Zwei Mädchen mit Oleander

Zwei Mädchen mit Oleander Das klassische Ölgemälde aus dem Jahr 1890 zeigt eine Reihe exquisiter Details, während der Künstler Gustav Klimt den Höhepunkt seines realistischen Stils erreicht.

Der durch das Kunstwerk dargestellte Renaissancestil unterscheidet sich stark von dem Thema des Künstlers aus dem 20. Jahrhundert, zeigt jedoch eine neue Form der Schönheit. Die zwei Mädchen mit Oleander ist eines der frühesten Gemälde des Künstlers, das den Menschen aufgrund der meisterhaften Liebe zum Detail und der Vielzahl von Details schockiert. Das Gemälde ist sehr orientalisch, in einem horizontalen, flachen Stil und unterscheidet sich von den anderen Arbeiten des Künstlers. Das Kunstwerk verfolgt einen anderen Ansatz als Klimts andere Arbeiten, die Allegorien, Wandbilder und Porträts zeigen. Das Gemälde zeigt die natürliche Präsenz des Künstlers als eines seiner Gründungskunstwerke. Der Stil hinter den Gemälden ist durch die meisterhaften Details in Architektur, Kostümauswahl und Profilen im Stil der italienischen Renaissance gehalten.

Die klassische Darstellung der Mädchenzüge basiert auf einem realistischen Ansatz, wird jedoch durch den modernen Jugendstil behindert, der auf dem Hintergrund des Gemäldes vorherrscht und einen Kontrast zwischen den Werken schafft. Das Hauptaugenmerk des Gemäldes liegt auf den detaillierten Details, die auf den Gesichtern des Mädchens dargestellt sind. Die beiden stehen nebeneinander und starren in den schönen Oleander, der vor ihnen steht. Das ältere Mädchen mit dem kleinen Hut streckt ihre Hände nach der schönen Blume aus und analysiert ihre Form. Das jüngere Mädchen folgt ihrer Führung, während sie auf die prächtige Blume blickt, die sich in ihrer Schönheit und Textur verliert. Gustav Klimts klassisches Kunstwerk veranschaulicht die Gesichtsdetails der Mädchen immens durch ihre blasse Haut, ihre zierliche Nase und ihren locker bemalten Kiefer. Der Oleander ist mit einer Reihe wunderschöner sanfter Farben bedeckt, die auf einer rosa Palette basieren, die durch dunklere Farben wie Fuchsia und Hellrosa akzentuiert wird. Diese Farben greifen die Blumen so auf, wie sie der Künstler in ihrer exakten Form gemalt hatte.

Der Oleanderstrauch wächst außerhalb eines Topfes, da die Blume innen abgebildet ist. Die Pflanze wurzelt in einem großen Stamm, der sich in verschiedene Abschnitte verzweigt und schließlich Blüten und Blätter hervorbringt. Interessant an dem Stück ist der Hintergrund, der sich in eine metallische Farbe verwandelt. Während das Kunstwerk eines der ersten Gemälde von Gustav Klimt ist, der Betrachter sieht bereits seinen revolutionären Stil, der die Menschen noch Jahrhunderte lang ergreifen wird. Goldbronzetöne füllen den Hintergrund der Wände. Bei näherer Betrachtung der Arbeit scheint die Umgebung die Außenseite eines Hauses darzustellen.

Die Goldtöne füllen die Außenwand, während sie an den Seiten mit schwarzen Details verziert ist. Dieses Muster ähnelt stark dem orientalischen Patchwork, das Gustav Klimts Werk ergreifen wird, wenn der Künstler in seine bemerkenswert bekannte Goldphase eintritt, in der er seine berühmtesten Werke produzieren wird, darunter Der Kuss, Mutter und Kind und Beethovenfries. Während Gustav Klimt durch verschiedene Formen eine Reihe von Stilen aufgegriffen hat, hatte der Künstler seine Technik auf Realismus gegründet.

Bei der Entscheidung, sich an der Kunsthochschule einzuschreiben, war der Stil, auf den man sich hauptsächlich konzentrierte, der Realismus. Klimt hatte dann seinen Stil nach der Wiener Secessionsbewegung in den Jugendstil überführt und dann in seinen Porträts zum Impressionismus übergegangen. Der Künstler war schließlich in seine goldene Phase eingetreten, während er Landschaftszeichnungen interoperierte. Während der Künstler in seinem gesamten Werk eine Reihe von Übergängen durchlaufen hatte, die ihn in seine kritische goldene Periode brachten, war Realismus die Grundlage des Stils des Künstlers.

Viele große Künstler arbeiten darauf hin, Realismus zu erreichen, da dies die komplexeste Form ist, die durch ihre schwierigen Details im wirklichen Leben zu erreichen ist. Klimts immense Fähigkeiten gingen jedoch nach außen zu dem Stil hin zu abstrakteren Stücken über, von denen der Künstler glaubte, dass sie mehr Leben illustrierten.