Künstler der 19. Jahrhunderts

Das 19. Jahrhundert brachte eine Fülle neuer Kunstrichtungen hervor, die eine Abkehr von den traditionellen Methoden der Vergangenheit darstellten. Es gab auch viele technologische Fortschritte, die sich auf die gesamte europäische Gesellschaft auswirkten.

In den frühen Jahren des 19. Jahrhunderts kam es zunächst zu einer Fortsetzung der Stile des späten 18. Jahrhunderts, etwa des Neoklassizismus und der Romantik.

Es gab auch eine anhaltende Nutzung der akademischen Kunstbewegung, die eng an der formalen Lehre festhielt und in Frankreich besonders prominent war, obwohl diese Bewegung gegen Ende des Jahrhunderts allmählich zu verschwinden begann, da sie die Grundlage für einen Großteil des Erfolgs Frankreichs in der Kunst war Seit einigen Jahren Kunst.

Im Laufe dieser letzten 100 Jahre kam es jedoch zu neuen Ausdrucksformen wie dem Impressionismus, gefolgt vom Postimpressionismus . Diese legen den Grundstein für den Aufstieg der Expressionisten im frühen 20. Jahrhundert und einen Vorstoß zur modernen Kunst im Allgemeinen.

Anhaltende Stärke des Neoklassizismus und der Romantik

Der Neoklassizismus setzte sich in der bildenden Kunst bis ins frühe 19. Jahrhundert fort, während die Architektur ihre Qualitäten bis weit ins 21. Jahrhundert hinein unter Beweis stellte. Die Bewegung begann um 1760 und war daher um die Jahrhundertwende gut etabliert. Wir wurden Zeuge der letzten zwei Jahrzehnte von Jacques-Louis David , bevor er den Staffelstab an einen seiner hochqualifizierten Schüler weitergab, nämlich Jean-Auguste-Dominique Ingres , der bis 1867 lebte.

Während Ingres in der zweiten Hälfte seiner Karriere in den Orientalismus abdriftete, gesellte sich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, als Künstler wie Caspar David Friedrich , Eugène Delacroix und Philipp Otto Runge die meisten Werke schufen, zum Neoklassizismus selbst die beträchtliche Dynamik der Romantik ihrer besten Arbeiten. Neoklassizismus und Romantik bedienten zwei sehr unterschiedliche Geschmäcker und ermöglichten es ihnen, mehrere Jahrzehnte lang nebeneinander zu existieren.

Diejenigen, die genaue, klinische Kunst schätzten, würden sich dann der Realismus-Bewegung zuwenden, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts aufkam und Künstler wie Gustave Courbet und Ilya Repin hervorbrachte , wobei sich dieser Ansatz auf dem gesamten europäischen Kontinent verbreitete.

Langsamer Niedergang der akademischen Kunst

Akademische Kunst war ein Stil, der von vielen europäischen Kunstakademien gelehrt und gefördert wurde, die im 19. Jahrhundert, insbesondere in Paris, Frankreich, eine große Bedeutung hatten. Die französische Académie des Beaux-Arts war besonders bekannt und eine Reihe von Künstlern, die ihre strengen technischen Ausbildungsmethoden durchliefen, versuchten, die Qualitäten des Neoklassizismus und der Romantik miteinander zu verbinden.

Viele der anderswo in Europa gegründeten Kunstakademien ließen sich vom französischen Modell inspirieren. In den Reihen der akademischen Institutionen kam es häufig zu Konflikten darüber, welche Künstler verfolgt werden sollten, und diese Probleme hielten über Jahrhunderte an. Letztendlich gerieten die von diesen Institutionen abgeleiteten Stile gegen Ende des 19. Jahrhunderts allmählich aus der Mode, und verschiedene Künstlerkollektive förderten eine ausdrucksstärkere Arbeitsweise.

Auch das Kunstpublikum schien sich etwas Neues und Frisches zu wünschen, wobei der Realismus etwas Reales und Natürliches einbrachte und den scheinbar idealisierten Darstellungen der akademischen Kunst entgegentrat. Viele der künstlerischen Institutionen aus dieser Zeit existieren noch heute, ihr Einfluss hat jedoch erheblich nachgelassen, insbesondere weil das Kunstpublikum heute eine große Vielfalt an Geschmäckern hat, die die gesamte Bandbreite der Kunstgeschichte abdecken.

Der Realismus bietet Darstellungen der Alltags- und Gegenwartswelt

Bald nach der Französischen Revolution von 1848 kam es in ganz Frankreich zum Aufschwung der realistischen Kunstbewegung. Es spiegelte ein Interesse am einfachen Mann und einen Drang zur sozialistischen Politik wider. Das Wesen des Realismus bestand darin, eine natürliche Welt genau so darzustellen, wie wir sie alle sehen würden, und nicht zu versuchen, idealisierte Versionen zu schaffen oder Elemente des Übernatürlichen einzubeziehen.

Diese Ehrlichkeit wurde von einigen prüderen Kunstanhängern sofort abgelehnt und als hässlich empfunden, aber ihre Popularität in der Öffentlichkeit wuchs weiter und so verbreiteten sich ihre Stile und Techniken im übrigen Europa. Landschaftsszenen machten einen großen Teil seines Oeuvres aus, aber der Realismus hielt auch das Leben einfacher Menschen bei der Arbeit fest.

Diejenigen, die in der Landwirtschaft tätig waren, waren ideale Themen, ebenso wie andere Teile der arbeitenden Armen auf dem Land. Ihr Leben würde als hart dargestellt werden, aber ohne die gleichen Tragödien oder extremen Emotionen, die man in der Romantik zu Beginn des 19. Jahrhunderts hätte finden können.

Repins Arbeit in Russland liefert dafür vielleicht die besten Beispiele, mit klassischen Werken wie Barge Haulers on the Volga (1870–1873), Religious Procession in Kursk Province (1880–1883) und Reply of the Zaporozhian Cossacks (1880–1891). Russland selbst würde innerhalb der Kunstbewegung des Realismus, zu der auch Künstler wie Wassili Surikow (1848-1916) gehörten, große Erfolge erzielen, wobei ein neuer Ableger dann die Bewegung des Sozialistischen Realismus bildete.

In Frankreich war Gustave Courbet (1819–1877) ein umstrittener, aber hochbegabter Künstler, der mit klassischen Werken wie „ Die Steinbrecher “ (1849), „ Bonjour, Monsieur Courbet“ (1854) und „Ein Begräbnis in Ornans“ (1849–50) die Bewegung des Realismus anführte ). Er nutzte seine Arbeit, um seine sozialistischen Werte zu vermitteln, insbesondere zu Beginn seiner Karriere, aber die Qualität seiner Technik sorgte dafür, dass auch Menschen mit gegensätzlichen politischen Ansichten sein Werk bewundern konnten. Elemente der Realismus-Bewegung fanden sich in späteren europäischen Künstlerkollektiven wie der französischen Schule von Barbizon und der Düsseldorfer Malerschule wieder.

Der Aufstieg der Impressionisten

Die Entstehung der impressionistischen Bewegung wäre die bedeutendste künstlerische Entwicklung in Europa im 19. Jahrhundert. Es war die letzte Phase im Aufstieg der Landschaftsmalerei, die erst wenige Jahrhunderte zuvor zu einem angesehenen Genre geworden war.

Die Innovationen der Impressionisten führten zu einer Beherrschung von Licht und Atmosphäre, wobei viele der gleichen Themen unter veränderten Bedingungen wieder aufgegriffen wurden. Claude Monet sollte die Bewegung anführen, und zu anderen bemerkenswerten Mitwirkenden gehörten Persönlichkeiten wie Pierre-Auguste Renoir und Edgar Degas . Dieses aufgeschlossene Künstlerkollektiv entschied sich, sich zu organisieren, nachdem es von den Traditionalisten der französischen Kunst immer wieder abgelehnt wurde, was sie dazu zwang, sich zusammenzuschließen und regelmäßig Ausstellungen in und um Paris zu veranstalten.

Ihr Stil war locker und entspannt, mit ungefähren Pinselstrichen, die ein Gefühl oder einen Eindruck von einem Ort vermittelten, anstatt zu versuchen, ihn fotorealistisch wiederzugeben. Anfangs galt ihre Arbeit als unvollständig, ja sogar als faul, aber dieser neue Ansatz begann langsam, Unterstützung in der Kunstöffentlichkeit zu finden, und französische Institutionen waren schließlich gezwungen, selbst Notiz davon zu nehmen.

Diese Rückkehr zur Natur in der Kunst wurde durch die Industrialisierung Westeuropas hervorgerufen, als die Menschen in den ausgedehnten, erstickenden Metropolen das Bedürfnis verspürten, der Realität zu entfliehen. Monet selbst erweiterte sein Oeuvre um Architektur und experimentierte mit Blickwinkeln, Jahreszeiten und klimatischen Bedingungen, um große Werkserien zu einem einzigen Schwerpunkt zu veröffentlichen.

Bekanntermaßen legte er in Giverny seinen eigenen Garten an, um solche Veränderungen bequem von seinem eigenen Grundstück aus zu studieren. Die Gestaltung dieses Gartens war stark von der japanischen Kultur beeinflusst, die sich zu dieser Zeit in ganz Europa auszubreiten begann. Die Impressionisten waren auch für ihre Techniken im Freien bekannt, bei denen Künstler im Freien arbeiteten, um eine bessere Verbindung mit der sie umgebenden Umgebung herzustellen.

Postimpressionisten weisen in die Zukunft

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begannen europäische Künstler, über die Ära des Impressionismus hinauszuschauen und zu experimentieren, wie ihre Ideen weiter ausgebaut werden könnten. Das Ergebnis wäre eine weitere Abkehr von der Realität, bei der Form und Struktur vom Künstler angepasst würden. Einer der angesehensten Postimpressionisten war Paul Cezanne , der fraktale Bilder von Landschaftsgemälden schuf, bei denen die Winkel geändert wurden und eine dreidimensionale Form in diesen zweidimensionalen Kunstwerken präsentiert wurde.

Entscheidend ist, dass dieser Ansatz den Kubisten, die im frühen 20. Jahrhundert folgten, als Inspiration diente. Vincent van Gogh brachte mit seinen kontrastierenden Farbschemata Kühnheit in die europäische Kunst, die das Publikum schockierte und begeisterte. Obwohl der Künstler zu seinen Lebzeiten keinen kommerziellen Erfolg hatte, steuerte er einige der berühmtesten Gemälde der Welt bei, darunter „Sonnenblumen“ und „Sternennacht“.

Manche hielten seine Methoden für kindisch, erfreuen sich aber bis heute großer Beliebtheit, und viele der Öffentlichkeit sind auch von dem Künstler hinter ihnen besessen, der ein turbulentes Leben führte, das die Emotionen seiner Arbeit widerspiegelte. Georges Seurat brachte eine neue Technik namens Pointillismus in die französische Kunst ein, die mit dem Postimpressionismus verwandt war und weitere Experimente mit Farbe nutzte.

Umweltschutz und Kunst vereinen sich in der amerikanischen Hudson River School

Einige glauben, dass die Hudson River School die erste große amerikanische Kunstbewegung war und dank einer Reihe hochqualifizierter und leidenschaftlicher Landschaftsmaler die natürliche Schönheit dieses jungen Landes veranschaulichen sollte. Künstler wie Thomas Cole , Frederic Edwin Church und Albert Bierstadt kombinierten Elemente europäischer Kunst mit der einzigartigen Umgebung dieser Region und versuchten, die Welt daran zu erinnern, wie wichtig es ist, die Natur zu schützen und zu schätzen.

Tatsächlich lebten einige der Künstler von Zeit zu Zeit tatsächlich in den Nationalparks, die ihre Arbeit inspirierten, und machten sich zunehmend Sorgen über den anhaltenden Eingriff der Menschheit in diese heiligen Umgebungen. Dies wurde durch die industrielle Revolution beschleunigt, in der die westliche Welt begann, Geld und Industrie über traditionellere Werte zu stellen.

Ähnliche Werte wurden im Vereinigten Königreich von viktorianischen Künstlern vertreten, was zur Entstehung der Arts and Crafts-Bewegung führte, deren Ziel es war, traditionelle künstlerische Techniken vor der zunehmenden Automatisierung zu schützen.

Der Jugendstil umfasst Natur und dekorative Kunst

Der Jugendstil war eine Sammlung europäischer Bewegungen, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert entstanden und sich auf ornamentale Gestaltung und Illustration konzentrierten und sich dabei von der Natur inspirieren ließen. Ihre Arbeiten umfassten ein breites Spektrum an Formen, darunter Schmuck, Möbel, Architektur und bildende Kunst.

Ihre Arbeit hat nach wie vor großen Einfluss auf das moderne Grafikdesign und ihre berühmtesten Mitwirkenden wie Alphonse Mucha und Gustav Klimt sind nach wie vor bekannte Namen.

Der Begriff Jugendstil dient als Dachbegriff, der Gruppen aus Frankreich, Belgien, Deutschland, Österreich, Großbritannien und anderen Ländern umfasst, darunter das Bauhaus, die Wiener Secessionisten, Art Deco und viele mehr. Dank einiger wirkungsvoller Plakatentwürfe, die die Straßen von Paris schmückten, um für große Produktionen zu werben, gab es auch Einfluss auf das Theater.

Kunst im viktorianischen England

Die britische viktorianische Ära bezieht sich im Allgemeinen auf die Zeit zwischen 1820 und 1914. Die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde von den Werken der romantischen Maler John Constable und JMW Turner dominiert , die in dieser Ära ihren Höhepunkt erreichten und ein Erbe hinterließen, das sich später auf das Französische ausbreitete Kunst in Form der Impressionisten.

Sie wurden bald darauf durch die Präraffaeliten ersetzt, die sich mit komplizierten, bezaubernden Szenen von der mittelalterlichen Literatur und Mythologie inspirieren ließen. Einige ihrer Mitwirkenden beschäftigten sich auch mit den traditionellen Techniken der Buntglasfenstergestaltung.

Außerdem kam es zum Aufstieg des Ästhetizismus, der die Schönheit der Kunst um der Kunst willen förderte. In diese Ära passte die Arts-and-Crafts-Bewegung mit Künstlern wie William Morris , in der traditionelle Methoden geschützt wurden. Stilvolle Muster würden Möbel schmücken, in einer Kreuzung mit der bildenden Kunst.