Zeichnungen

Albrecht Dürer war einer der wichtigsten Handwerker in Nordeuropa, der die Art und Weise veränderte, wie Menschen Malerei sahen, und die Grundlage für seine Errungenschaften in diesem Medium begann mit seinen Zeichnungen.

Dürer ist am besten als einer der besten Handwerker anerkannt, die mitten in der Renaissance aus Nordeuropa stammten. Es ist wichtig zu bedenken, dass die einzigartigen Umstände in Dürers Leben dazu geführt haben, dass er verschiedene Stile und Verfahren geschaffen hat. Von seinen Themen bis zu den guten Medien, die er verwendete, unterschied er sich in seiner Virtuosität. Er konzentrierte sich jedoch auf drei wichtige Gebiete; Malerei, Druckgrafik und theoretische Arbeiten.

Dürers erstes Stück war ein Selbstbild, das im Alter von 13 Jahren mit Silberstift gemacht wurde. Er verwendete Silberstift für verschiedene Illustrationen, insbesondere für die nach 1520 und seinen Besuch in den Niederlanden. Seine zunächst bedeutende Selbstdarstellung entstand um 1493 in Straßburg. Der Stil des Handwerkers änderte sich, als er 1494 Italien betrat und anfing, Aquarelle für seine Darstellungen zu verwenden. Er schuf viele Szenendarstellungen der Alpen bei seiner dortigen Gelegenheit und nahm außerdem Holzschnitte und Kaltnadel aus Werken von Martin Schongauer auf.

Die gerade entstandenen Radierungen und Illustrationen von Dürer zeigen die Wirkung Schongauers und zusätzlich die Antonio Pollaiuolos. Albrecht Dürer hatte alles, vom feinen Auge Raffaels bis zum großartigen Verstand von Leonardo da Vinci. Mit 13 Jahren schuf er die pünktlichsten bekannten Selbstporträts, die europäische Handwerkskunst anzogen, und ein Teil der wichtigsten bleibt Einzelszenen.

Er brachte die formbare Wärme der klassischen italienischen Malerei in den fröstelnden gotischen Norden und veränderte das Holzschnittmedium von halbgesellschaftlicher Handwerkskunst zu überzeugendem Kunstwerk und künstlerischer Arbeit in der Realität. Die Klassifizierung als ausgezeichneter Handwerker deutet auf einen unglaublichen Maler hin, und Dürer war das, aber es gibt einen Grund zu glauben, dass er am innovativsten, umfassendsten und am längsten in seinen Versuchen auf Papier war. Eine Bestätigung dieser Behauptung findet sich in einer erstaunlich freizügigen Präsentation mit dem Titel „Albrecht Dürer: Meisterzeichnungen, Aquarelle und Drucke aus der Albertina“.

Einige seiner berühmtesten Porträts – Praying Hands, die unaussprechliche Aquarell- und Gouachemalerei sind als The Great Piece of Turf bekannt – gehören zu den etwa 100 Werken. Fast alle stammen aus der Albertina in Wien, dem Hauptlager von Dürers realistischer Handwerkskunst, doch auch dort werden sie selten in dieser Breite gezeigt. Dürer war das Kind eines Goldschmieds, und nach einiger grundlegender Nachhilfe – als Erwachsener bedauerte er, dass er sie nicht mehr erhalten hatte – wurde man darauf vertraut, dass er sich dem Familienaustausch anschloss. War das Selbstporträt ein Hinweis auf Großes? Das hätte es zweifellos sein können. Es ist die Hauptsache, die wir in der Show finden, und es ist enorm.

Ein Bild aus dem Jahr 1484 zeigt eine Zeichnung in Silberstift eines Jugendlichen mit langen Haaren und fetten Säuglingswangen und völlig offenen, hypnotisierten Augen, die höchstwahrscheinlich auf sein Erscheinen schauen. Wenn der jugendliche Zeichner nicht alles richtig gemacht hat, so hat er doch eine virtuose Vorstellung in Sachen geboten. Außerdem erschien hier eine ganze Menge der kommenden Dürer. Der zielstrebige Pragmatiker, der bildnerische Drehbuchautor, wie er mit starkem, klarem Fingerspitzengefühl den Weg lenkt und der formal virtuose Umgang mit einem unversöhnlichen Medium mit Silberstift, wenn man einen Fehler begeht, muss man ohne Vorbereitung beginnen und es meistern.

Nach seinem zweijährigen Aufenthalt in Venedig Italien kehrte Dürer nach Deutschland zurück. Er hatte gerade begonnen, italienische Drucke zu vervielfältigen; jetzt begann er damit, klassische Themen an die gotischen Traditionen anzupassen. Die Ergebnisse mit ihrer gebogenen, anstrengenden Leichtigkeit sind alles andere als schwer zu lieben, aber sie sind immer wieder faszinierend. Wie postmoderne Mischlinge liegt ihre Energie gerade darin, dass sie aufgewühlt, problematisch und ängstlich erscheinen. In seiner Werkstatt begann Dürer, das Handwerk der Verwendung von Sticheln für Radierungen zu verbessern, was mit seiner Kindheit als Goldschmied verbunden war. Sein verlorener Sohn war ein besonders kunstvoller Höhepunkt dieser Klasse, da er sie nutzte, um Szenen und Kreaturen detailliert darzustellen.

Ab sofort begann er zusätzlich, Aquarelle und Körperfarben zu verbinden, wie sie im Young Hare zu finden sind, bevor er sich auf den Weg nach Italien machte und mit Stoff- und Gummifarbe arbeitete. Seine Altarbilder und Bilder aus dieser Zeit zeigen deutlich die Wirkung italienischer Handwerkskunst und auch seine germanischen Wurzeln. In einer Radierung mit dem Titel „Das Seeungeheuer“ aus der Zeit um 1498 lehnt sich eine nackte Dame mit beunruhigter Miene auf den Rücken eines Tritonen, der alle Anzeichen dafür hat, sie abzulenken. Die Geschichte ist nicht klar; Dürer hat es vielleicht nur erfunden, um einen Bare zu machen. Ungeachtet dessen scheint seine Betrachtung ähnlich, wenn nicht sogar noch stärker, von der Gründung angezogen zu werden, einer baumgeschmückten nördlichen Szene aus Bergen und Poststädten, vernünftigerweise Punkt für Punkt bis zu jedem Blatt und Stein. Sobald unsere Augen dieses Porträt sehen, wollen sie dort bleiben, assimiliert in der Natur,

Eine weitere künstlerische Schöpfung, die Dürer 1503 mit dem Titel Jungfrau und Kind mit einer Vielzahl von Tieren und Pflanzen schuf, verwandelt die Welt in einen großen Streichelzoo. In Great Piece of Turf aus diesem Jahr zeigt er aus der Insektenperspektive eine Grasbüschel, die auch ein kleines Eden ist, das vor saftigem Leben erzittert.

Als Dürer 1507 nach Nürnberg zurückkehrte, begann er mit der Herstellung der Stücke, mit denen er am meisten in Verbindung gebracht wird. Er begann mit Holzschnitten, die eine solide venezianische Wirkung hatten, und Dürers Hell-Dunkel-Konsequenzen für die Ausstellung, die er geschaffen hatte. Er war der Erste, der verstand, dass die Beeinflussung eines Mitteltons im Druck Schatten hervorheben und komplex machen kann. Radierungen, Holzschnitte und Materialdarstellungen standen ganz oben auf Dürers Plan, und erst nach seiner Ernennung durch die Kaiser kehrte er zur Malerei zurück.

1513 erkrankte seine Mutter, mit der er zutiefst verbunden war, an einem qualvollen Tod. Dürer lieferte mit den Radierungen „Ritter, Tod und Teufel“, „Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer“ und „Melancholie I“ drei seiner tiefgründigsten und emblematischsten Bilder Weigerung zu alptraumhafter Traurigkeit. Um 1518 begann er, theoretische Arbeiten zu liefern, bevor er sich auf den Weg in die Niederlande machte, wo er viele geschätzte Illustrationen mit Kreide, Kohle und Silberstift schuf.

In existenzieller Angst begann der Handwerker ebenfalls auf der Figur Martin Luthers zu harfen und vermittelte damit seine Begeisterung, ihn zu malen. Dürer hat den römischen Katholizismus vielleicht nicht aufgegeben, aber sein Selbstvertrauen war erschüttert. Er lieferte weiterhin religiöse Bilder. Allerdings handelt es sich bei einem Teil der neuesten Stücke in der Ausstellung um Standard- oder Semi-Mainstream-Themen. Vorab bemerkenswerte Federillustrationen von Dürers Kunstwerkzeit 1513 waren Entwürfe für Dürers Weggefährten Willibald Bruckheimer.

Die Auswahl wurde in späteren Jahren verwendet, um die gefeierten Leuchten Lusterweibchen zu skizzieren. Dürers Spätwerk ist darüber hinaus ein Garant für protestantische Befindlichkeiten. So wird sein Holzschnitt „Das letzte Abendmahl“ von 1523 regelmäßig als ein leidenschaftliches Thema verstanden, das sich auf die Bewahrung des Evangeliums durch Christus konzentriert, auf die Betrachtung des eucharistischen Gefäßes, obwohl dies ein Ausfluss des protestantischen Utraquismus ist dass dieses Verständnis angesprochen wurde.