Künstler der 16. Jahrhunderts

Das 16. Jahrhundert war eine Zeit bedeutender Umbrüche und Innovationen in der europäischen Kunst.

Die Epoche begann mit der Fortsetzung der italienischen Hochrenaissance mit Meistern wie Leonardo, Michelangelo und Raffael, bevor sie von der manieristischen Ära abgelöst wurde und zum Barock führte.

Die früheren Phasen der Renaissance hatten sich zu Beginn des 16. Jahrhunderts in weiten Teilen Europas ausgebreitet, und andere Regionen brachten nun ihre eigenen Variationen dieser „Wiedergeburt“ von Malerei, Bildhauerei, Architektur und Literatur bei. Neben den führenden italienischen Künstlern gab es bedeutende Akteure in Nordeuropa, darunter Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1525–1569), der sorgfältig gestaltete Landschaften beisteuerte, und Albrecht Dürer (1471–1528), der mit Holzschnitten und Stichen beeindruckte.

Entscheidend ist auch, dass wir auf dem gesamten Kontinent eine größere Vielfalt an Inhalten feststellen würden, da religiöse Kunst zwar immer noch vorherrschend war, alternative Genres jedoch erstmals an Bedeutung gewannen. Im Laufe des 16. Jahrhunderts konnten wir beobachten, dass diese Genres immer mehr Anhänger und auch mehr Geldgeber gewannen. Die Porträtmalerei umfasste nun auch weltliche Themen, wobei privat beauftragte Aufträge den angesehensten Malern neue Einnahmequellen boten.

Fortsetzung der Hochrenaissance

Die italienische Hochrenaissance dauerte von etwa 1495 bis 1520 und ihr Ende war durch den Tod eines ihrer führenden Vertreter, Raffael , sowie durch die Plünderung Roms gekennzeichnet, die große Umwälzungen in der Region mit sich brachte. Diese Zeit vereinte alle Fortschritte in der Maltechnik, die es in den früheren Phasen der italienischen Renaissance gegeben hatte, darunter eine realistischere Darstellung physischer Merkmale, eine subtilere Ausgewogenheit des Tons und eine Beherrschung der Perspektive innerhalb der bildenden Kunst.

Rom, Florenz und Venedig sollten in dieser Zeit die wichtigsten Zentren der Kreativität sein, wobei Leonardo (1452-1519), Raffael (1483-1520) und Michelangelo (1475-1564) ikonische Werke wie die Mona Lisa, David und The beisteuerten Schule von Athen während dieser relativ kurzen, aber produktiven Zeit.

Die Entstehung der Manieristen

Der Manierismus brachte längliche Formen sowohl in die Malerei als auch in die Skulptur und brachte Werke wie Tintoretto (1518–1594), Jacopo Pontormo (1494–1557), Agnolo Bronzino (1503–1572) und Parmigianino (1503–1540) in die italienische Kunstgeschichte ein. Andernorts hatte El Greco (1541-1614) mit einem ähnlichen Ansatz in Spanien Erfolg und es wurde schnell klar, dass sich der Geschmack endlich von der bahnbrechenden Ära der Renaissance entfernt hatte.

Wenn man die sich windenden, verdrehten Figuren der manieristischen Ära betrachtet, kann man sofort einen frühen Übergang zur Barockzeit erkennen, in der viele der gleichen Prinzipien verwendet, aber erweitert wurden. Beispiele für diesen neuen, ausdrucksstarken Ansatz würden sich neben Italien und Spanien auch in Frankreich und Deutschland verbreiten.

Die Absicht hinter dem manieristischen Stil bestand darin, den Künstlern die Möglichkeit zu geben, sich offener auszudrücken und damit dem zwanghaften Wunsch der Hochrenaissance entgegenzuwirken, die selbst die größtmögliche Genauigkeit anstrebte. Der manieristische Ansatz dauerte von etwa 1520 bis etwa 1600 und führte direkt in die Barockzeit. Es verbreitete sich auch in der Architektur und Bildhauerei und bescherte uns Werke wie Giambologna (1529–1608) und Benvenuto Cellini (1500–1571).

Ihre Arbeiten erfreuten sich großer Beliebtheit, da die Gesichtszüge ihrer Motive extreme Emotionen ausstrahlten, ganz ähnlich wie Caravaggios bald darauf folgendes Oeuvre. Viele der Werke aus dem 16. Jahrhundert, die traditionelle Themen auffrischten, empfanden die Zuschauer als Aufmunterung, wie El Grecos religiöse Werke zeigten. Sein Blick auf Toledo (ca. 1596–1600) war auch bahnbrechend für die Neuerfindung des Landschaftsgenres, bevor spätere Generationen dazu beitrugen, diese Kunstform im Mainstream zu etablieren.

Meisterwerke des 16. Jahrhunderts

Das erste Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts war geprägt von zwei Meisterwerken, die zu den ikonischsten Kunstwerken der Geschichte zählen: Leonardo da Vincis Mona Lisa (ca. 1503–1506) und Michelangelos David (ca. 1501–1504). In Rom erhielten wir zwischen 1509 und 1511 auch Raffaels „Schule von Athen“. Diese berühmten Werke sind nach wie vor die bekanntesten in ihren spezifischen Medien und stellten den Höhepunkt der italienischen Renaissance dar.

Durch die Kombination von historischer Bedeutung und technischer Kompetenz sind die Porträts Heinrichs VIII . von Hans Holbein dem Jüngeren auch bedeutende Höhepunkte des 16. Jahrhunderts. Die Jäger im Schnee aus dem Jahr 1565 haben das Leben in Nordeuropa perfekt eingefangen und eine Bewegung hin zur Landschaftskunst eingeläutet. Betende Hände aus dem Jahr 1508 von Albrect Dürer zeigten auch, wie Federzeichnungen als eigenständige Kunstwerke behandelt werden können und nicht nur als Hilfsmittel zum Lernen und Üben dienen.

Der Aufstieg der Druckgrafik und der grafischen Künste

Die Druckgrafik machte im 16. Jahrhundert erhebliche Fortschritte und ermöglichte erstmals die Verbreitung komplizierter Designs nordeuropäischer Künstler in der gesamten Gesellschaft. Kunst konnte nun von der breiten Masse geschätzt werden, da Holzschnitte, Stiche und Radierungen vielfach kopiert und zu wettbewerbsfähigen Preisen verkauft wurden. Im Laufe der Zeit ging der Druckprozess über die bloße Reproduktion hinaus und bot Künstlern tatsächlich weitere Ausdrucksmöglichkeiten.

Albrecht Dürer war einer der ersten Meister auf diesem Gebiet und sein außergewöhnliches Können überzeugte viele andere Künstler, sich zu engagieren. Tatsächlich waren seine Drucke leichter zu transportieren, was es seinem künstlerischen Ruf ermöglichte, sich weit über die Grenzen seiner Heimat Nürnberg hinaus auszubreiten.

Künstler des königlichen Hofes

Das 16. Jahrhundert markierte eine wichtige Periode hinsichtlich der Möglichkeiten, die Künstlern durch Höfe und königliche Aufträge geboten wurden. Diese prestigeträchtigen Spender würden Kunst als Mittel nutzen, um ihren Reichtum zur Schau zu stellen und auch die öffentliche Meinung über ihre Zeit an der Macht zu beeinflussen. Dabei kam eine breite Palette an Medien zum Einsatz, darunter Malerei, Bildhauerei, Wandteppiche und Freskenkunst, oft zur Dekoration von Gebäuden, die die Auftraggeber selbst in Auftrag gegeben hatten.

Sie suchten die besten Künstler aus ganz Europa auf und konnten ehrgeizige Projekte anbieten, die gut finanziert waren. Hans Holbein der Jüngere hatte in England großen Erfolg, indem er Heinrich VIII. diente und technisch beeindruckende Porträts des Monarchen und seiner Familienmitglieder anfertigte. Der italienische Künstler Tizian würde das Gleiche für die Habsburger in Spanien tun, während der Medici-Hof in Italien die Künste erheblich förderte und enge Beziehungen zu den meisten großen italienischen Künstlern seiner Zeit unterhielt.

Erweiterung des Umfangs der flämischen Kunst

Flämische Künstler blühten im 16. Jahrhundert weiter auf, setzten ihren Erfolg mit religiösen Andachts- und Altarbildern fort und erschlossen sich gleichzeitig neuen Genres. Am einprägsamsten waren vielleicht ihre bezaubernden Porträts, die die Persönlichkeiten der örtlichen Bauernschaft genau einfingen, während die arbeitenden Armen zuvor in der europäischen Kunst kaum berücksichtigt wurden.

Bruegel selbst ging noch einen Schritt weiter, indem er festliche Szenen des Feierns abdeckte und uns dabei half, ihr Leben in einem positiveren Licht zu sehen. Auch Genreszenen und Landschaftsbilder erfreuten sich in dieser Region großer Beliebtheit und verschafften uns einen besseren Einblick in das damalige Alltagsleben. Die Verwendung von Ölgemälden war in Nordeuropa weit verbreitet und verbreitete sich allmählich auch in Italien, wo sie ihre frühere Vorliebe für Eitempera verdrängte.

Etablierung des Genres Stillleben

Das Stillleben entwickelte sich im 16. Jahrhundert zu einem eigenständigen, angesehenen Genre, und detaillierte Darstellungen aller möglichen unterschiedlichen Objekte waren in dieser Zeit in ganz Europa zu finden. Dazu gehörten zunächst Geschirr, Blumen und Lebensmittel, bevor sich der Anwendungsbereich erweiterte, als Künstler begannen, symbolische Elemente in ihre Gemälde zu integrieren.

Diese würden zur Darstellung von Themen wie Leben, Tod, Geburt, Liebe und mehr verwendet, ähnlich wie früher mythologische und religiöse Figuren. Die Verwendung von Stillleben als Spezialisierung trug dazu bei, die Standards erheblich zu erhöhen, da viele Objekte nicht mehr als nachträglicher Einfall innerhalb einer Hintergrundszene behandelt wurden, sondern nun im Mittelpunkt der Komposition standen.

Diese Fortschritte waren am häufigsten in der niederländischen Kunst zu finden, wo Künstler wie Pieter Aertsen (1508–1575) Stillleben und Genremalerei in einer Reihe beliebter und leicht zugänglicher Kompositionen kombinierten.

Entwicklung der Skulptur im 16. Jahrhundert

Skulpturen blieben auch im 16. Jahrhundert ein wichtiges Medium, und vor allem kam es im Vergleich zu den früheren Perioden der Renaissance zu einer Wiederbelebung klassischer Einflüsse. Michelangelo zum Beispiel kombinierte diese Anspielungen auf die Vergangenheit auch mit einer noch nie dagewesenen Genauigkeit der Anatomie.

Ähnlich wie in der Malerei und Freskenkunst gab es im 16. Jahrhundert eine größere Auswahl an Spendern, was den Künstlern etwas mehr Freiheit ließ. Private Aufträge zur Dekoration von Palästen und Gärten eröffneten den Bildhauern des 16. Jahrhunderts neue Möglichkeiten, und sie begannen auch, mit neuen Stein- und Metalloptionen zu experimentieren.

Übergang ins Barock

Viele der Stars des Barock wurden im späten 16. Jahrhundert geboren. Diese Bewegung, die die europäische Kunstszene des 17. Jahrhunderts dominierte, blieb vor allem für ihre beeindruckende Größe, den dramatischen Einsatz von Licht und den Fokus darauf, die Emotionen des Betrachters hervorzurufen, vielleicht mehr als seinen Intellekt, in Erinnerung. Was die Farben anbelangt, verwendeten die meisten Barockkünstler eine warme Palette, die für eine fröhliche Atmosphäre sorgte, die dem Geschmack der Zeit entsprach.

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts erreichten Künstler wie Caravaggio (1571-1610) ihren Höhepunkt, der dann die Richtung der folgenden Generationen europäischer Kunst beeinflussen sollte.

Außerhalb Italiens war Nordeuropa erneut sehr einflussreich. Neben dem Aufstieg von Persönlichkeiten wie Peter Paul Rubens (1577–1640) lieferte das späte 16. Jahrhundert auch frühe Beiträge zum niederländischen Goldenen Zeitalter, das wiederum berühmte Namen wie Frans Hals (1582–1666), Rembrandt (1606) hervorbrachte -1669) und Vermeer (1632-1675).

Daher markierte die europäische Kunst des 16. Jahrhunderts einen Übergang vom Höhepunkt der Renaissance zu den frühesten Beispielen des Barock, wobei die Manieristen fest in der Mitte standen.

Die Ansichten darüber, was die Barockzeit darstellen würde, waren sehr unterschiedlich. Manche würden es mit der Renaissance und dem Manierismus vergleichen und darin eine Neubelebung der europäischen Kunst mit Bewegung, Farbe und Ausdruck sehen. Andere hielten es jedoch für übertrieben und unnötig kompliziert, aber die Stärken dieser Bewegung wurden durch ihr Überleben vom frühen 17. Jahrhundert bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts unterstrichen, als sie bis dahin viele künstlerische Disziplinen beeinflusst hatte weit über die reine bildende Kunst hinaus.