Kunstgeschichte

Entdecken Sie in diesem umfassenden Führer die berühmtesten Künstler der Welt von der Vorgeschichte bis hin zu den modernen Künstlern des 21. Jahrhunderts. Jeder Künstler wird separat im Detail mit zusätzlichen Artikeln untersucht, in denen verschiedene Kunstrichtungen allgemeiner diskutiert werden.

Kreativität ist ein wesentlicher Bestandteil des Menschseins. Während jedes Tier Emotionen erlebt, hat kein anderes Tier die Fähigkeit auszudrücken, wie es denkt, fühlt und durch die Schaffung von Kunstwerken sieht. Unsere Fähigkeit zu visualisieren und zu erschaffen ist Tausende von Jahren alt. Es ist ernüchternd, sich daran zu erinnern, dass die großartige Kunst des Paläolithikums, die die älteste Form menschlicher Kreativität darstellt, erst seit zwei Jahrhunderten bekannt ist. Bis in die 1830er Jahre galt Kunst als Erfindung zivilisierter Menschen, beginnend mit den Griechen, mit dem Mittelalter am Ende des Römischen Reiches in die Barbarei verfallend und mit der Renaissance wieder auftauchend. Die Kunst früherer Zivilisationen wie des alten Ägypten und Mesopotamiens wurde, obwohl faszinierend und hoch entwickelt, als primitiver angesehen als die der hellenischen Kultur. Die Griechen legten die Grundlagen der Kunst, wie wir sie verstehen, so wurde zumindest argumentiert.

Die Artefakte des Paläolithikums waren nicht ganz unbekannt. Menschen hatten seit Jahrhunderten bearbeitete Pfeilspitzen und Speerspitzen aus Stein gefunden und sie oft der Arbeit übernatürlicher Wesen wie Feen zugeschrieben oder spekuliert, dass sie bei einem Gewitter vom Himmel gefallen waren. Dann, im Jahr 1833, entdeckte und zeichnete ein französischer Arzt namens François Mayor einige gravierte und verzierte Geweihe, die sofort den Kelten zugeschrieben wurden, da dies eine Zeit von großem Interesse für die vorrömischen Völker Westeuropas war, von denen die meisten von ihnen waren wurden als "keltisch" bezeichnet.

Der Schock des Alten

Tatsächlich hatte Mayor die ersten Beispiele paläolithischer Kunst aufgezeichnet. Noch größerer Ruhm sollte mit der Entdeckung der großartigen Gemälde von Altamira und Lascaux kommen, die Tiere wie Bisons und Pferde darstellten, die so frisch und lebendig aussahen, als wären sie Tage zuvor geschaffen worden. Als das Alter dieser Werke zu schätzen begann, war die Wirkung schockierend. Alte Vorstellungen von Zeit und Raum stürzten in den Abgrund; Das Universum war unvorstellbar groß, die Erde unvorstellbar alt, und Menschen schufen seit Tausenden von Jahren Kunst. Die älteste Höhlenkunst, die kürzlich entdeckt wurde, ist indonesisch und über 40.000 Jahre alt.

Wunderschön, mysteriös und eindeutig das Werk talentierter Künstler, erregten die Höhlenmalereien die Fantasie der Öffentlichkeit. Was war ihre Bedeutung? Warum wurden sie geschaffen? Nach zwei Jahrhunderten der Forschung glauben Forscher nun, dass die europäischen Höhlenmalereien und die entsprechende frühe Kunst aus der ganzen Welt das Streben der menschlichen Vorstellungskraft darstellen, ihre Umgebung zu verstehen. Sie sind keine statischen Kunstwerke; Sie waren wahrscheinlich der Mittelpunkt anderer Aktivitäten, bei denen Feuer zusammen mit Geräuschen und Bewegung verwendet wurde, um eine kollaborative Erfahrung zu schaffen, die zu einem Gemeinschaftsgefühl und einer magischen Kontrolle über die Umgebung beitragen würde.

Die Themen Schönheit und Funktionalität wurden daher lange vor der Philosophie von William Morris („Habe nichts in deinen Häusern, von dem du nicht weißt, dass es nützlich ist oder für schön hältst.“) etabliert. Die Kunst des alten Ägypten, beginnend mit der Vereinigung der beiden Länder im Jahr 3100 v. Chr., scheint ebenfalls mysteriös und magisch zu sein, war aber im Wesentlichen funktional. Ägypten wurde lange Zeit zugeschrieben, dass es zu Beginn der Zeit „neun Maß Magie“ erhalten habe, sodass allen anderen Kulturen nur ein Zehntel zur Verfügung stünde. Magie war ein lebenswichtiger Aspekt der Existenz, der jeden Bereich des Lebens durchdrang, so wie der Nil lebensspendenden schwarzen Schlick brachte, um den Boden jährlich zu düngen. Heka, das ägyptische Wort für magische Kraft, verlieh den zweidimensionalen Malereien und Reliefs an den Wänden von Tempeln und Gräbern zusätzliche Dimensionen.

Als der Grabbesitzer und seine Frau und Familie vor einem riesigen Festmahl sitzend dargestellt wurden, mit Gefäßen mit Wein oder Bier und Geflügel und Rinderkeulen, die hoch vor ihnen gestapelt waren, war es Heka, der sie in der Realität wieder herstellte Leben nach dem Tod. Die Perspektive war weniger wichtig als die Darstellung von Menschen, Tieren und Gegenständen in möglichst vollständiger Form. Wenn der Betrachter genau hinschaut, wird er daher die Unmöglichkeit und doch praktische Anwendbarkeit der ägyptischen Kunst sehen; Menschen haben Gesichter, die im Profil betrachtet werden, aber Augen, die wie von vorne betrachtet werden; Ihre Brust ist wie von vorne und ihre Beine von der Seite zu sehen, wobei beide Arme sichtbar sind. Wichtig ist, dass sie möglichst ganzheitlich abgebildet werden. Es war eine Ansicht, die sich in der Kunst des Einbalsamierers widerspiegelte, der fehlende Finger, Zehen,

Ägyptische Kunst war praktisch. Es erlaubte den Toten, die Ewigkeit in einem Leben nach dem Tod zu genießen, das von Osiris, dem Gott der Toten, regiert wurde, in einem Land, das wie das echte Ägypten aussah, aber ohne Schmerz, Arbeit oder Entbehrung; mit anderen Worten, ein übernatürlich reales Ägypten. Im Laufe der Zeit tauchten mehr naturalistische Themen auf und schufen Kunstwerke, die eine Vision des Lebens im echten Niltal darstellen und den Betrachter noch heute in Erstaunen versetzen. Bunte Schmetterlinge und realistisch dargestellte Insekten lassen sich auf Pflanzen nieder, Fische schwimmen in den kühlen Tiefen des Flusses, Herrscher fahren in Streitwagen in den Krieg oder zur Jagd, und Arbeiter schneiden auf den Feldern die Gerste, um Brot und Bier zu machen.

Halbgöttliche Herrscher und die Harmonie von Himmel und Erde

Ägypten war in den Tagen des Pyramidenbaus im Wesentlichen noch eine steinzeitliche Kultur, die von halbgöttlichen Königen regiert wurde, deren gewaltige Monumente bis heute erhalten sind. Das Thema des Herrschers, der teils göttlich, teils menschlich ist, entwickelte sich im gesamten bronzezeitlichen Ägypten und im größten Teil der antiken Welt weiter. Viele Denkmäler und Reliefs waren der Elite als herrschenden Vermittlern zwischen Himmel und Erde gewidmet. Sie waren wesentlich für den anhaltenden Sieg der Ordnung über das Chaos, eine Idee, die in der Kunst vieler Kulturen immer wieder zum Ausdruck kommt. Im Laufe der Zeit begannen sich die einfachen Menschen Konzepte anzueignen, die zuvor nur der Elite zugänglich waren, wie zum Beispiel die Idee des Lebens nach dem Tod. Diese Themen wurden in ihren eigenen Gräbern neu interpretiert.

Bis europäische Entdecker über die Ozeane aufbrachen und neue Kulturen entdeckten, waren die Ansichten über die Natur der Kunst die der bekannten Welt, die das Mittelmeer, Nordafrika, Syrien, Anatolien, Persien und schließlich Nordeuropa und Skandinavien umfasste. Die magische Kraft der Kunst war jedoch nicht auf diese Regionen beschränkt. Von China bis zu den Kulturen Südamerikas wurden magische Kunst und Artefakte für halbgöttliche Herrscher hergestellt, um nicht nur ihre eigene Existenz im Jenseits sicherzustellen, sondern auch den Fortbestand der kosmischen Harmonie in der Welt der Lebenden. Magie, die Götter und ihre Beziehung zu den Menschen wurden in Kunst und Architektur sowohl für die Lebenden als auch für die Toten ausgedrückt.

Bilder oder Symbole übernatürlicher Wesen sind in der Kunst aller Kulturen verbreitet, von den Inuit bis zu den australischen Ureinwohnern. Kunst könnte als buchstäbliches Denkmal fungieren, als Erinnerungssystem, das diejenigen, die es sahen, an Menschen, Orte, Reisen und Ereignisse erinnerte. Auch heilige Spiele wie der Stiersprung auf Kreta und die rituellen Ballspiele Südamerikas haben die Kunst inspiriert. Die Kunst des vorkolonialen Nordamerikas hat ihre eigenen Mythologien und Pantheons göttlicher und halbgöttlicher Wesen. Die massiven Skulpturen hinduistischer Tempel offenbarten das komplexe Leben der Götter, während winzige Statuen von Hausgottheiten, die in vielen Kulturen Ahnenfiguren darstellten, die Familien beschützten, die sie verehrten. Bis in die Neuzeit haben die Gesellschaften die Kunst nicht als separate Aktivität abgegrenzt. Es war mit jedem anderen Aspekt von Leben und Tod verstrickt.

Griechische Kunst und die menschliche Form

Mit dem Aufstieg der griechischen Kultur im ersten Jahrtausend v. Chr. Verlagerte sich der Fokus auf natürlichere Ausdrucksformen menschlicher und göttlicher Formen. Für die Griechen waren die Götter übermenschliche Wesen, die genau so dargestellt werden konnten – überaus mächtig und doch erkennbar menschlich. Was heute von vielen alten Kulturen übrig bleibt, insbesondere Statuen, gibt keinen wirklichen Hinweis auf die ursprüngliche Wirkung der Kunst. Statuen waren bunt bemalt. Kunst war eine lebendige Erfahrung, die das Natürliche zum Übernatürlichen erhob. Es war ein wesentlicher Bestandteil der Kommunikation zwischen dieser Welt und anderen Reichen. Kunst war die Sprache der Götter.

In späteren Zeiten in Ägypten, als es viele griechische und später römische Siedlungen gab, entwickelten sich hybride Kunstformen, die griechisch-römische und ägyptische Elemente kombinierten. Die berühmtesten Beispiele sind die Fayum-Porträts, eindringliche Kunstwerke aus Enkaustik, die verwendet wurden, um die Gesichter von Mumien zu bedecken. Sie blicken aus den Verpackungen, realistische Bilder von Menschen, die in der Blüte des Lebens gemalt wurden und die den Betrachter jetzt an seine Kürze erinnern. Wir verdanken unser spärliches Wissen über einige der Überzeugungen der Skythen talentierten griechischen Goldschmieden, die Werke speziell für den skythischen Markt nördlich des Schwarzen Meeres schufen. Diese bemerkenswerten Stücke, die sich jetzt in Sammlungen in der Ukraine und in Russland befinden, zeigen die Kleidung und Pferde der Skythen und weisen auf ihren religiösen und magischen Glauben hin. Wo Kulturen aufeinandertreffen, gibt es seit jeher Synkretismus, die Vereinigung verschiedener Glaubensrichtungen und Gottheiten.

Kaiserliche Kunst und Architektur

Die kaiserliche Kunst war das Markenzeichen der Römerzeit, wobei die Macht und Autorität der Kaiser, von denen viele auch Generäle waren, betont wurden. Sie wurden immer noch als halbgöttliche Wesen in den Statuen dargestellt, die in den inneren Heiligtümern ihrer Tempel von Großbritannien bis Ägypten und darüber hinaus errichtet wurden. Der Reichtum und die multikulturelle Natur des Reiches bedeuteten auch, dass Künstler die Möglichkeit hatten, zu experimentieren. Häusliche Umgebungen hatten ihre eigenen Kunstformen, darunter Statuen, Mosaike und praktische Gegenstände wie Töpferwaren. Dank der Erhaltung von Städten wie Pompeji und Herculaneum nach dem katastrophalen Ausbruch des Vesuvs sind immer noch Wandmalereien zu sehen, die sowohl das Sakrale als auch das Weltliche des römischen Lebens enthüllen.

Dennoch hatten verschiedene Kunstformen in Europa und Nordafrika vor der Ankunft der römischen Herrschaft jahrhundertelang geblüht. Wir wissen weniger über diese Menschen, weil sie keine gebildeten Gesellschaften waren. Sie sprechen uns jedoch durch ihre Kunst an, erzählen dem Betrachter von ihren Talenten in der Metallbearbeitung und Emaille und schaffen schöne und funktionale Gegenstände für den täglichen Gebrauch, von der Dekoration von Pferdegeschirren bis hin zu Eimern und Waffen. Stile, die vor den Römern existierten, setzten sich noch lange nach dem Ende des Imperiums fort, um sich erneut zu ändern, als sie unter neue Einflüsse gerieten. Die Wirbel und Spiralen der alten europäischen Kunst liegen der reichen Symbolik des keltischen Christentums zugrunde.

Religion und Kunst

Alle Religionen, ob die Mainstream-Religionen der Welt oder lokale Glaubenssysteme, verwenden irgendeine Form von Kunst, um Bedeutung und Glauben auszudrücken. Nur der Fundamentalismus leugnet das Schöpferische in der Religion. Darstellungen der natürlichen Welt oder formalisierte und geometrische Darstellungen natürlicher Formen wie in der islamischen Kunst können dem Gläubigen Aspekte der Natur Gottes offenbaren. Die abrahamitischen Religionen Judentum, Christentum und Islam haben einen Großteil der Kunst der Welt inspiriert. Aber auch persönliche Überzeugungen, die in der Kunst der Hausheiligtümer von Afrika bis Amerika zum Ausdruck kommen. Die Natur der Religion spiegelt die Natur ihrer Kunst wider.

Die westeuropäische Kunst wurde stark vom Christentum beeinflusst, wobei sowohl das westliche als auch das oströmische Reich, Rom und Byzanz, die ursprünglichen Lagerhäuser waren. Die Bewegung des Christentums in ganz Europa kann durch die Kunst und Artefakte jeder Region abgebildet werden, von den Lindisfarne-Evangelien bis zu Bildern der Heiligen Drei Könige in Köln. Das frühe Mittelalter, einst als dunkles Zeitalter bekannt, war alles andere als dunkel. In den alten Zentren der Welt wie Kairo blühten Kunst und Architektur noch immer auf, während in Irland die keltische Kirche glorreiche Kunst hervorbrachte, die ein Niveau an Können offenbart, das selbst heute kaum zu übertreffen ist.

Die Renaissance: Die Thronbesteigung der Kunst

Die Renaissance wird oft nicht nur als Repräsentant der Wiederherstellung der Prinzipien der Kunst der klassischen Antike angesehen, sondern auch als Reifung der Kunstformen. Vielleicht ist der wahre Triumph der Renaissance ihre Harmonisierung von sakralen und weltlichen Themen. Ein Großteil der Kunst der Renaissance wurde von mächtigen, wohlhabenden Familien und Einzelpersonen inspiriert und finanziert. Künstler der Renaissance brachten die Autorität dieser einflussreichen Persönlichkeiten häufig durch die Verwendung religiöser Themen und Bilder zum Ausdruck. Das kühnste dieser Kunstwerke ist Benozzo Gozzolis „Reise der Heiligen Drei Könige nach Jerusalem“, das im Wesentlichen ein „Who was Who“ des Hofes von Lorenzo dem Prächtigen darstellt, dargestellt als Gefolge der Heiligen Drei Könige.

Die Renaissance markierte auch den Beginn des wissenschaftlichen Denkens mit den visionären Werken von Leonardo da Vinci und seinen Experimenten mit anatomischen Zeichnungen. Selbst als die Renaissance blühte, wurden die Samen für religiöse und weltliche Veränderungen gesät, insbesondere in Nordeuropa. Die Kunst des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts zeigte mächtige Herrscher und Monarchen, die in prächtigen Umgebungen und häufig zu Pferd ausgestellt wurden. Im 17. Jahrhundert begannen auch weltliche Herrscher und nüchtern gekleidete Kaufleute, ihre eigenen Porträts zu haben, was ihren zunehmenden Reichtum und Einfluss widerspiegelte. Siehe auch die Skulptur von Donatello.

Auf dem Weg zur Neuzeit

Nach 1600 ist die Kunstgeschichte von zunehmender Säkularisierung und Spezialisierung geprägt. Die Porträtierung der Aristokratie setzte sich fort, wie zum Beispiel in den Bildern englischer Vollblutzüchter und ihrer Pferde aus dem 18. Jahrhundert. Es entstanden verschiedene Stile, darunter realistischere Szenen des Alltags und gewöhnlicher Menschen sowie idealisierte pastorale Bilder. Die europäische Besiedlung Amerikas und Australiens brachte neue Ansätze und weitreichende Themen, wie die der Hudson River School. Kunst wurde zu einer zweischneidigen Waffe; es könnte als Mittel zur gemeinsamen Kommunikation mit anderen Kulturen, aber auch für Propaganda und imperialistische Ideologie verwendet werden.

Die zunehmende Industrialisierung des 19. Jahrhunderts brachte größere Verwerfungen und paradoxerweise größere Freiheiten für Künstler. Die Idee, dass der Künstler seine eigene Vision schafft, ohne dass ein Mäzen benötigt wird, markierte einen großen Wandel. Künstler fühlten sich zunehmend frei, zu experimentieren, wobei die Arbeit der Impressionisten ein führendes Beispiel lieferte. Andere Schulen, wie die Präraffaeliten, blickten in die Vergangenheit, weg von der Hässlichkeit der modernen Industrieproduktion.

Moderne und postmoderne Kunst

Anstatt die moderne Welt zu fürchten oder zu hassen, nahmen moderne Künstler sie an. Lange bevor John Brunner den Ausdruck „Schockwellenreiter“ prägte, um diejenigen zu beschreiben, die sich an den Schock aufkommender Technologien anpassen mussten, surften moderne Künstler auf der Flut neuer Ideen. In der Kunst ging es nicht mehr um die Aufrechterhaltung des Establishments, sondern um den freien Austausch von Emotionen, Gedanken und Ideen. Es war ein Mittel des persönlichen und politischen Ausdrucks. Die Trennung des Establishments und vor allem der Religion von der Kunst wurde als befreiend empfunden. Künstler waren jetzt wirklich die Avantgarde; Sie gingen mit gutem Beispiel voran und wussten, dass Veränderungen unerlässlich sind.

Kunst wurde zu einem revolutionären Akt, und obwohl Künstler das Neue begrüßten, verehrten sie nicht alle Aspekte. Picassos Guernica gilt zu Recht als eines der bedeutendsten Werke des 20. Jahrhunderts: wütend, bewegend und letztlich zum Handeln auffordernd. Während postmoderne Künstler weiterhin ihre eigenen persönlichen und politischen Reaktionen auf die Welt gestalten, erinnern sie diejenigen, die ihre Arbeit beobachten, an den einen gemeinsamen künstlerischen Faden durch die Zeit: die Vision des Künstlers. Wir alle können uns jetzt an diesen wunderbaren Beispielen der Kreativität in unseren eigenen vier Wänden erfreuen, mit Kunstdrucken und sogar digitalen Kunstleinwänden. Darüber hinaus wird diese Website durch Werbung bezahlt, und kürzlich haben wir unsere Werbeeinnahmen durch die Nutzung des Ezoic-Programms gesteigert.