USA und Mexiko ausbreitete. Diese neuen Entwicklungen stellten auch einen Einfluss nicht-westlicher Kunst dar, da sich die Welt zu öffnen begann und eine größere Vielfalt an Ideen und Techniken nun geteilt und gefördert werden würde.

In diesem Artikel werden zunächst die berühmtesten Abstraktionskünstler des gesamten Jahrhunderts untersucht und die spezifischen Bewegungen untersucht, an denen sie beteiligt waren. Die Auswahl der Künstler versucht, die gesamte Bandbreite an Stilen und Disziplinen abzudecken, in denen sich die Verwendung abstrakter Kunst verbreiten würde, von Malerei und Zeichnung bis hin zu Skulptur, digitaler Kunst und vielem mehr.

Liste berühmter abstrakter Künstler

Wir haben die berühmtesten abstrakten Künstler auf einer Liste von 18 zusammengefasst, von denen wir glauben, dass sie die einflussreichsten und talentiertesten von allen sind. Die Liste umfasst das gesamte 20. Jahrhundert und bietet einen umfassenden Leitfaden zu den verschiedenen Ablegern der abstrakten Kunst sowie zu den Regionen, in denen sie blühte. Der Erfolg der Bewegung stellt sicher, dass alle hier aufgeführten Namen auf globaler Ebene als bekannte Namen gelten können.

Abstrakte Kunst berührt viele verschiedene Strömungen, und dabei können unterschiedliche Abstraktionsebenen verwendet werden. Selbst innerhalb der Karrieren dieser Künstler entwickelten viele ihre Werke im Laufe ihrer Karriere weiter, und einige arbeiteten zunächst in einem eher klassischen Stil, der sich an den Impressionismus oder sogar die Kunst der Renaissance anlehnte . Mit der Zeit, als ihre Persönlichkeit in ihrer Arbeit zum Ausdruck kam und ihr Selbstvertrauen wuchs, gingen sie zu einem einzigartigeren Ansatz über.

Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky bleibt einer der berühmtesten abstrakten Künstler überhaupt und hat ein großes Erbe in der europäischen modernen Kunst hinterlassen. Er war nicht nur ein talentierter Maler, sondern auch ein Theoretiker, der dazu beitrug, einen tiefergehenden Ansatz zur Abstraktion zu entwickeln, einschließlich des Studiums und der Verwendung von Farben. Kandinsky war auch an einer Reihe bedeutender Kunstgruppen beteiligt, in denen durch den Gedankenaustausch zwischen gleichgesinnten Künstlern Fortschritte erzielt und Impulse geschaffen wurden.

Kandinskys Weg zur Abstraktion war langsam, aber stetig. Einige der unten aufgeführten abstrakten Gemälde geben einen Hinweis auf den Künstler am Ende seiner Entwicklung, als die Formen auf Anordnungen von Kreisen und Linien reduziert wurden . Zuvor waren seine Arbeiten ausdrucksstark, aber traditioneller, darunter eine Reihe bezaubernder Landschaften und Stadtansichten.

Quadrate mit konzentrischen Kreisen, Abstrakter Expressionismus von Wassily Kandinsky

Komposition IX von Wassily Kandinsky

Komposition VII

Hilma af Klint

Hilma af Klint war eine talentierte und einflussreiche schwedische Malerin, deren Einfluss viele Jahre lang unterschätzt wurde. Erst jetzt verbreitete sich das Wissen um ihre Errungenschaften über ihr Heimatland Schweden hinaus und sie gilt heute als eine der Hauptvertreterinnen der abstrakten Kunst im frühen 20. Jahrhundert. Klint wurde von der Mystik beeinflusst und war eine tief denkende Frau, die Verbindungen zu einer Reihe anderer Malerinnen knüpfte.

Aufgrund ihres zeitgenössischen Charakters blieb ihr Werk auf ihren Wunsch zwei Jahrzehnte nach ihrem Tod verborgen. Sie lieferte einfache Anordnungen von Kreisen und Farben, die für die damalige Zeit bahnbrechend waren. Es dauerte zwangsläufig einige Zeit, bis sie angenommen wurde, aber heute gilt sie als eine der berühmtesten abstrakten Künstlerinnen der Geschichte und als eine sehr wichtige Bereicherung für die Geschichte der schwedischen Kunst.

Der Schwan, abstraktes expressionistisches Gemälde von Hilma af Klint

Jackson Pollock

Jackson Pollock war ein amerikanischer Abstrakter Expressionist, der New York zur Hauptstadt der westlichen Kunst machte. Er beeindruckte mit der Tropftechnik, die eine Kunstwerkform bot, die selbst vom selben Künstler niemals reproduziert werden konnte. Es gab das Element des Zufalls, wie es von surrealistischen Künstlern gefördert wurde , sowie eine sorgfältige Berücksichtigung der Farbe. Pollock liebte es, sich auszudrücken, und die körperliche Natur seiner Herangehensweise half ihm, sich seiner Kunst eng verbunden zu fühlen.

Der Künstler legte große Leinwände hin und trug Farbe auf, während er darüber stand, wobei die Farbe direkt tropfte. Im Laufe seiner Arbeit variierte er die Farben, um unterschiedliche Gefühle hervorzurufen. Dieser Ansatz hätte nur im 20. Jahrhundert funktionieren können, als Künstlern nun viel mehr künstlerische Freiheit eingeräumt wurde als zuvor, wobei die USA in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts an der Spitze standen.

Konvergenz-Tropfenmalerei von Jackson Pollock

Piet Mondrian

Piet Mondrian war ein niederländischer Maler, der sich im Laufe seiner Karriere weiterentwickelte und verschiedene Strömungen, darunter den Kubismus , aufnahm , bevor er später zu einer hochabstrakten Methode wechselte. Am bekanntesten ist er für die letztere Zeit, da er Stadtszenen mit einfachen Anordnungen schwarzer Linien darstellt, die zwischen ihren Schnittpunkten Farbflächen bilden. Seine früheren Werke waren ausdrucksstarke Landschaften, darunter Szenen seiner örtlichen Strände und Baumgemälde.

Es war die Einfachheit von Mondrians Spätwerk, die den Menschen am meisten in Erinnerung blieb. Eine solche Abstraktion im frühen bis mittleren 20. Jahrhundert zu liefern, war bahnbrechend, und Gemälde wie dieses wirken auch heute, fast hundert Jahre später, noch völlig zeitgenössisch. Er blieb bei einer begrenzten Farbpalette und verwendete Blau-, Gelb- und Rottöne neben seinen schwarzen und weißen Linien. So schenkte er uns ein eindrucksvolles Werk, das die Bewegung der abstrakten Kunst anführte.

Abstrakte Landschaft mit grauem Baum von Piet Mondrian

Komposition II in Rot, Blau und Gelb von Piet Mondrian

Mark Rothko

Mark Rothko ist vor allem für seinen künstlerischen Stil bekannt, der als Farbfeldmalerei bekannt wurde. Er fertigte große, mehrere Meter breite und hohe Wandgemälde an, die das Sichtfenster des Betrachters verdeckten und ihn in ein Meer aus Farbe und Abstraktion hüllten. Diesem Ansatz blieb er mehrere Jahrzehnte treu, nachdem er sich zunächst mit anderen Ausdrucksformen der modernen Kunst beschäftigt hatte. Seine Gemälde sind heute durchaus als seine eigenen zu erkennen, trotz des Einflusses, den er auf spätere Generationen amerikanischer Künstler hatte.

Rothko liebte es, Gegenstände auf abstrakte Formen zu reduzieren und benannte seine Bilder sehr allgemein, um dem Betrachter die Möglichkeit zu geben, selbst zu entscheiden, was er betrachtete. Dieser Mangel an Details machte die Farbauswahl noch wichtiger, wobei Rothko in den meisten Fällen zu helleren Tönen tendierte. Er bleibt einer der führenden amerikanischen Abstrakten Expressionisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Nr. 1 Royal Red and Blue Abstractionism Art von Mark Rothko

Kazimir Malevich

Kasimir Malewitsch wurde berühmt dafür, dass er den Abstraktionismus so weit trieb, wie er nur konnte. Er schuf einfache Anordnungen einzelner Formen, die zentral auf seinen Leinwänden platziert waren, oft in Schwarz und Weiß. Dazu gehörte auch sein „Schwarzes Quadrat“ , das kürzlich von vielen, die sich der Ursprünge des Gemäldes nicht bewusst waren, als virales politisches Statement verwendet wurde. Er war einer der ersten Künstler, die auf diese Weise arbeiteten, und geriet bald bei den herrschenden Mächten in seinem Heimatland Russland in Ungnade, so dass er viele seiner Gemälde in Deutschland zurücklassen musste, nachdem er dort ausstellen durfte.

Nachdem Malewitsch Probleme mit diesem abstrakten Stil hatte, begann er, die lokale Bauernschaft auf eine Weise darzustellen, die dem Zeitgeschmack besser entsprach. Diese Gemälde waren immer noch sehr ausdrucksstark und schafften es, die richtige Balance zwischen eindrucksvoller moderner Kunst zu finden, ohne den Künstler jedoch in weitere Kontroversen hineinzuziehen. Heute gilt er als einer der führenden osteuropäischen abstrakten Künstler, mit weiteren großartigen Werken wie „ White on White“ und „Black Circle“ .

Schwarzes quadratisches abstraktes Gemälde von Kasimir Malewitsch

Suprematismus-Abstraktionismus-Kunstwerk

Winterlandschaft

Joan Miró

Joan Miro war ein berühmter spanischer Maler, der abstrakte Ikonographie schuf, die er auf verschiedene Disziplinen, darunter Zeichnung, Malerei und Bildhauerei, übertragen konnte. Dazu gehören Linien, Pfeile und auch von Sternbildern inspirierte Elemente. Alles würde in einer flachen, zweidimensionalen Welt stattfinden, die einem Nachthimmel ähnelte. Andere Gegenstände wie Körperteile und Pflanzen wurden in abstrakten Formen umfunktioniert und schwebten oft allein in der Wildnis, was einen Einfluss des Surrealismus aufwies.

Miro war dann in der Lage, einige dieser Gegenstände zusammen mit seiner hellen Palette zu nehmen und sie auf große Installationsskulpturen im Freien anzuwenden, von denen viele noch heute an ihrem Platz sind. Miro ist nach wie vor einer der berühmtesten abstrakten Künstler Spaniens, wobei dieses Land einen besonderen Einfluss auf den Surrealismus und Kubismus sowie auf die moderne Kunst im Allgemeinen hatte. Viele von ihnen stellten auch dekorative Keramik her und vereinten traditionelle und moderne Kunststile.

Das abstrakte Gemälde „Das bebaute Feld“ von Joan Miro

Harlekin-Karneval von Joan Miro

Paul Klee

Paul Klees klassisches Kunstwerk „Castle and Sun“ wird unten gezeigt und fängt die Balance zwischen Abstraktionismus und Realität perfekt ein. Dort finden wir eine helle und fast kindliche Interpretation einer Stadtlandschaft, mit Gebäuden, die auf eine Reihe von Quadraten und Dreiecken reduziert sind, wobei ein Kreis einen fallenden Sonnenuntergang darstellt . Im Gegensatz dazu liefert Senecio ein abstraktes Porträt, das manche an nicht-westliche Kunst, beispielsweise aus verschiedenen afrikanischen Kulturen, erinnern könnte.

Klee selbst arbeitete im Laufe seiner äußerst produktiven Karriere in einer Vielzahl von Stilen, die alle modern waren. Er experimentierte auch mit Aquarellen und Ölfarben und war auch ein talentierter Zeichner. Seine Farben wurden sorgfältig überlegt, und Klee wurde ein Farbtheoretiker, der seine Gedanken über die Verwendung von Farben in der Kunst veröffentlichte und darüber, wie Farben für verschiedene Zwecke verwendet werden könnten, wenn sie auf unterschiedliche Weise kombiniert werden.

Schloss und Sonne von Paul Klee, abstrakte Stadtbildmalerei

Senecio von Paul Klee (Berühmtes abstraktes Gemälde)

Katze und Vogel, berühmter Künstler des abstrakten Expressionismus, Paul Klee

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe ist vor allem für ihre Blumengemälde bekannt, bei denen die Komposition in die Mitte einer Pflanze hineingezoomt wird, wodurch der Kontext zur Gesamtform des Blütenkopfes verschwindet. Dadurch entstanden helle, abstrakte Formen, die perfekt zur damaligen amerikanischen Kunstrichtung passten. Die Künstlerin begann sogar, ihre eigenen Blumen zu züchten, um sie für ihre Arbeit zu verwenden, und sammelte in ihrer Heimat USA auch andere Gegenstände, wie zum Beispiel Tierknochen. Sie war eine Modernistin mit durchweg abstrakten Formen und leuchtenden Farben.

O'Keeffe trug dazu bei, die amerikanische Kunst als führenden Einfluss auf die westliche Kunst zu etablieren, da in den USA ansässige Künstler jahrhundertelang hauptsächlich in die Fußstapfen ihrer europäischen Kollegen getreten waren. Die moderne Kunst sollte den Aufstieg der US-amerikanischen Kunst markieren und sie würden Meister der abstrakten Kunst werden, wobei O'Keeffe neben Künstlern wie Rothko und Pollock auftrat. Sammler wurden bald darauf aufmerksam und die Bewertungen ihrer Werke stiegen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts sprunghaft an.

Blaue und grüne Musik, amerikanischer Modernismus, Präzisionismus

Serie 1, Nummer 8 von Georgia O'Keeffe

Pablo Picasso

Pablo Picasso arbeitete die meiste Zeit seiner Karriere auf moderne Weise, aber es wäre falsch, ihn ausdrücklich als abstrakten Künstler als solchen zu bezeichnen. Sicherlich näherte er sich an verschiedenen Stellen stilistisch dem Abstrakten Expressionismus an, war aber jemand, der Elemente der Abstraktion nutzte, anstatt sich darauf zu spezialisieren. Er beschäftigte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit dem Kubismus und dem Surrealismus, kann aber eher als moderner Künstler mit vielfältigem Schaffen eingestuft werden. Der Einfluss der afrikanischen Kunst auf seine Karriere lag hinter seinen abstrakten Figuren, aber er arbeitete zu Beginn seiner Karriere auch traditioneller.

Guernica, sein berühmtestes Kunstwerk, verband politischen Aktivismus und Kommentar mit abstrakten Formen, wobei verdrehte und verzerrte Figuren die Brutalität des Krieges darstellten. Dieses riesige Wandgemälde stellt einen bestimmten Zeitraum in der spanischen Geschichte dar, warnt aber auch allgemeiner vor den Gefahren des Krieges, die man normalerweise am besten meidet. Picassos beliebte Strichzeichnungen können auch als abstrakt betrachtet werden, da er die Kreaturen auf nur einen einzigen, sorgfältig ausgeführten Bleistiftstrich reduzierte.

Guernica abstrakte Kunst von Pablo Picasso

Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner nutzte den Abstraktionismus in seiner expressionistischen Kunst, wie das untenstehende Gemälde mit dem Titel Marzella zeigt. Er reduzierte Stadtszenen und Porträtfiguren auf wenige, lange Pinselstriche, wobei die Wahl der Farbe besonders wichtig war. Die deutsche Kunst erfreute sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts einer Reihe beeindruckender expressionistischer Maler , die in ihrer Art als teilweise abstrakt gelten können.

Ernst Ludwig Kirchner nutzte den Abstraktionismus in seiner expressionistischen Kunst, wie das untenstehende Gemälde mit dem Titel Marzella zeigt. Er reduzierte Stadtszenen und Porträtfiguren auf wenige, lange Pinselstriche, wobei die Wahl der Farbe besonders wichtig war. Die deutsche Kunst erfreute sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts einer Reihe beeindruckender expressionistischer Maler , die in ihrer Art als teilweise abstrakt gelten können.

Abstraktes Marzella-Porträt von Ernst Ludwig Kirchner

Joan Mitchell

Joan Mitchell war eine berühmte abstrakte Expressionistin aus den USA, die erst in den 1990er Jahren verstarb. Sie arbeitete ausdrucksstark mit einer gestischen Pinselführung, die einen hohen Grad an Abstraktion erreichte. Ihre flotten, langen Pinselstriche würden diejenigen begeistern, die sich mit moderner Kunst auskennen, aber diejenigen, die relativ unbekannt sind, könnten Schwierigkeiten haben, den Zweck und die Bedeutung ihrer Arbeit zu verstehen. Dies war ein ständiges Thema in der Kunst des späten 20. Jahrhunderts und hat sich bis ins 21. Jahrhundert fortgesetzt.

Mitchell arbeitete in einer Vielzahl von Medien, darunter Malerei, Druckgrafik und Pastell, und ihre Arbeit war dadurch einprägsam, dass sie oft Elemente der ursprünglichen Leinwand oder des ursprünglichen Papiers noch sichtbar ließ. Sie wurde Teil der New York School, die in der Geschichte der amerikanischen Kunst von großer Bedeutung war und dem Land zum ersten Mal half, die Europäer anzuführen. Dieser Vorteil bleibt bis heute bestehen, da New York weiterhin das Zentrum der modernen Kunst ist.

Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler war eine weitere bemerkenswerte Künstlerin, die mit dem Abstrakten Expressionismus verbunden war. Die gebürtige New Yorkerin wurde Teil der Color Field-Bewegung und wurde manchmal auch als Teil des lyrischen Abstraktionsstils bezeichnet. Einige ihrer Arbeiten in den 1950er Jahren erinnern uns an die frühen Arbeiten von Rothko, mit ausdrucksstarken Farbblöcken, die der Realität ähneln, jedoch auf fantasievolle, abstrakte Weise. Später wurden beide abstrakter, wobei Rothkos spätere Arbeiten zu seinem bekanntesten Werk wurden.

Willem de Kooning

Willem de Kooning war ein beliebter abstrakter Maler aus den Niederlanden, der später in die USA übersiedelte. Er schuf einige denkwürdige abstrakte Porträts, in denen sich alptraumhafte Gestalten von lebhaften, ausdrucksstarken Pinselstrichen unterscheiden ließen. Sein Ansatz wird manchmal auch als Action Painting bezeichnet, bei dem aggressive Farbtupfer mit den Emotionen des Künstlers in Verbindung treten, während er schnell arbeitet, und Bilder direkt aus den Tiefen seines Geistes und seiner Seele liefern.

Franz Kline

Franz Kline war ein amerikanischer Actionmaler, der sich in einem Schlüsselmoment im Aufstieg der amerikanischen Kunst in New York niederließ. Seine Arbeit war abstrakt und stützte sich oft auf einfache Linienanordnungen, wobei hinter seiner Arbeit eine größere Bedeutung steckte. Kline gilt nach wie vor als einer der führenden Vertreter der New Yorker Ära und wird auch heute noch gefeiert, obwohl er in relativ jungen Jahren verstarb. Er war auch einer Reihe anderer verwandter Künstler aus dieser Zeit bekannt und beteiligte sich an der breiteren Kunstszene.

Josef Albers

Josef Albers war ein Meister der geometrischen Abstraktion und formulierte ebenso wie frühere abstrakte Künstler wie Kandinsky und Klee Theorien über den Einsatz von Farbe in der Kunst. Dieser deutsche Künstler beeindruckte auch in anderen Medien, einschließlich Buntglasfenstern, und war ursprünglich kein moderner Künstler. Der geometrische Abstraktionismus erfreute sich im Laufe der Zeit zunehmender Beliebtheit und gilt als wichtige Unterströmung der gesamten modernen Kunstszene.

Cy Twombly

Cy Twombly war ein bedeutender amerikanischer Maler, der Künstler wie Jean-Michel Basquiat inspirierte. Er sollte ein Weltstar werden und stellte regelmäßig sowohl in den USA als auch in einer Reihe europäischer Länder wie Frankreich, Italien und Großbritannien aus. Er arbeitete in einer wirklich abstrakten Art und Weise, wobei nur wenige einen Bezug zu realen Elementen erkennen konnten, was ihn zunächst in die Kritik zog, bevor später die Qualität seiner Arbeit besser verstanden wurde.

Howard Hodgkin

Howard Hodgkin war ein britischer Maler, der abstrakt mit ausdrucksstarken, dicken Pinselstrichen arbeitete. Er erzielte in Großbritannien Erfolge, selbst zu einer Zeit, als die Abstrakten Expressionisten hauptsächlich in New York, USA, arbeiteten. Später erhielt er den Turner-Preis, einen prestigeträchtigen Kunstpreis, und er gilt nach wie vor als einer der führenden britischen modernen Künstler, der erst vor relativ kurzer Zeit im Jahr 2017 in London verstarb. Ausstellungen seiner Arbeiten in Großbritannien waren häufig und zeigten die Wirkung, die er hatte er machte im ganzen Land.

Die Ursprünge der abstrakten Kunst und des Abstraktionismus in der Kunst

Es gab eine Reihe verschiedener Faktoren, die zum Aufstieg des Abstraktionismus in der Kunst im frühen bis mittleren 20. Jahrhundert führten. Die Fotografie war zu dieser Zeit eine Disziplin, die zunehmend an Interesse gewann, und dies führte zu neuen Denkweisen in der Kunst, wie etwa Komposition, Blickwinkel, Beleuchtung und mehr. Darüber hinaus bewirkten die großen Meister des Impressionismus auch einen Richtungswechsel in der europäischen Kunst, der sich später zur Abstraktion entwickelte.

Im Anschluss an einige dieser Entwicklungen bildeten sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Reihe kleiner Gruppen, die schließlich zu einem Kollektiv führten, das als abstrakte Kunst bekannt ist, oder zumindest einen Vorläufer dafür darstellte. Dazu gehörten der Neoplastizismus, der ausdrücklich und offen eine Bewegung zur Abstraktion anstrebte, sowie der russische Suprematismus und die Bauhaus-Bewegung in Deutschland. Alle hatten eine Theorie hinter ihrer Arbeit, und es war klar, dass hinter der abstrakten Kunst viel Gedanke steckte und nicht nur eine einfache ästhetische Darstellung.

Vorgänger und Einflüsse: Abstrakte Elemente in der traditionellen Kunst

Elemente der abstrakten Kunst tauchten in vielen außereuropäischen Kulturen auf, lange bevor die Westler begannen, diese Ideen zu nutzen. Bekanntlich lieferte die afrikanische Kunst in diesen Gemälden und Skulpturen abstrahierte Figuren, von denen einige Künstler wie Picasso inspirierten, auch in seiner Herangehensweise an den Kubismus. Typischerweise reduzierten afrikanische Künstler eine menschliche Gestalt auf eine kleine Reihe von Details und verlängerten vielleicht sogar Gliedmaßen auf eine Weise, die später bei den Manieristen des 16. Jahrhunderts zu finden war.

Neben der afrikanischen Kunst konnten auch andere Beispiele der Abstraktion in der islamischen Kunst und Architektur gefunden werden, teilweise aufgrund ihres beeindruckenden Verständnisses der Geometrie, aber auch aufgrund ihrer Verwendung von Kalligraphie und anderen Techniken, die sie von dem Wunsch abhielten, Gegenstände nur in einem Bild darzustellen völlig realistische Art und Weise. Die Ausbreitung der Kulturen bis zum 20. Jahrhundert dürfte es einigen dieser künstlerischen Ideen ermöglicht haben, sich auf der ganzen Welt zu verbreiten, so wie wir es heute durch die Technologie sehen, die eine viel schnellere Verbreitung von Einflüssen ermöglicht hat.

Die Geburt der Abstraktion: Die frühen Pioniere

Die meisten der frühen Pioniere der abstrakten Kunst entwickelten sich im Laufe der Zeit zu diesem Stil, nachdem sie zu Beginn ihrer Karriere zunächst auf andere Weise gearbeitet hatten. Man kann sogar einen visuellen Leitfaden für diese Veränderungen im Laufe der Zeit sehen, wobei Piet Mondrian ein hervorragendes Beispiel dafür ist. Zunächst begann er, ausdrucksstarke Baumbilder zu malen, bevor er mit der Zeit immer abstrakter wurde und sich mit der Zeit ein Publikum aneignete. Schließlich wurden seine Szenen auf einfache Linien und Farben reduziert und sein Weg zur Abstraktion war nun abgeschlossen.

Ein weiteres Beispiel ist das Werk von Kandinsky, der mit Werken wie „Der Blaue Reiter“ von einer expressiven Malweise abwich, bevor er einen Punkt erreichte, an dem seine Bilder komplexe Reihen von Linien und Formen darstellten. Zu diesem Zeitpunkt war Farbe sein Hauptanliegen und er investierte seine Zeit in die Entwicklung von Farbtheorien, von denen andere lernen konnten. Es gab auch andere wie Picasso, die nicht zu den abstrakten Künstlern zählen, aber etwa zur gleichen Zeit begannen, abstrakte Formen in ihren Werken zu verwenden, was andere dazu ermutigte, selbst auf ähnliche Weise zu arbeiten.

Wassily Kandinsky und der Weg zur reinen Abstraktion

Viele halten Kandinsky für einen der Pioniere der abstrakten Kunst, obwohl seine Obsession für Farbe mit seiner frühen Verwendung fauvistischer und impressionistischer Stile zusammenhängt. Kandinsky begann schließlich zu erkennen, wie Farbe anstelle einer realistischen Form verwendet werden könnte, um etwas in der Kunst darzustellen, und begann sich langsam von traditionellen Methoden zu entfernen. Der Künstler würde auch beginnen zu erkennen, wie spirituelle Themen in der Kunst behandelt werden könnten, aber traditionelle Stile würden ihm dann passen.

Der Künstler begab sich dann auf eine Reise, die zunächst erkennbare Elemente innerhalb eines Ausdrucksformats umfasste, bevor die Gegenstände immer abstrakter und von der Realität losgelöst wurden, bevor seine Bilder schließlich keinerlei Verbindung zur Realität hatten, außer vielleicht im Kopf von der Künstler selbst – er hatte nun den Endpunkt seiner Reise zur völligen Abstraktion erreicht und sein Erfolg würde es anderen ermöglichen, ihm zu folgen. Sie müssten sich nicht auf diese Weise weiterentwickeln, sondern könnten direkt in die Endphase übergehen.

Piet Mondrian und der Neoplastizismus (De Stijl): Das Streben nach universeller Harmonie

Piet Mondrian wünschte sich in seiner Malerei ein klares Gleichgewicht zwischen den Elementen und fand, dass der beste Weg, dies zu erreichen, darin bestand, Elemente auf einfache abstrakte Formen zu reduzieren. Seine Gemälde im Neoplastizismus (De Stijl) tendierten dazu, nur vertikale und horizontale Linien zu verwenden, wobei diagonale Linien näher an der Natur waren und eine weniger harmonische Darstellung hatten. Im Laufe der Zeit schuf Mondrian an den Schnittpunkten seiner Linien rechteckige Bereiche und füllte diese Bereiche mit flachen Primärfarben.

Es gab viele verschiedene Ansätze zur Abstraktion, aber bei Mondrian ging es vor allem darum, gitterartige Strukturen zu schaffen, bei denen das Gleichgewicht durch die Verwendung von Linien und Farben erreicht wurde. Er liebte die Natur, stellte sie jedoch zu Beginn seiner Karriere in ausdrucksstarken Arbeiten dar, bevor er später Einflüsse des Kubismus und dann auch anderer moderner Kunstformen zeigte.

Kasimir Malewitsch und der Suprematismus: Jenseits des Objekts

Es gab eine Reihe russischer Avantgarde-Künstler, die Malewitsch zu zukunftsweisenden Ideen in seinem eigenen Werk inspirierten. Der Künstler wünschte sich eine Rückkehr zum Nullgrad der Kunst und erreichte diese sofort mit klassischen Werken wie Black Square. Er führte dieses Format mit verschiedenen Formen und sogar einer Iteration fort, bei der Weiß auf Weiß verwendet wurde, mit nur geringfügigen Farbabweichungen.

Der Suprematismus führte zu komplexeren Anordnungen, die jedoch immer noch sehr abstrakt waren. Rechtecke und Linien variierten in der Volltonfarbe, und zu diesem Zeitpunkt war klar, dass russische Künstler dazu beitragen konnten, die Richtung der europäischen Kunst zu beeinflussen, auch wenn sie innerhalb ihres eigenen Landes mit Hindernissen konfrontiert waren. Viele zogen nach Mitteleuropa oder stellten dort zumindest regelmäßig aus, da sie in Ländern wie Deutschland freundlicher aufgenommen wurden.

Jackson Pollock und Action Painting: Das Unbewusste einfangen

Die Techniken von Jackson Pollock waren höchst ungewöhnlich und wurden später als Action Painting bekannt. Er verteilte große Leinwände und andere Materialien auf dem Boden, bevor er auf scheinbar zufällige Weise Farbe darauf spritzte und warf. Er hat tatsächlich viel über die Dinge nachgedacht, auch über die Farbe und auch über die Art und Weise, wie er die Farbe auftrug. Das Ergebnis dieses Prozesses war jedes Mal Originalkunst, die nie reproduziert werden konnte. Im Laufe der Zeit erregte sein zeitgenössischer Stil Aufmerksamkeit und Unterstützung, und Pollock bleibt einer der berühmtesten abstrakten Künstler aller Zeiten.

Konstruktivismus: Kunst als soziale und politische Kraft

Der Konstruktivismus wurde von einer Reihe russischer Künstler geprägt, darunter Wladimir Tatlin, Alexander Rodtschenko und El Lissitzky. Sie betrachteten bestehende Kunsttraditionen als Luxus der Reichen und wollten die Dinge in eine neue Richtung lenken, die es anderen Teilen der Gesellschaft ermöglichte, sich zu engagieren. Sie stützten sich bei einem Großteil ihrer Arbeit auf geometrische Formen und nutzten auch alle möglichen Materialien, darunter Metall, Glas und Kunststoffe. Später wurden gemischte Medien zu einem gängigen Merkmal der modernen Kunst, doch zur Zeit des Konstruktivismus war ihre Einbeziehung bahnbrechend.

Vladimir Tatlin und diese verwandten Künstler trugen dazu bei, Kunst in den Alltag zu bringen und Funktionalität in Designelemente zu integrieren. Die Bewegung wurde durch politische Probleme in ihrem Heimatland Russland beendet, und die Avantgarde-Kunst wurde schnell als Herausforderung für die Autorität angesehen, die gestoppt und entmutigt werden musste. Diese Situation setzte sich später für die deutschen Expressionisten und schließlich für eine Reihe europäischer Maler fort, die in die USA übersiedelten, die schließlich zum globalen Zentrum der modernen Kunst wurden.

Abstraktion in Lateinamerika: Eine einzigartige Perspektive

Die europäische Kunst beeinflusste die Lateinamerikaner im gesamten 20. Jahrhundert und führte schließlich dazu, dass eine Reihe lateinamerikanischer abstrakter Künstler zum ersten Mal auftraten. Sie übernahmen Elemente aus Europa, implementierten aber auch eine Reihe einzigartiger Aspekte ihrer eigenen Kulturen, darunter Symbolik, Religion, Farbe und Mode. Künstler wie Tomás Maldonado, Gyula Kosice und Rhod Rothfuss waren einige der größeren Namen, die auftraten, und es gab auch eine Reihe von Wandmalern, die mit Abstraktion experimentierten, wie Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros und José Clemente Orozco.

Lygia Clark, Hélio Oiticica und Lygia Pape waren in Brasilien mit der Installationskunst verbunden und wurden als Bewegung der Konkreten Kunst bekannt, einem hochmodernen Kunststil, der viele Elemente kombinierte, darunter auch europäische abstrakte Kunst. Es muss daran erinnert werden, dass sich die Europäer ursprünglich von Ideen aus dem Ausland inspirieren ließen und dieser Zyklus sich daher immer wieder fortsetzte und sich nach dem Aufstieg der Technologie in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts beschleunigte.

Afroamerikanische Künstler und abstrakter Expressionismus

In Anbetracht ihrer Ursprünge war es eine interessante Entwicklung, dass sich im Laufe des 20. Jahrhunderts viele afroamerikanische Künstler mit abstrakter Kunst beschäftigten. Es war nützlich für politische Botschaften, die in vielen ihrer Arbeiten üblich waren. Die abstrakte Kunst war ursprünglich teilweise von afrikanischer Kunst inspiriert, und so schien diese Entwicklung völlig organisch. Es ist äußerst bedauerlich, dass viele in der Kunstwelt genauso gelitten haben wie anderswo in der Gesellschaft, aber im Laufe der Zeit haben immer mehr afroamerikanische Künstler mehr Möglichkeiten erhalten, ihre Talente zu zeigen, und wahrscheinlich sind in Zukunft weitere Verbesserungen auf dem Weg.

Norman Lewis, Alma Thomas, Ed Clark, Bob Thompson und Jack Whitten sind einige der großen Namen, die es zu diesem Thema zu erforschen gilt, und es wäre falsch, sie zu restriktiv zu kategorisieren, da sie offensichtlich alle über viele einzigartige Stärken verfügten, die zusammen dazu beigetragen haben Impulse für afroamerikanische Künstler in den USA schaffen. Jean Michel-Basquiat wurde vielleicht der berühmteste von allen, und sein Vermächtnis ist riesig, er wurde vor allem bei jüngeren Generationen zu einer beliebten Figur.

Künstlerinnen und abstrakte Kunst: Die männliche Dominanz herausfordern

In der Ära des Impressionismus traten zahlreiche Malerinnen auf, und von da an traten auch andere Frauen in den folgenden Stilrichtungen auf. Was die abstrakte Kunst betrifft, erinnern wir uns an Künstler wie Lee Krasner, Joan Mitchell und Helen Frankenthaler, die alle abstrakte Expressionisten waren. Daneben gab es noch viele andere berühmte Malerinnen, die sich auf eine Reihe anderer Zweige der abstrakten Kunst verteilten. Georgia O'Keeffe machte auf die Schönheit von Blumen und Tierknochen in neuen modernistischen Formen aufmerksam.

Hilma af Klint leistete auch einen wichtigen Beitrag zur Verwendung von Geometrie und einfachen Formen in der Kunst, obwohl ihr Einfluss bis vor relativ kurzer Zeit nicht wirklich verstanden wurde. Agnes Martin, Bridget Riley und Carmen Herrera gehören zu der neuen Generation von Frauen, die weiterhin die Richtung der modernen Kunst beeinflussen. Kuratoren waren in den letzten zwei Jahrzehnten eher bereit, sogar proaktiver, mehr ihrer Arbeiten auszustellen, was in den nächsten Generationen möglicherweise mehr Frauen dazu ermutigen könnte, sich in der Branche zu engagieren.

Digitale abstrakte Kunst: Technologie als neues Medium

Fortschritte in der Technologie haben Künstlern neue Möglichkeiten eröffnet. Erstens können nun auch Menschen außerhalb der großen Kunstzentren ihre Werke bekannt machen, indem sie Gemälde und Zeichnungen in sozialen Medien oder per E-Mail teilen. Künstler können sogar zusammenarbeiten, während sie sich an verschiedenen Orten befinden, und vorhandene Arbeiten nach Belieben übernehmen. Tablets und manchmal auch Mobiltelefone können zum Zeichnen verschiedener Kreationen verwendet werden, wobei die Bearbeitungsoptionen es Künstlern ermöglichen, Arbeiten einfach zu korrigieren. Ausstellungen von Arbeiten, die mit diesen Werkzeugen durchgeführt wurden, sind mittlerweile weit verbreitet, und die Unterstützung für diese Werkzeuge nimmt zu.

Die neueste Entwicklung betrifft die KI-Kunst, die es Nicht-Künstlern möglicherweise ermöglichen wird, mit nur wenigen Eingabeaufforderungen selbst Originalwerke zu schaffen. Dies kann zu einigen Problemen hinsichtlich Integrität und Qualität führen, könnte aber auch viele Vorteile mit sich bringen und die Produktivität derjenigen steigern, die im kommerziellen Bereich der Kunst arbeiten, beispielsweise professionelle Illustratoren. Es ist wichtig, dass KI als Werkzeug und nicht als Ersatz für Kreativität und technisches Wissen eingesetzt wird, sonst könnte der Respekt verloren gehen, der Künstlern entgegengebracht wird.

Die alltägliche Fotografie ist seit vielen Jahren eine angesehene Kunstdisziplin, gilt aber auch als eine auf Technologie angewiesene Kunstform. Durch die Integration von Kameras in Mobiltelefone kann jeder unterwegs fotografieren, auch wenn die Qualität natürlich schwankt. Für viele kann die Fotografie ein Einstieg in die Kunstwelt sein, und insgesamt überwiegen ihre Vorteile ihre Nachteile.

Die Zukunft der abstrakten Kunst: Trends und Innovationen

Die Zukunft der abstrakten Kunst sieht spannend aus und viele potenzielle Innovationen warten darauf, auf den Markt zu kommen. Obwohl die abstrakte Kunst erstmals im frühen 20. Jahrhundert aufkam, ist sie auch heute noch stark vertreten, wenn auch unter anderem Deckmantel. Technologie wird sich wahrscheinlich auf alle Formen der Kunst auswirken, und das wird bei den nächsten Erscheinungsformen der abstrakten Kunst sowie der modernen Kunst im Allgemeinen eine Rolle spielen. Weltweit dürfte es eine größere Verbreitung von Künstlern geben und möglicherweise werden sich viel mehr Kulturen mit der Abstraktion befassen, da die Nutzung des Internets die Konnektivität auf der ganzen Welt erhöht.