Künstler der 18. Jahrhunderts

Das frühe 18. Jahrhundert erlebte das Ende des Barock und den Vorstoß in eine neue Richtung in der europäischen Kunst, einschließlich der Kunstrichtungen Romantik und Neoklassizismus.

Das Europa des 18. Jahrhunderts wird oft als das Zeitalter der Aufklärung bezeichnet. Diese Ära ist für eine Entwicklung in Wissenschaft, Politik und Philosophie bekannt, die von einer erneuten Konzentration auf die Vernunft angetrieben wurde. Diese Neuausrichtung führte dazu, dass Künstler sich von der Extravaganz des Barock entfernten und sich der Phase des Rokoko zuwandten, bevor diese in die Bereiche der Kunstgeschichte abdriftete.

Es wird allgemein angenommen, dass das Zeitalter der Aufklärung vom späten 17. Jahrhundert bis zu den Napoleonischen Kriegen im Jahr 1815 dauerte, in denen sich die europäische Gesellschaft erheblich veränderte.

Rokoko-Kunst mit ihren verspielten und skurrilen Darstellungen

In der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts kam es zum Aufschwung des Rokoko, das von vielen als Spätbarock bezeichnet wird. Es handelte sich um einen außergewöhnlich aufwändigen künstlerischen Stil, der in Frankreich begann und eine Reihe künstlerischer und architektonischer Disziplinen umfasste, darunter Möbeldesign und Wandteppiche.

Der Rokoko-Ansatz verwendete oft Pastelltöne und lieferte bezaubernde Szenen, die einen Sinn für Spaß und Humor verkörperten. Die Variationen in der Beleuchtung waren zurückhaltender als in früheren Phasen des Barock und diese Periode brachte bedeutende Namen wie Giovanni Battista Tiepolo (1696–1770), Antoine Watteau (1684–1721), François Boucher (1703–1770) und Jean Honoré hervor Fragonard (1732-1806).

Das Rokoko erfasste die Essenz des französischen Designs mit einer Extravaganz, die weder durch Regeln noch durch Einschränkungen beeinträchtigt wurde. Die Ansichten über seinen Stil waren gespalten, viele in der Öffentlichkeit schätzten seine übermäßige Kreativität, während andere ihn für unlogisch und oberflächlich hielten.

Sein Einfluss auf das Möbel-, Keramik- und Uhrendesign erfreut sich noch größerer Beliebtheit als sein Beitrag zur Malerei, wobei viele seiner berühmtesten Maler in jüngster Zeit bei Kunsthistorikern aus der Mode gekommen sind.

Neoklassische Malerei: Wiederbelebung klassischer Ideale

Als direkte Reaktion auf die Auswüchse des Rokoko kam es durch die neoklassizistische Kulturbewegung zu einer Rückkehr zu traditionelleren Werten. Einfachheit und Struktur waren nun an der Tagesordnung, und diese Methode schien ideal für die Disziplin der Architektur geeignet zu sein, wo sie eine herausragende Rolle spielte.

In den frühen 1760er Jahren sahen wir die ersten Anzeichen des Neoklassizismus, gerade als die letzten Reste des Barock verblassten. Einige Jahrzehnte später erschien die Romantik, und beide kämpften in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts um die Vorherrschaft in der europäischen Kunst. Der Neoklassizismus markierte, wie der Name schon sagt, eine Rückkehr zu Einflüssen der klassischen Antike in Kombination mit moderneren technischen Praktiken.

Zu den führenden Vertretern dieser Bewegung gehörten Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867), Jacques-Louis David (1748–1825), Anton Raphael Mengs (1728–1779), Angelica Kauffman (1741–1807) sowie Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842), der Elemente des Neoklassizismus mit einer zurückhaltenderen Verwendung des Rokoko verband.

Anfangs ließen sich einige Künstler von Raffael inspirieren, da es an klassischen Gemälden aus dem antiken Griechenland und Rom mangelte, doch die Ankunft von Jacques-Louis David haucht dieser Bewegung neues Leben ein und sorgt für Aufregung und Dramatik, die die Reproduktion alter Bräuche ablöst mit Sinn für Innovation. David war bald führend in französischen Kunstkreisen, und einer seiner Schüler, Ingres (1780-1867), konnte diesen Erfolgskurs in späteren Generationen fortsetzen.

Während der Rokoko-Stil von einigen als vulgär und hemmungslos angesehen wurde, wurde der Aufstieg des Neoklassizismus auch durch die Entdeckung der römischen Ruinen von Pompeji sowie durch eine Veröffentlichung eines deutschen Gelehrten über die Geschichte der antiken Kunst aus dem Jahr 1764 eingeläutet Winckelmann, die beide die Europäer an die vielen Stärken erinnerten, die klassische Kunst und Design zu bieten hatten.

Im Bereich der Bildhauerei war Antonio Canova (1757-1822) der am meisten verehrte Vertreter dieses Mediums, obwohl er auch einige der Emotionen des Barock in sein Werk einfließen ließ.

Französische und deutsche Romantik: Emotion und Individualismus

In einer Zeit politischer und gesellschaftlicher Instabilität in Europa erlebte das späte 18. Jahrhundert den Aufstieg einer Kunstrichtung, die für ihre visuelle Darstellung von Emotionen berühmt war: der Romantik. Sie bot etwas anderes als die aufkommende Kunst des Neoklassizismus, ermöglichte einen leichteren Ausdruck und die Erforschung der Vorstellungskraft und zog gleichzeitig erheblichen Einfluss aus der europäischen Literatur.

Frankreich und Deutschland würden die Hauptzentren dieser Bewegung sein und uns Künstler wie Eugene Delacroix , Theodore Gericault und Caspar David Friedrich bescheren , während sie in Form der Landschaftsmalerei auch die Küsten Englands erreichen würde.

Delacroix‘ „ Die Freiheit führt das Volk“ bleibt das beste Beispiel der Epoche der Romantik und schildert die Französische Revolution in einem emotionsgeladenen Umfeld. Friedrichs Wanderer über dem Nebelmeer zeigte auch, wie ein romantischer Blick auf die Naturlandschaft die Realität verbessern könnte, wenn er die Emotionen des Künstlers einbezog.

Die Literatur von William Shakespeare und Johann Wolfgang von Goethe erinnerte bildende Künstler an die Bedeutung von Emotionen und überzeugte sie, diese als Inspiration für ihre eigene Arbeit zu nutzen, sei es figurative Kunst oder Landschaftskunst. William Blake ging noch einen Schritt weiter und schuf tatsächlich Gedichte, Gemälde und Skizzen, die sich über die gesamte Romantik erstreckten und ihn als ungewöhnlich begabten Menschen auszeichneten.

Er vermied die traditionellen Wege der akademischen künstlerischen Ausbildung, und vielleicht half ihm dies dabei, die Einzigartigkeit seiner Arbeit zu bewahren und es ihm zu ermöglichen, alle Kunstmedien zu nutzen, die sein Interesse weckten, anstatt auf die gleichen formalen Wege geführt zu werden wie alle anderen anders. Im Hinblick auf die Konzentration der Romantik auf Emotionen über Vernunft hatte die europäische Kunst nun einen Kreis vom Barock über den Neoklassizismus bis hin zu diesem neuen Ansatz geschlossen, der bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts andauern sollte.

Während die Romantik in der Mitte des nächsten Jahrhunderts verblasste, gab es eine Reihe von Ablegern, die danach weiterlebten, wie die Arts-and-Crafts-Bewegung, die Symbolismus-Bewegung, die Präraffaeliten-Bruderschaft und die Düsseldorfer Malerschule . Die Präraffaeliten nutzten zum Beispiel weiterhin die Literatur als Inspiration für ihre Arbeit, und dieser besondere Stil erfreut sich bis heute großer Beliebtheit, und viele glauben, dass er die Essenz der britischen Geschichtskultur perfekt einfängt.

"British Landscape Masters": Darstellungen der Landschaft

Nachdem einige der besten europäischen Künstler der vergangenen Jahrhunderte von der wachsenden Auswahl prominenter britischer Sammler importiert worden waren, war es nun an der Zeit, einige einheimische Talente in den Vordergrund zu rücken. Landschaftskunst bot etwas typisch Britisches und fängt die atemberaubende und einzigartige Umgebung dieser historischen Insel ein.

Möglich wurde dies durch die Fortschritte anderer bei der Etablierung der Landschaftskunst als eigenständiges Genre, wie beispielsweise des französischen Malers Claude Lorrain (1600–1682), der in Italien Erfolg hatte. Anfangs war der Stil ziemlich präzise und schilderte die Realität der britischen Landschaft, wobei Künstler wie Richard Wilson (1714–1787) und Thomas Gainsborough (1727–1788) an Bedeutung gewannen.

Gainsborough selbst war neben Joshua Reynolds (1723–1792) auch ein großer Meister der Porträtmalerei, und der in Suffolk geborene Maler vermischte manchmal auch die beiden Genres, wie in dem klassischen Werk „ Mr. und Mrs. Andrews“ aus der Zeit um 1750 zu sehen ist.

Die britischen Landschaftsmeister verliehen ihren jeweiligen Regionen der Insel auch eine Identität, indem sie die Unterschiede zwischen Schottland, Wales sowie dem Norden und Süden Englands einfingen. Zu den darin gefundenen Beispielen gehörten Darstellungen von Burgen, Ruinen, üppigen grünen Feldern, gewundenen Flüssen und hoch aufragenden Bergen.

Künstler des 18. Jahrhunderts konzentrierten sich auch darauf, die Variationen einzufangen, die der Wechsel der Jahreszeiten mit sich brachte, und die Art und Weise, wie sich dies auf dieselbe Umgebung zu verschiedenen Jahreszeiten auswirkte. Als das Interesse an diesem Werk auf dem europäischen Festland zunahm, verbreitete sich das Wissen um die Schönheit der britischen Landschaft weit und breit.

Die britische Kunst von 1780 bis 1830 wurde von der Romantik dominiert, die auch große Auswirkungen auf die Literatur haben sollte. Die Emotionen kehrten wieder in die britische Ölmalerei zurück, allerdings lag der Schwerpunkt dieses Mal auf der Landschaftskunst, die im Wesentlichen die Errungenschaften dieses Genres von früher im Jahrhundert übernahm und einen neuen und aufregenden Ausdruck direkt aus der Seele des Künstlers auferlegte.

Turner (1775–1851) und Constable (1776–1837) waren die Vorreiter dieser Bewegung, und ihre Popularität in Frankreich trug dazu bei, spätere Stile wie die Impressionisten hervorzubringen, wobei Monet (1840–1926) selbst als großer Bewunderer dieser Stile galt arbeiten. Es gab auch Historiengemälde von Künstlern wie Henry Fuseli (1741–1825), James Barry (1741–1806) und John Hamilton Mortimer (1740–1779) sowie die einzigartige Kombination aus Poesie und Illustration durch das einzigartige Talent von William Blake ( 1757-1827).